Panoramica delle opere di William Shakespeare
Panoramica e Riepilogo: la commedia degli errori
Questa commedia
in cinque atti in versi e in prosa di William Shakespeare è stato
probabilmente scritta nel 1591-92 e pubblicata in infolio del 1623. Sua fonte, diretta o indiretta, sono i Menaechmi di Plauto, ma probabilmente la prima scena del terzo atto è basata sull' host. Aggiungete
a questo un thriller tragico, probabilmente suggerito dalla storia di
Apollonio, re di tiro, che Shakespeare aveva da utilizzare in seguito
per il vostro programma Pericle, Principe di tiro. Ci sono analogie, poco notevole, con il "racconto del Signore", uno dei Racconti di Canterbury di Geoffrey Chaucer (1340/45-1400) e l' Arcadia di sir Philip Sidney (1554-1586). Mentre
Plauto era soddisfatto con una coppia di gemelli, Shakespeare, con
esuberanza barocca, aggiunge un secondo, moltiplicando così le
possibilità di equivoco, ma anche aumentando l'intrigo incredibile, che
solo può trovare giustificazione nel successo di qualsiasi episodio
farsa.
Avendo Syracuse condannato a
morte alcuni commercianti di Efeso, che non aveva soldi per il
salvataggio, Ephesus adotta una misura simile rispetto quando mercanti. Egeon, vecchio mercante di Siracusa, è condannato a subire questa sorte e spiega il duca di Efeso perché si trova in città. Aveva avuto due gemelli di sua moglie Emilia, esattamente identica e chiamato entrambi Antifolo. Due schiavi, anche gemelli e sia chiamato Dromio, nato allo stesso tempo come gli altri due, erano dedicate al vostro servizio.
Arresto di Antifolo di Efeso
In un naufragio, Egeon, con
il gemello nato in secondo luogo e con uno dei Dromios, è separato
dalla moglie con un altro figlio e un altro schiavo ed non è stato
sentito su di loro. Arriva a maturazione il
secondo di due gemelli, Antifolo di Siracusa, lasciato insieme al suo
Dromio in cerca di suo fratello e sua madre. Esso non è stato realizzato più di loro, quindi Egeon, per cinque anni, mancava nella loro ricerca ed è venuto ad Efeso.
Il duca, che si trasferì dalla storia di Egeon, ti dà il tempo fino alla sera per trovare i soldi del riscatto. Il
primo nato dei gemelli, Antifolo (Antifolo di Efeso) con suo Dromio
(Dromio di Efeso), salvato dal naufragio si trova ad Efeso. Antifolo di Efeso vissuto lì molto tempo e sposata Adriana. E appena arrivato quello stesso giorno Antifolo di Siracusa e Dromio di Siracusa. Ogni gemello era una perfetta somiglianza con gli altri e là una serie di incredibili errori grossolani.
Dromio di Efeso dovrebbe
chiedere Antifolo di Efeso per andare a casa sua per mangiare e invece
richiesto di Antifolo di Siracusa. Adriana fa valere i suoi diritti di donna Antifolo di Siracusa, mentre sperimenta maggiore simpatia per sua sorella Luciana. Dromio
di Siracusa, che è andato con lui, è oggetto di richieste di Adriana
MOP brutte, come Dromio di Efeso è più tardi, insieme al suo protettore,
che si chiudono l'ingresso a casa tua, perché si ritiene che entrambi
sono già all'interno.
L'avventura è
complicata con il dono di una catena, l'intervento di una cortigiana
degli ospiti, un creditore, fino a quando Antifolo di Efeso e il suo
servo sono attaccati come un matto; Antifolo
di Siracusa e suo Dromio, preso dai prigionieri in ipotesi pazzo
fuggiti, subiscono aggressioni e rifugiarsi in un convento, cui badessa è
Emilia, anche salvato dal naufragio, ma separati dai marinai crudeli di
Corinto dei gemelli commit ad esso (e poi in Antifolo e Dromio di
Efeso).
Nel frattempo termina il
termine a meno che Egeon ha trovato i soldi di salvataggio, quindi è
condotto alla tortura, accompagnata dal duca. Si
presenta per il duca di Antifolo di Efeso che, dopo aver rotto i legami
con i denti, è fuggito e chiamate per la giustizia contro la moglie, che
ha lasciato fuori dalla sua casa e poi fatto legare come un matto. Infine,
la badessa fa lasciando il convento per le altre coppie e anteriore di
posti di lavoro, ognuno dei quali è riconosciuto come quello che è. Così Egeon è allo stesso tempo, sua moglie e figli e il duca consente di che rilasciare.
