Foto di Francisco de Goya | Goya. Pittore in stile rococò.

L'opera di Goya è notevole non solo perché appare come un documento vivente degli eventi e le idee del suo tempo, ma anche perché può rilevare preoccupazioni che sono sopravvissuti fino ad oggi. Oltre a straordinario pittore, era anche un creatore in grado di intravedere nuove vie che sono state poi Esplorate accuratamente da artisti successivi.

Coraggiosamente indipendente e altamente originale, Goya era un pittore in stile rococò quando moda rococò era diventato estinto in Europa. Era un pittore illustrato, ma refrattari al neoclassicismo. Era un pittore della personalità vigorosa, ma in un tempo in cui la pittura spagnola mancava personalità. Era un pittore di decorativista nelle sue origini, accademico quando era incoraggiato sue cortigiane e ambizioni espressionista con un secolo in anticipo, in opere come due vecchi mangiare. È stato anche considerato da alcuni critici come un precursore dell'Impressionismo, di opere come la lattaia di Bordeaux (1828, Museo del Prado), o il simbolismo, il colosso o panico, ma, in ogni caso, è decisamente non classificabile dal set insolito delle sue stampe (capricci, corrida, disastri, sciocchezze) e i disegni strani che proliferano nei loro album. La Mostra con annotazioni seguente consente di seguire l'evoluzione, in ordine cronologico, della carriera ricca e variegata.

Gli uomini mascherati e il pestello

1777
Tela di canapa. 2.75 x 1.90
Museo del Prado, Madrid.

La produzione di Goya è enormemente ricca e vario. Il Prado, che ha una quantità incredibile di opere, Mostra quasi interamente l'evoluzione lenta e personale della sua sensibilità. Qui sono rappresentate le principali tappe della vita artistica di Goya, dalla pittura sua precoce Madrid - cartoni per gli arazzi che danno la sua apparizione live, sensibile e popolare, a volte venato di ironia e umorismo, anche con qualche grazia rococò nel vostro trattamento - fino al triste e drammatiche "Pitture nere" nella sua vecchiaia, che sembrano annunciare così tante direzioni della pittura contemporanea attraverso ritratti ufficiali, immagini della storia e alcuni dei suoi migliori sforzi accademici, così come molti ritratti privati e piazze meno di carattere molto vari, raccolti attraverso vari canali e non collegati al loro lavoro ufficiale.

Il suo lavoro come un fornitore di cartoni per la fabbrica di arazzi Royal, che era il suo primo lavoro di Madrid, memorizzati nel Prado quasi nella sua interezza. Può essere visto come nel senso della lunghezza di quasi vent'anni che durò questa attività, dal 1775 al 1792, che Goya stava approfittando di questo obbligo quasi artigianale di testare, armonizzare, variare le composizioni, osservare e interpretare la realtà; cioè come scuola di pittura pura.

Le prime opere, anche goffa, mediocre, senza alcun successo personale che li distinguono dalla dei suoi cognati Bayeu, passa presto esperienza sicuro che avverte i cartoni che batte nel 1777. Che data è il pestello e uomini mascherati, divertente decorativi boot, già verniciato con una notevole ricchezza di toni caldi e una sicurezza di pennello.

L'uomo cieco

1788 1789
Tela di canapa. 2,69 x 3,50
Museo del Prado, Madrid.

Vignettista tardorrococo divertito Goya, all'inizio, l'umanità come uno spettacolo di marionette. Nel suoi allegri cartoni per arazzi nei dipinti degli anni settanta e ottanta, le loro figure mantengono un equilibrio fragile, movimenti descritti azioni incompiute e rappresentato volti sono maschere di porcellana. Nota, se non, il cerchio sorridente e la giocosità del cieco nato (1788-1789), conservato nel Museo del Prado.

Il venditore di stoviglie

1779
Tela di canapa. 2.59 x 2,20
Museo del Prado, Madrid.

Dipinta nel 1779, il venditore di stoviglie o L'alberino della Cina, come egli è indicato nei documenti, è già un capolavoro dipinto con una ricchezza e la raffinatezza che supera, di gran lunga il semplice intenzione decorativo che è stato inteso. Tali cartoni così sottile e raffinati la sua tecnica, così ricca di termini e sfumature, sono quelle causate in alcune proteste di casi dei tessitori che avvertito quasi, difficoltà, impossibilità di passare tante sottigliezze al tessuto. Rispetto all'anno precedente, 1778, Goya ha avuto accesso alle collezioni Royal, e lo studio e la meditazione sui vecchi maestri, soprattutto Velázquez, dare il suo frutto in cartoni di questi anni, con la sua lontananza grigio, che attesta il graduale raffreddamento della sua tavolozza.