Volevano assumere a
Adriana, donna litigiosa e gelosa, un ritratto indiretto di Anne
Hathaway, moglie di Shakespeare, e quell'immagine della vita domestica
di suo marito è stato rimosso dall'esperienza del poeta. Ma
a parte questo presupposto curioso e un tratto comico o sentimentale
(la dichiarazione d'amore di Antifolo di Siracusa per Luciana), il
dramma è uno dei meno attraenti di Shakespeare. Tuttavia,
esso contiene quindi molti donaires e situazioni grottesche, accettata
la premessa assurda, non si accorgono di cos'altro potrebbe essere fatto
meglio: nel suo tempo deve divertirsi al pubblico come l'attuale
astracanadas.
Panoramica e Riepilogo: Titus Andronicus
Questa tragedia in cinque atti in versi è dovuta in parte alla William Shakespeare, che deve iniziare verso 1593-94; nel 1595, 1600 e 1611 in-quarto , è stato pubblicato e infolio durante l'anno 1623. Edward
Ravenscroft, nel 1687, ha parlato di una tradizione teatrale che questo
dramma è stato a causa di un autore esterno alla società, e Shakespeare
", ha dato solo pochi master perfezionamenti a due dei personaggi
principali". L'autore sconosciuto rivela l'influenza di Thomas Kyd (1558-1594) sull'uso di orrore, complici e gli episodi di follia; di Christopher Marlowe (1564-1593) nella concezione del personaggio di Arones ricorda di Barabba, il protagonista di L'ebreo di Malta; e George Peele (1558-1598) nello stile.
È difficile riconoscere i tocchi a Shakespeare. W.
w. Greg immaginato un'ipotesi ingegnosa, secondo la quale la versione
rettificata da Shakespeare, che ha autorizzato l'inclusione del dramma
nell'elenco delle sue opere si trova in Palladis Tamia
in Francis Meres (compilato prima del settembre 1598), è stato distrutto
nell'incendio del Globe Theatre (1613) e fu sostituito da versione
primitiva, l'aggiunta di memoria la seconda scena dell'atto III dove c'era tratti shakespeariani.
Solo imparentata alla trama dei
problemi del dramma, trovato anche se è probabile che l'origine è una
lettura errata della cronache bizantine riguardanti l'imperatore
Andronikos Komnenos (XII secolo) e la Regina della Georgia, Thamar, più o
meno contemporanea yours.
Il generale romano Titus
Andronicus, dopo aver sconfitto i Goti e catturare la Regina Tamora
insieme ai suoi figli, Alarbus, Demetrio e Chirone, così come il moro
Aaron, amante della Regina, ritorna a Roma mentre il trono imperiale
essi sono contestando Saturnino e suo fratello Bassiano. I Romani vorrebbero scegliere di Titus Andronicus, ma persuade che nominano per Saturnino.
Anthony Hopkins in Titus (1999),
film basato sul Titus Andronicus
Bassiano di Lavinia, figlia di Andronico, rapisce Saturnino fingendo di moglie. Più tardi Saturnino, innamoramento di Tamora, sposa ron. Mutius, fratello di Lavinia, ha frequentato il suo rapimento e quindi lo uccide suo padre Tito. Questo
è l'inizio delle disgrazie che si accumulano sulla sua testa, dalla
sete per vendetta di Tamora, che vuole punire la andronicos dalla morte
di suo figlio Alarbus, sacrificato sulla tomba dei figli di Andronico
ucciso nella guerra e la malvagità del moro Aaron.
Durante una battuta di
caccia, persuaso da moro, Demetrio e Chirone uccidere Bassiano e quindi
violare a Lavinia e tagliare la lingua e le mani. Accusato dell'omicidio di Bassiano Quintus e Martius, figlio di Tito, e sono condannati a morte dall'imperatore. Aaron
Titus gioca uno scherzo sinistro: dice che se tagliato fuori una mano e
lo invia all'imperatore, questo concesso grazia ai loro figli; ma sono tornati a Tito le teste dei loro figli insieme a loro tagliato a mano. Lucius,
un altro figlio di Tito, è bandito e va a reclutare un esercito tra i
Goti, mentre Tito, assetato di vendetta, simula vanno pazzi.