Ritratto di María Teresa de Borbón y Vallabriga

1783
Tela di canapa. 0,80 x 0,60
Galleria degli Uffizi, Florence.

María Teresa de Vallabriga sposò l'infante Luis Antonio de Borbón, figlio di Felipe V e fratello di Carlos III. Questa tela è forse lo schizzo per un lavoro più ampio. Vestito in blu nella figura envarada di Amazon, il cavallo di legno, il paesaggio collinare e la terra arida in primo piano hanno la freschezza e l'immediatezza del impreciso e rapidamente preparato. Il lavoro può essere datato intorno al 1783.

Il muratore ferito [dettaglio]

1786 1787
Tela di canapa. 2.68 x 1.10
Museo del Prado, Madrid.

1786 o 1787, con il muratore ferito, Goya fa uno dei lavori più noti di questo periodo. Formato molto stretto e alto, condizione imposta per motivi decorativi, che rappresentano due muratori che si trasferì a un collega probabilmente ferito dopo essere caduto da un'impalcatura.

L'immagine ha anche un notevole interesse tematico, che diventa il pittore (come ha sottolineato in diverse occasioni) in un precursore della pittura"sociale". A questo periodo risale un decreto reale di Carlos III per anticipare gli incidenti di costruzione funzionano e attivare il soccorso ai feriti. Il decreto che ha chiesto danni al Maestro delle opere in caso di incidente, stabilito gli standard per ponteggi sollevamento prudente, minacciato di carcere e multe in caso di negligenza e sottolineato aiuti economici per i sopravvissuti e le loro famiglie.

Di conseguenza, Goya collabora con questo dipinto su una nuova politica per lo sviluppo e la dignità del lavoro, così Tuning con sentimento più progressivo per il suo tempo. Per dipingere questo patetico arazzo fatto eco un problema sociale grave e comune.

È curioso, tuttavia, osservare come, per ripetere dopo gli anni di composizione per l'armadietto della duchessa di Osuna, cambiato il dramma di ironia, di sostituire i feriti da un ubriaco volto gonfio e meccanico che ride. Senza dubbio, il tema della versione iniziale non era adatto per il boudoir della Duchessa.

Il nevada

1786 1787
Tela di canapa. 2.75 x 2,93
Museo del Prado, Madrid.

Dipinta nel 1786, anno felice per il pittore, come ricevette la nomina di pittore del re e afferma il suo prestigio tra gli intellettuali e uomini d'affari Madrid, questo bellissimo arazzo fa parte di una serie di ideali delle quattro stagioni, in cui il floreras incarna primavera, epoca, estate, vendemmia, autunno e il nevada , inverno. Goya era diventato, e giustamente, molto soddisfatti con loro, poi anni dopo ripetono li, in piccolo, per la decorazione di un armadietto della duchessa di Osuna nel suo quinto dell'Alameda. Il nevada è eccezionale come uno studio in grigi e bianchi di raffinata armonia, in cui esistono evidenze del Studio di Velazquez.

I duchi di Osuna e i suoi figli

1788
Tela di canapa. 2.25 x 1,74
Museo del Prado, Madrid.

Goya è stato il ritrattista per eccellenza del medio borghese, culto e intellettualizzato, della fine del XVIII secolo Madrid progressiva. Amico di scrittori, architetti, banchieri e politici, si conclude anche dal contatto con l'aristocrazia; proteggere le duchesse di Osuna e Alba, e infine, come un pittore del re, egli fa ritratti della famiglia reale.

Sua capacità di analisi del modello, la sua penetrazione psicologica e sua maestria tecnica, che risolve la profondità con un impianto di prodigiosa, lo rendono uno dei più grandi ritrattisti della storia della pittura. Di più crudele troppo, perché suo sguardo implacabile penetradora spietato angolo della coscienza e lascia noi, persone che pongono dinanzi ad esso, un vero ritratti morali, i raggi x del pensiero, quale espresso, insieme a tutto l'aspetto esteriore del personaggio, il contenuto della sua anima e la prova, spesso amaro, che se lo merita.

Perché sono doppiamente piacevole quei ritratti che avverte che l'artista ha avvicinato il relativo modello con simpatia o compassione. Questo è vero in Duchi di Osuna e i suoi figli. I duchi, protezioni di Goya, aprono le porte della loro intimità e Goya, nel 1790, li ritrae con evidente affetto che è estremo, specialmente nei bambini, il più veramente infantili, anche nella sua sognante malinconia, molti dipinti Goya, che ha sempre mantenuto una tenerezza di honda verso i bambini.

Il più piccolo dei bambini, che si siede su un cuscino, avrebbe, nel corso del tempo, direttore del Prado, dal 1821 al 1823. La gamma di colori, raffinato e concordato in grigio argento, è magistrale delicatezza. La casella è stato dato al Prado nel 1897 dai discendenti della ritratta.

Ritratto della contessa di el Carpio (La Solana)

Verso 1794-1795
Tela di canapa. 1.81 x 1.22
Musée du Louvre, Parigi.

Come il genio di Goya vario spicca particolarmente nel genere della ritrattistica, spesso trattati con una sorprendente crudeltà satirico. Tuttavia questo lavoro, lasciato nel 1942 da Carlos de Beistegui, aggiunto alla distinzione del modello un'armonia di colori, con sfumature di grigio, bianco e nero, rosa e lilla, che rafforza ancora di più.

Il ritratto raffigura María Rita Barrenechea e Morante, sposata nel 1775 con il conte de Carpio, che ha acquisito il titolo di marchese di la Solana poco tempo prima della morte di sua moglie, nel 1795. Tessuto, così misteriosamente semplice, forse evoca la sensazione della vicinanza della morte in una donna colta e sensibile; in ogni caso, sembra per proporre il superamento della realtà, l'arte o lo spirito, che può essere trovato in altre opere del periodo"grigio" immediatamente precedenti la crisi del 1792 e la sordità di Goya; o, se preferite, prima del 1794, anno in cui il pittore riprese la sua attività.

Don Andrés de el Peral [dettaglio]

1795-1798
Tabella. 0.95 x 0,66
National Gallery, Londra.

Ritratto, Andrés de el Peral, lavorò come pittore e doratore della famiglia reale spagnola dal 1770-1820 e, di conseguenza, era un collega di Goya, denominato questo pittore del re nel 1786. Peral era famoso come un collezionista di quadri, soprattutto di artisti spagnoli dei secoli XVII e XVIII, tra i quali c'erano un gran numero di piccoli dipinti di Goya corrida temi o scene di genere.

Seduto in un basamento verticale sulla sedia e guarda lo spettatore, pera appare come una persona severa. Goya ha espresso qualcosa del personaggio del ritratta attraverso la palette cupa e il tono accattivante dell'immagine. L'opera di Goya come pittore, la sua abilità nel creare effetti brillanti con mezzi limitati e sua penetrante osservazione di soggetti sono mirabilmente presenti in questo ritratto austero.

Il pittore Francisco Bayeu

1795
Tela di canapa. 1.12 x 0.84
Museo del Prado, Madrid.

Dipinta nel 1795 da esporre all'Accademia di San Fernando in occasione l'omaggio postumo alla sessione, Goya ha lasciato qui uno dei suoi ritratti più belli, sobri ed espressive. Francisco Bayeu, cognato, era ben noto a lui. Nel 1786 ha aveva interpretato lui già su una superba tela del Museo di Valencia, dipinta in un intervallo diverso, scuro e denso. In questo ritratto appare che seguì fedelmente un autoritratto della propria Bayeu ed esteso sfondo uniforme e luminoso grigio perla sua eccezionale padronanza nella gestione della fascia argento e freddo.

Il personaggio simpatico duro e un po' degli Aragonesi autoritario significa versione di prova di Goya, lungo anni arrabbiata con lui per motivi economici e la famiglia. L'immagine è stata acquisita nel 1866 per il Museo de la Trinidad, dove è venuto al Museo del Prado.

Ritratto di Maria Teresa de Borbon Godoy, contessa di Chinchón

1797-1800
Tela di canapa. 2.20 x 1,40
Galleria degli Uffizi, Florence.

Il ritratto è la figlia di Luis Antonio di Borbone e María Teresa de Vallabriga. Nel 1799 sposò Manuel Godoy, Ministro e favorito di Carlos IV e Regina María Luisa, ma il matrimonio ha dovuto separare dopo l'espatrio del ministro.

Figura principessa si distingue dallo sfondo scuro con un splendido abito blu molto pallido, cambiato quasi alla rosa. Suo volto, leggermente sprezzante e capricciosa, è incorniciata da alcuni riccioli rossastri, nastri blu e verdi e decorazioni di piuma, dove l'artista ha trasformato la sua tavolozza e il master. L'attenzione di Goya diventa preciso anche gioielli - polsino, collo, gli orecchini..--cui scopo è quello di mostrare la gamma dei giovani ritratte. Nel gioco possono essere visto caratteristiche pittoriche del grande artista: gusto per il colore trattati sottilmente e studio del carattere del personaggio, che è messo in evidenza nell'espressione del viso.

La maja vestita

1797-1798
Tela di canapa. 0,97 x 1.90
Museo del Prado, Madrid.

Famosa per la leggenda che volevamo vedere in essi che la Duchessa di Alba, le Majas sono, forse, il più noto nell'opera di Goya e certamente più extraartistica letteratura ha prodotto. Paradossalmente, essi sono anche opere che hanno meno informazioni documentarie. Essa ha assunto, per motivi tecnici, che sono stati verniciati al 1797-1798, ma non è sicuro di essere contemporanea, e in realtà nulla si sa su di loro fino a quando non appaiono nel 1808 nell'insieme di Godoy, qualificato come «Zingari». Dal 1808 erano presso la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, con beni sequestrati Godoy e nel 1901, siamo andati al Museo del Prado.

Anche se il modello sembra lo stesso e la posizione e l'atteggiamento sono identiche, qualcosa che non è solo il contrasto tra il vestito e il nudo distingue due Majas. La maja vestita è trattato con una tecnica sciolta, vibrante e gratuita: più "Goya", infatti, che la maja desnuda.