Nel frattempo Tamora partorisce un figlio scuro, Aaron è costretto a portare lontano da Roma; Lucio
lo cattura e Aaron, essendo fatto promettere che succederà nulla al
vostro bambino, rivela tutto il male che covato a scapito della sua
famiglia con sadico piacere. Alla notizia
dell'arrivo dell'esercito gotico di Lucius, Tamora con i suoi due figli
va a casa di Tito, lei crede, dicendo che si tratta di vendetta e
cercando di convincerlo a fare in modo che Lucius ha tenuto
un'intervista con l'imperatore.
Tito, che scopre l'inganno, simula coccolare e mantenuti nella sua casa, come ostaggi, i figli di Tamora. Poi uccide loro e le loro teste per preparare piatti offerti presso il banchetto in onore dell'imperatore. In una finale uccisione, Titus uccide Lavinia, come Virginio ha ucciso la figlia, il cui onore parla stato macchiato; Tamora
venire inconsapevolmente raccapriccianti piatti che Tito aveva offerto,
Saturnino uccide Titus, Lucius uccide Saturnino e finalmente lui
proclamando imperatore. Aaron moro è stato condannato al bastone.
Tutti gli orrori di Seneca e
Ovidio sono accumulati e mescolati in questo dramma sensazionale, in
versi che hanno spesso gonfiore retorica di Marlowe di Tamerlano ; un
tocco di atmosfera, come le sinistre zarzal dove buttare il corpo di
Bassiano, anche ricorda e ripete grim descrizioni di Seneca. Il dramma sembra cartoonish e disumane, anche se è tipico del gusto elisabettiano sotto l'influenza di Seneca. I personaggi sono profilati villana e sono abbastanza puerili; le situazioni drammatiche sono trattate senza delicatezza.
Panoramica e Riepilogo: la vita e la morte di re Giovanni
Questo dramma storico in cinque atti e in versi è stato rivisto da Shakespeare da un dramma pre-esistente, il turbolento regno di re Giovanni, pubblicato in due parti nel 1591. Revisione,
Shakespeare contrassegnato con il suo superiore genio drammatico e
poetico, forse fatto nel 1596-97 e non è stato stampato fino al infolio del 1623.
Il dramma, che non segue
tutti troppo accuratamente gli eventi storici (strano è, per esempio,
che non è citare la Magna Carta del 1215), è gli episodi principali nel
Regno di Nerone inglese tirannico e astuto, soprattutto l'eliminazione
del suo giovane nipote, Arthur; in una delle
scene più strenui (il terzo nel terzo atto), il re ottenere suscitato da
Humberto de Burgh di rimuoverlo in mezzo, perché esso attraversa il
loro percorso al potere.
Humberto si prepara a
privare Arthur degli occhi con ferri roventi, ma il giovane, in una
scena patetica (IV, 1) riesce a toccarlo; Tuttavia, più tardi, Arthur viene ucciso quando ha saltato le mura del castello. Il
dolore di Constance, madre di Arthur, dopo la notizia
dell'imprigionamento di suo figlio si riflette con grande efficienza e
gli ultimi momenti di re Giovanni a Swinstead Abbey, sono dipinte
affinché essi mitigare l'odiosa del protagonista.
Ma il carattere più
notevole del dramma è forse il bastardo Felipe Faulconbridge, che
riassume lo spirito di intrighi, avventura e brama di potere che domina
il dramma. Suo fratello Robert tenta di
promuovere un processo in occasione del loro patrimonio, e ti fa
riconoscere precisamente come un figlio naturale di Riccardo Cuor di
leone.
Il dramma, anche se poco
notevole dal punto di vista letterario, ha sempre riscosso molto
successo nella scena inglese, specialmente a causa del conflitto tra
papato e la monarchia inglese e offre momenti drammatici di effetto e di
possibilità per mettere in dogana pittoresca scena. Suo
principale interesse critico si trova nella possibilità che ci offre
molto attentamente studia la tecnica di Shakespeare, come è l'unico
dramma che mantenuto la formulazione precedente lo shakespeariano.