Molto meno accademica nella sua finitura, la maja vestita comunica allo spettatore un soffio di vita con malizia, che ha reso lo scrittore Emilia Pardo Bazán descritto come "più nuda", per contrasto con il suo compagno "aporcelanada". Frammenti di pittura pura come la giacca gialla con rivestimento nero o volantini del cuscino sono tra i successi più clamorosi del pennello del suo autore.

La maja desnuda

1797-1798
Tela di canapa. 0,97 x 1.90
Museo del Prado, Madrid.

Si è pensato che entrambi majas formano un dittico, così che il vestito potrebbe scoprire, come restituire una pagina per il nudo. Si tratta di ipotesi molto plausibile, tale 'Fourberies' erano frequenti, anche se in misura minore, in Francia e nell'ambiente degli illuminati. In ogni caso, il nudo maja è uno studio delicato e finito di sfumature perlacee, perfetti come una pittura neo-classica, tornitura e lucidatura il nudo come una porcellana. Forse, proprio per la sua perfezione e suo peso dell'Accademia, il meno "goyesco" di tutta la produzione del pittore. Sia opere erano insieme presso l'Accademia dal 1808, Godoy sequestrati beni e nel 1901, siamo andati al Museo del Prado.

Arresto di Cristo [abbozzo]

1798
Tela di canapa. 0,40 x 0,23
Museo del Prado, Madrid.

Negli stessi anni in cui coltivato con ritratto di assiduità e partecipa attivamente alla vita sociale di Madrid, fino alla sordità prima e gli eventi dell'età napoleonica guerra oscurare lui poi, isolato, Goya coltivato anche pittura religiosa da usare, rendendo omaggio in più di un'occasione per il neoclassicismo di Mengs, prevalente anche. Per questo motivo ha più interesse e quasi eccezionale qualità, questo schizzo superbo.

Nel 1788 il Consiglio della città di Toledo addebitarvi una tela per la sacrestia della Cattedrale: l' Arresto di Cristo (a destra). La scatola, progettata come una scena di notte illuminata da una torcia elettrica, è stato effettuato con grande vivacità e forza espressiva (pulizia recente ha mostrato), qualità che sono estremo in un bozzetto preparatorio (sinistra), che mostra una leggera vibrazione, un gusto per i contrasti violenti e un pennello alla libertà quasi doppia con le opere della sua maturità.

Sicuramente la sensazione di Goya era già in questa direzione di eccitazione luminose e drammatica, che non c'è bisogno di disegnare con Rembrandt. Le richieste della moda e la voglia di eseguire anche il nobile 'stile architettonico' tuoi amici illuminati ammirando, fece frenare questo slancio potente, che fugge con incredibile in quel piccolo schizzo freschezza e intensità.

La famiglia di Carlos IV

1800
Tela di canapa. 2.80 x 3,36
Museo del Prado, Madrid.

Sulla grande tela dal titolo la famiglia di Carlo IV, Goya cercato di evocare in qualche modo Las Meninas di Velázquez. La prima domanda che si dovrebbe chiedere quando guardando questo dipinto ben noto è da dove e a chi concepito questa immagine che coinvolge e comprende un pittore. In ogni caso, la tecnica di pittura di Goya in questa immagine è eccezionale ricchezza e perfezione.

Pittura presenta ombre di grigio e trasparente (posizionate evidenziati grazie al restauro che è stato trasportato fuori dalla tela) che i ricchi abiti, sete, gioielli e il broccato famiglia frizzante miscela reale (le signore portano fasce dell'ordine di Maria Luisa e i maschi di Carlos III). Con il ripristino della tela in ripresa anche profondità e trasparenza originale.

Per la famiglia di Carlos IV, Goya fatto note del naturale, cinque dei quali sono conservati nel Museo del Prado. Il pittore stampata su tessuto, con sorprendente semplicità e sicurezza di tocco, caratteristiche della ritratta. In tela finale questi tratti, ma non basta cambiare, sono, tuttavia, un po' mitigati. Nel punto dell'infanta Doña Josefa María, Goya ha mostrato poco affetto che provava per lei. Crudamente, ha rappresentato un aspetto brujesco e brutta faccia. Nella tela definitivo Goya collocato in un secondo mandato, come ha corrisposto a un carattere di colore grigio, che ha vissuto all'ombra del monarca.

L'infanta Doña María Josefa [dettaglio]

1800
Tela di canapa. 0,74 x 0.60
Museo del Prado, Madrid.

La produzione di ritratti che Goya tenuta deve essere in un generale contesto europeo in cui questo tipo di pittura di genere, a scapito delle grandi composizioni è stato imposto (anche se soggetto storico pittura esso avrebbe recuperato, in parte, a seguito della rivoluzione francese). Infatti, al centro il ritratto del XVIII secolo ha dominato l'arte in Europa. L'aumento di questo genere era tale che anche il termine "ritratto" è stato usato per riferirsi a qualsiasi pittore che non era spazzola grassa.

Il visualizzatore dovrebbe principalmente ritratto che ha rappresentato una fiera somiglianza con il modello, ma vero ritratto va oltre la rappresentazione fisica di una persona. Il pittore destro e sinistro con buone doti interpretative conosce inoltre cattura su tela lo stato di umore, di moralità, di caratteristiche personali o di categoria sociale del modello, quindi il risultato finale è un ritratto molto più reale e veritiero.

Ritratti di Goya devono essere analizzati proprio in questa linea. Infatti, Goya era un ritrattista rivoluzionario e un acuto osservatore. Capace di un eccezionale e approfondito studio psicologico del modello, è riuscito grazie alla sua padronanza tecnica per esporre le caratteristiche di carattere rappresentato più caratteristici e pertinenti. Questo è, senza dubbio, uno dei ritrattisti principali della storia della pittura.

Tuttavia, anche è considerato uno dei ritratti più spietato, dal momento che la capacità di osservazione implacabile gli permise di fare ritratti morale vere, genuine radiografie del pensiero. Non solo rappresentato nelle sue tele e dipinge l'aspetto esteriore del modello, ma anche il contenuto dell'anima e del giudizio, spesso amaro, che il personaggio merita lui. La famiglia di Carlo IVè un esempio eloquente di questo. In questo lavoro, che riunisce tutti i membri della famiglia reale, il Maestro non ho provato, a tutti, nascondere la loro mancanza di simpatia per la maggior parte dei rappresentati.

Per la grande tela della famiglia di Carlo IV, Goya preparato accuratamente nelle note del naturale, ricco di vita, ognuno dei personaggi. Il Museo del Prado mantiene cinque di questi studi meravigliosi, in cui, sopra il primer rossastro tessuto, tratti di ritratti, che in definitiva tela, con poche modifiche, tuttavia un po' grigio sua immediatezza è coagulare con sorprendente semplicità e sicurezza di tocco.

Doña María Josefa, figlia di Carlos III e sorella di Carlos IV, che era morto celibe durante il seguente anno, non dovrebbe essere qualsiasi modalità figura piacevole. Goya ha estrema crudeltà in questo brutto e brujesco viso, che nella finale di tela ci esamina, dal secondo termine in ombra ha sempre vissuto, sgradevole avidamente di arpia.

Infante Antonio Don Francisco de Paula

1800
Tela di canapa. 0,74 x 0.60
Museo del Prado, Madrid.

Sulla grande tela la famiglia di Carlos IV eccelle questo infante che, dalla sua delicatezza e la fragilità dei bambini, sembra aver vinto tutte le simpatie del pittore. Forse ancora di più, in questo studio del nativo, è riuscito a catturare Goya e comunicare il fascino, ingenuo e canaglia allo stesso tempo, bambino vivace, che emana grazia e tenerezza e salvo sotto l'aspetto umano, il triste spettacolo "ridicolo", come pure ha detto Alberti, di tale giudice. Osservato, come la pittura pura, leggerezza e sicurezza di tocchi, difficilmente restregados, suggerendo la vita e la band in schizzo molto leggero.

La donna del ventilatore

1805-1807
Tela di canapa. 1,03 x 0,83
Musée du Louvre, Parigi.

Come ritrattista di Corte, Goya non ha mostrato è più accomodante rispetto Velázquez; le sue immagini sarcastici mettono in evidenza i modelli della fisica e morale di taras, come se fossero modelli di tutta l'umanità in declino. Tuttavia, nel caso di ritratti femminili come de la Solana, Duchessa d'Alba o la contessa di Chinchon, la disperazione cede prima una ricerca pittorica e vitale intrapresa sotto il segno, non tanta angoscia e malinconia, e in cui il colore dominante e lo stile sono strettamente legate al significato.

Questo ritratto, acquisito dal Louvre nel 1858, è una rappresentazione del busto di una donna giovane sconosciuta, forse la nuora di Goya. Il lavoro deve risalire dagli anni 1805-1807, ma in esso che troviamo, se non la sensazione del soprannaturale che emanava da La Solana, almeno le armonie grigia che più tardi amato Edouard Manet, migliorato dal suggerimento di perla trasparenza di carne.

L'atteggiamento convenzionale e trattamento su un dan sfondo semplice molto semplice, infatti, occasione per un capolavoro che imposta una notevole differenza tra la "fine" del viso e la modernità delle pennellate nel trattamento del vestito.

Dona Isabel Cobos de Porcel

1806
Tela di canapa. 0,82 x 0,54
National Gallery, Londra.

Questa bella donna è Maja vestita, secondo le donne di moda popolare esistente nel tardo 18 ° secolo e inizio del XIX. Suo marito Antonio Porcel è stato ritratto da Goya lo stesso anno (1806), come espressione della gratitudine del pittore per l'ospitalità ricevuta dal matrimonio, sicuramente nella sua casa a Granada. Porcel era protetto da Godoy, un favorito della Regina María Luisa e socio di un amico di Goya, scrittore e politico liberale Jovellanos.