Panoramica e Riepilogo: Richard III
Questo dramma storico in cinque atti in prosa e in versi è stata scritto da Shakespeare al 1593 e stampato a in-cuarto nel 1597, 1598, 1602, 1605, 1612, 1622 e io Folio nel 1623. I fatti storici sono quasi tutte tratte da cronache di Edward Hall o Halle (l'Unione delle due famiglie nobili ed illustri di Lancaster e York, 1548) e di Raphael Holinshed, entrambi basati allo stesso tempo, in Anglicae Historiae (1534) di Polidoro Virgili Università di Urbino (1470-1555?) e l' incompleta storia della terza Ricardo rey (1513), attribuito a Thomas More.
Al centro del dramma è il carattere dell'usurpatore Richard, duca di Gloucester, già apparso in Enrico IV. Ricardo,
che si nasconde sotto apparenze benigne suoi piani diabolici, rende il
fratello Eduardo IV sospettato di un altro fratello, George, duca di
Clarence e lo mise in prigione; Egli quindi fa suoi scagnozzi a ucciderlo e cadere in una tinozza di malvasia. Ricardo
Woo Anne, vedova di Edoardo, Principe di Galles, come lei segue la bara
del defunto marito, episodio che fa pensare circa il famoso percorso
della matrona di Efeso nel Satyricon di Petronio, perché Ana, dopo aver insultato Ricardo, produce sue affermazioni dell'amore.
Morto Eduardo IV, Ricardo,
diventare il protettore del Regno durante la minore età di Eduardo V,
cospirò per usurpare il trono. Ha ricoperto che
il giovane re con suo fratello Ricardo nella Torre di Londra e con
l'aiuto del duca di Buckingham è proclamato re. Uccidere i figli di Eduardo IV, e coppie medie rimuove non suo favore nella Torre: Hastings, fiumi e grigio.
Lawrence Olivier Richard III (1955)
Per rafforzare la sua
posizione, l'usurpatore ripudia Anna per sposare sua nipote giovane,
Elisabetta di York, figlia di Eduardo IV e, in una scena simile alla
conquista di Ana, persuade di Eduardo IV, Queen Elisabeth, vedova di
acconsentire al matrimonio. Il duca di Buckingham
ribellarsi contro l'ingratitudine di Ricardo, che dichiara del conte di
Richmond, ma viene catturato e condannato a morte. Infine
le truppe dell'usurpatore combattendo con i ribelli a Bosworth (1485) e
Ricardo, dopo una notte stregata dalla visione raccapricciante delle
loro vittime che apparirà (una scena che non crede Shakespeare), viene
ucciso nella battaglia. Richmond ascende al trono con il nome di Enrique VII.
Tra le migliori scene che
figurano in cui maledice la vecchia regina Margaret, vedova di Enrique
VI, altri personaggi del dramma, colpevole della perdita del marito e
dei loro propri; loro maledizioni, come mostrato
nello sviluppo del dramma, essere soddisfatti, così la figura della
donna vecchia addebitato quasi una categoria Erinia. Lo stile è educato e retorica, con ripetizioni di primi versi e altri dispositivi, come invettiva e imprecazioni. Da un capo a altro la parola "sangue" si corre come un motivo dominante. Il carattere di Ricardo, anche se poco sottile, è molto vigorosa.
Psicologia e stile hanno
sembrava troppo elementare di Shakespeare, ma lavoro molto bene può
essere tuo, se pensi di non grandi tragedie di Shakespeare della
maturità, ma i primi tentativi, ancora influenzati dai suoi
predecessori, soprattutto di Christopher Marlowe (1564-1593). L'episodio
della morte dei giovani figli di Edward, narrata da un personaggio che
funge da messaggero della tragedia classica, è famoso e ha suggerito
un'immagine notevole di Paul Delaroche (1797-1856). L'esclamazione
di Ricardo, che cercano un nuovo cavallo nella battaglia di Bosworth è
anche famosa: "un cavallo, un cavallo, il mio regno per un cavallo".
Panoramica e Riepilogo: Enrico IV
Questo dramma storico in versi e in prosa di William Shakespeare è costituito da due parti di cinque atti ciascuno; Questi partiti erano rappresentati nel 1597-98 e pubblicati rispettivamente nel 1598 e il 1600. Il drama è basato sulla cronaca di Holinshed e, per parti comiche e Oldcastle Falstaff, in un dramma pre-esistente, le famose vittorie di Enrico V.