Goya deve sentirsi soddisfatto con questo ritratto, perché espose alla Royal Academy di San Fernando. La bellezza e la vivacità dell'appello ritratta e vestito, che non nasconde la luminosità della seta sotto il manto, sono accoppiati con la capacità di Goya nella fattura. Goya ha incluso donne in alcune delle sue opere satirize la follia e la vanità del sesso, ma l'artista è stato anche in grado di rispondere alla visione di una donna abbagliante che la sua bellezza e posizione.

The Colossus o panico

1808 1812
Tela di canapa. 1.16 x 1,05
Museo del Prado, Madrid.

Con l'arrivo del nuovo secolo, Goya diventa un cronista lucido che ha descritto come chiunque esperpento, violenza e, in definitiva, la terribile realtà che lo circonda. È l'espressionista "Pitture nere di Goya". Un preambolo di questa serie di dipinti è la tela che porta il titolo di the Colossus o panico, compiuti verso 1810-1812 e conservato nel Museo del Prado.

Questo enigmatico dipinto (che ancora, senza dubbio, gli incubi della guerra) annuncia, per quanto riguarda la tecnica e l'ambiente, le visioni che raggiungono il loro punto di massima espressività negli ultimi anni della vita del pittore. Il vero significato e l'intento tematico di questa tela è ancora vago. Qualcosa di enorme e terrificante si leva in piedi contro l'umanità indifesa e lo mette in fuga. Solo un culo, foto di ignoranza e incoscienza, rimane quiescente e impavidi.

Molteplici interpretazioni e significati del gigante sono stati esposti. Ci sono coloro che vogliono vedere un'allusione a Napoleone, gli altri vedono un simbolo di guerra, fame, crudeltà o semplicemente la paura dell'ignoto. In ogni caso la casella ci introduce al mondo tetro che in cui sono nove Goya negli ultimi anni. E invece si rivela anche prelibatezze e saggezze di esecuzione, con ripieni di luce dati con spatola e vigorosi colpi di spazzola, magistrale modernità. Foto entrata nel Museo del Prado nel 1930 con l'eredità Fernández Durán.

Il duca di Wellington

1812-1814
Tabella. 1.64 x 0,52
National Gallery, Londra.

Il duca di Wellington (1769-1852) fu un generale sotto il comando delle forze britanniche, che hanno combattuto in Spagna durante la guerra di indipendenza e sconfisse le truppe francesi di José Bonaparte nella battaglia di Vitoria nel 1813. Goya ha dipinto questo ritratto a Madrid, durante il breve soggiorno del Duca della città. L'artista aggiunto il vello d'oro, le medaglie di croce d'oro militare, l'ordine del bagno, l'ordine portoghese della Torre e della spada e la croce spagnola di San Fernando.

Le medaglie sono dipinte con la semplicità tipica delle ultime opere di Goya. Quando la casella da destra mostra lo spessore della vernice. Si ritiene che pigmento di Goya applicato con qualcosa che aveva una mano: pennello, spugna, le dita o anche il manico di un cucchiaio. Viso del Duca è dipinta con grande precisione, ma con la caratteristica libertà, rendendo questa immagine uno dei più bei ritratti del pittore.

Le fucilazioni del 3 maggio

1814
Tela di canapa. 2.66 x 3,45
Museo del Prado, Madrid.

La tela le fucilazioni del 3 maggio nelle montagne del Príncipe Pio di Madrid è uno dei risultati più alti della pittura spagnola e, probabilmente, uno dei punti di riferimento della pittura universale. Certamente, oltre a sua eccellenza artistica, può essere considerato una delle più drammatiche immagini a tema storico dalla storia dell'arte.

La passione intensa che ispirato la composizione ottenuto questo dipinto di Goya è stato più che un ricordo di un fatto e molto di più che un semplice anche arringa o un manifesto come risultato il fervore patriottico dell'autore. Il pittore, dall'intensità drammatica dei fatti che racconta, era in grado di esprimere in tutta la sua violenza, ma con sobrietà ed estrema efficienza, l'implacabile crudeltà dell'uomo per l'uomo e allo stesso tempo il suo desiderio esasperato e ribelle per la libertà.

Ma il successo dell'opera risiede non solo nel suo significato, ma anche nel suo straordinario senso di anticipazione. In esso, Goya ha saputo distillare il più personale della sua tecnica, che conduce a un linguaggio visivo della forza sconosciuta finora e apre l'espressionismo Ultima porte (anche nel XIX secolo).

È noto che Goya osservato questi sanguinosi episodi dal suo quinto ed egli ha preso appunti la stessa notte che e ' successo i fatti, che da cui proviene il realismo straordinario della sua pittura e la sua profonda sincerità. Così ha assistito a tutto suo servo Isidro, che hanno lasciato ai posteri un curioso racconto dei fatti, al tempo stesso vivaci ed emotivi: "da questa stessa finestra mio padrone vide i tiri con un telescopio in sua mano destra e un trombone caricato con una manciata di punti elenco a sinistra. Se raggiungono il francese Vieni qui, mio padrone ed io sono altri Daoiz y Velarde."

Isidro ha detto anche che quando si avvicina la mezzanotte Goya ordinato che prendere il trombone e seguirlo: "è andato alla montagna da Príncipe Pío, dove il colpo povero era ancora insepolto. Era una notte di luna, ma come il cielo era pieno di nuvole nere come presto è stato chiaro come scuro. I peli che sono venuto a punta quando ho visto che il mio maestro, con il trombone in una mano e il portafoglio degli altri, ho guidato ai morti (...). Quindi, seduto in un terrapieno, ai piedi dei morti, sono stati il mio padrone ha aperto il portafoglio, metterlo sulle loro ginocchia e aspettato per la luna attraverso una nuvola che ha nascosto. Sotto l'argine aleggiava, ringhiò e ansimante qualcosa (...), ma il mio padrone è rimasto così calmo preparando la matita e il cartone. Finalmente la luna illuminata come se fosse giorno. In mezzo a pozze di sangue abbiamo visto un sacco di cadaveri, alcuni a faccia in giù, altro upside-down, questo è l'atteggiamento che, mentre in ginocchio, bacia la terra, con la mano alzata".

La soluzione pittorica incarnata in questo dipinto si traduce un vero dramma, che sembra, senza dubbio, catturato direttamente dalla realtà. Contemplando la pittura è quindi credibile narrativa di Isidro, servo. Goya probabilmente assistito i tragici eventi che raccolgono i loro pennelli e preso appunti sullo stesso palco dove è avvenuta la sparatoria.

Sulla tela, i soldati responsabili dell'attuazione sono come automi impersonale, senza facce e perfetto e disciplinato la formazione. Le vittime, d'altra parte, costituiscono un gruppo ruvido e straziante, in cui volti esprimono l'orrore. I corpi dei morti sono accatastati, ritorto raccorciato, sul pavimento insanguinato. Una grande lanterna illumina violentemente una figura inginocchiata, vestito con camicia bianca e con le braccia alzate, che è in procinto di essere di colpo e che è il principale punto di attenzione della scatola. Dietro questa figura altri personaggi testimoniano il dramma; alcuni coprono le orecchie per non sentire i colpi, gli altri nascondere il viso tra le mani per non testimoniare l'orrore.

La scena è quello di finanziare una montagna desolata, dietro la quale si erge la sagoma scura di Madrid. Il gruppo di soldati, trasformate in carnefici, compie la sua missione senza Sanaa, con il freddo di precisione di un'inesorabile macchina per uccidere, ma la riga insipido e uniforme comprendente incarna con una crudezza straziante scuro e crudele della condizione umana.

Il due maggio o la carica dei Mamelucchi

1814
Tela di canapa. 2.66 x 3,45
Museo del Prado, Madrid.

Dopo la guerra d'indipendenza, nel marzo 1814 ha ricevuto Goya del governo di reggenza (ancora non era tornato Fernando VII) ha commissionato a perpetuare, passarli sulla tela, le azioni notevoli dell'eroica insurrezione popolare contro le truppe di Napoleone.

I frutti di questa iniziativa erano due opere che praticamente all'unanimità considerato il migliore della sua produzione: la tela Dos de mayo, noto anche come la carica dei Mamelucchi in Puerta del Sol a Madride intitolato il massacro il 3 maggio nelle montagne del Príncipe Pio di Madrid. Entrambe le immagini sono state eseguite nello stesso anno e sono conservate nel Museo del Prado.

La tela del plasma modalità master tutta la violenza dello scoppio popolare del Dos de Mayo in risposta alla chiamata contro l'invasore. La sua tecnica e la sua passione era di lasciare segni profondi su tutta la pittura patriottica del romanticismo, anticipando di Delacroix, la libertà guida il popolo. Con grande abilità, la messa a fuoco della lotta del popolo delle truppe africane (Mamelucchi), che hanno accompagnato il francese, ottenere, insieme con una migliore celebrazione del colore, evocare spagnola ancestrale violenza contro il moro, che dubbio non ha dovuto contare su quei tempi violenti.

Analisi storiografica ha sempre identificato fase con la Puerta del Sol, sebbene nessuno degli edifici raccolti dal pennello di Goya consente di affermarla. Forse è logico pensare che il grande edificio a pianta rettangolare è Monteleon Park. Durante la guerra civile spagnola (1936-1939), quando la tela è stata trasferita da Madrid a Barcellona per sottrarre i pericoli a cui la vicinanza del fronte esposto, il camion che trasportava si è schiantato e la pittura è stato strappato. Responsabile del processo di restauro ha deciso di non ripristinare il frammento di tela deteriorata, come testamento per le vicissitudini subite.

La corrida: La sfortuna si è verificato in tribuna

1816
Acquaforte. 0,25 x 0,36

Il pessimismo dell'opera di Goya sarà sempre più dalla guerra e dopo la morte, nel 1812, sua moglie, Josefa Bayeu. Già septuagenario, nel 1816, pubblicò la sua famosa serie di stampe, corrida, trenta-tre stampe non esenti di crudeltà, come il numero 21, intitolato disgrazie in posa.

Una sciocchezza: Il raptor cavallo

1816-1824
Acquaforte. 0,25 x 0,36

La serie di assurdità (18 stampe pubblicate nel 1864) è stata creata tra il 1816 e il 1824. Goya ha lavorato anche in questa fase l'ultimo album di disegni. Entrambe le produzioni erano, senza dubbio, la fase creativa del pittore.

Così, il simbolismo presente in sciocchezze dilagante o cavallo di raptor (le montagne alla ricerca di orizzonte come animali mostruosi o ratti) non è facile da interpretare, ma l'impatto visivo creato dall'immagine è eccezionale. Rappresentato, ragazza tiene un scorcio tortuoso e dibattito nell'aria prima della corsa del cavallo, che è l'immagine di una statua monumentale del romantico.

Dopo il ritorno di Fernando VII in Spagna come re assoluto, Goya si trasferì a Bordeaux e, nonostante la sua precaria salute, vecchio ma lucidi insegnante ha continuato pittura instancabilmente. È ammirevole, in questo senso, uno dei disegni del Album G che, accompagnando la decrepita figura di un anziano barbuto e supportato da due bastoni, si può leggere "imparerà". Nessuna valuta meglio sintetizza lo spirito illuminato dell'epoca, cui grido di battaglia era: "il coraggio di sapere!."

Saturno che divora un figlio

1820-1823
Pittura murale passato su tela. 1,46 x 0,83
Museo del Prado, Madrid.

Anziano e con gravi problemi di salute, durante il breve regno di José Bonaparte, Goya ha comprato una villa sulle rive del Manzanares, con l'intenzione di trasformarla in sua casa definitiva. Intorno al 1820 ha cominciato a decorare le pareti che conduce dalla casa, poi conosciuto come il "quinto dei sordi", con le pitture murali che ricevono il nome di "Pitture nere", sia per la sua gamma di colore, ridotto quasi al bianco, al nero e determinato marrone verdastro o Golden toni, come dal suo significato nero di cupo pessimismo.

Interpretazione in dettaglio ha ancora molte macchie scure, ma l'idea generale del male del mondo, la cieca crudeltà e futile speranza, sembrano essere sufficientemente espliciti. Forse tutte queste visioni tormentose, la più terribile è il dipinto intitolato Saturno che divora un bambino. Il mito, come è ben noto, allude al tempo divora delle tue creature. Il vecchio Goya, ossessionato dalla sua desolata visione del mondo, sentito con sciocchezze di passaggio di intensità dolorosa del tempo che lo incontrò a morte.

Questa tela è, pertanto, una delle sue visioni più crudele e uno dei punti di partenza dell'espressionismo moderno. Da qui egli può qualificare un espressionista avant la lettreGoya. Tutti i dipinti della casa (in cui Goya a malapena abitata, come nel 1823, a marzo in Francia, ha dato suo nipote) sono stati acquisiti nel 1873 dal barone belga Émile d'Erlanger, che ha dato loro di tela e ha dato loro al Prado nel 1881.

Due vecchi mangiare

1820-1823
Pittura murale passato su tela. 0,53 x 0,85
Museo del Prado, Madrid.

All'interno del cosiddette "Pitture nere" sono diverse opere che, come due vecchi mangiare, hanno permesso a qualificarsi per il precursore di Goya dell'espressionismo. La visione straziante della vecchiaia come suprema maledizione, tanta tradizione nella letteratura spagnola, si esprime qui con una crudele durezza della più profonda vena espressionista. Golosità, nelle bocche edentule di questi vecchi mostruosi, acquisisce un'espressione quasi diabolica.

La congrega

1820-1823
Pittura murale passato su tela. 1.40 x 4,38
Museo del Prado, Madrid.

Avendo già sbarazzato zavorra soggetti aneddotici, "Pitture nere", essenziale e crudo, sono corrosivi, simile al modo in cui agisce l'acido quella preparazione di uova di acquatinta o incisione. Così, nella pittura murale intitolato la congrega (inizialmente si trova in una delle pareti della sala da pranzo del quinto) Goya ha espresso la sua visione del mondo così scioccante. Una folla deforme e cupa ama male, che, come un caprone e l'abitudine di fraile, riceve l'omaggio di quella umanità. Solo a destra, un po' oltre alla composizione, una coperta di giovane, donna, figura con maniche, apre una domanda sul suo significato.

Leggi la biografia completa di Francisco de Goya

Pubblicato per scopi didattici autorizzati da: Biografías y Vidas