La prima parte è la rivolta
di Percy, assistito da Douglas, con il concorso di Mortimer e Glendower
e la sua sconfitta da lavoro del re e del Principe di Galles a
Shrewsbury (1403). Il Principe di Galles è
associato con Oldcastle (poi sostituito con il nome di Falstaff) e
fellow Pointz, Bardolp e Peto nella sua vita selvaggia. Pointz e Principe fanno altri aggredito alcuni viaggiatori a Gadshill e rubare e a sua volta vengono rubati da loro. Falstaff, per giustificare la perdita del bottino, finge di sono state assalite da 100 rogues; poi
si è gradualmente riducendo il numero di attaccanti, fino a quando il
principe spiega come sono andate le cose e poi Falstaff confessa che non
ha reagito perché mai potrebbe uccidere l'erede al trono.
La parte seria del dramma è formata dal contrasto tra i due giovani eroi, principe Enrico e Percy Hotspur. Enrique
è ornato nelle qualità più seducente: sue buffonate più folli sembrano
solo dannosi tratti in cui esplode il suo spirito attivo, a malincuore
costretto per il tempo libero, fino a quando, appena offerto occasione,
vengono visualizzati tutti i loro ferocia un gentiluomo. Hotspur è invece una miscela di maleducazione, di orgoglio e caparbietà infantile; ma il suo impetuoso masterizzazione redime suoi difetti, fino a quando non cade nella battaglia di Shrewsbury. Falstaff, vero "miles gloriosus", trova il suo corpo nel campo e si vanta per averlo ucciso.
Il secondo argomento di
parte è la ribellione dell'arcivescovo Scroop, Mowbray e Hastings,
mentre nella trama comica continua le gesta di Falstaff, con il
Principe, di sbruffone pistola Pointz, della signora Quickly, bambola
Tearsheet (o Rompesabanas), come traduciamo in spagnolo. Falstaff,
chiamato per sopprimere la ribellione, durante le cascate recluta il
giudice Shallow e silenzio, è impostato in loro e ruba migliaia di
sterline al primo. (In Shallow caricatura ha
voluto mettere in guardia un'allusione a sir Thomas Lucy, con cui
Shakespeare ha dovuto fare per aver rubato quando giovane un cervo sulla
loro terra; secondo altri, questa sarebbe un'allusione al giudice
Gardiner).
La morte di Enrique IV,
Falstaff pensa che l'ascensione del principe al trono sarà loro fortuna:
ma il nuovo re genera la sua presenza e lo mette in prigione. Mentre
il dramma eroico trama languendo dopo la morte di Hotspur, la trama
comica (gesta di Falstaff e i suoi compagni per la catastrofe e il
ripudio, da Enrique V, dei compagni di suoi misfatti giovanile) tenuto
vivo il loro interesse da un'estremità a altra ed è il capolavoro comico
Shakespeare, piuttosto che la farsa di le allegre comari di Windsor di brio dei risultati e rabelaisiano gusto della frasi di grotteschi.
Panoramica e Riepilogo: il mercante di Venezia
Questa commedia in cinque
atti, in versi e in prosa, di William Shakespeare è stato scritto,
secondo alcuni, nel 1594 (allusione in atto IV, scena I, per
l'esecuzione dell'ebreo Rodrigo López del 17 giugno del 1594, sotto
l'accusa di aver tentato di avvelenare Queen Elizabeth); Secondo altri, principalmente da considerazioni di stile, nell'autunno del 1596. Due date potrebbero essere riconciliate assumendo una recensione di Shakespeare. È stato pubblicato quarto nel 1600 e in folio nel 1623.
Le due ragioni principali
per l'argomento, quella del prestito fatto da un ebreo cristiano di una
libbra di carne e una scelta tra oggetti di valore apparentemente
diverse, sono vecchi e ricorrenti. Il primo è venuto a conoscenza di Shakespeare attraverso Il Pecorone
di Giovanni Fiorentino (scritto circa 1318 e pubblicato nel 1558) e per
il dettaglio del rapimento della figlia dell'usuraio, attraverso Zelauto (1580), storia di Anthony Munday (1553-1603).
Il secondo motivo è venuto a lui attraverso la versione di Richard Robinson di Gesta Romanorum (pubblicato a quanto pare nel 1517). Le due ragioni potrebbero essere raccolti in un dramma pre-esistente, L'ebraico
(1578), che sappiamo solo indirettamente (la sua tesi era "l'avidità di
chi preferisce beni terreni" e l'anima assetata di sangue degli
strozzini). Shakespeare probabilmente rifusione questo dramma, tenerlo in qualsiasi parte, forse i versi contenuti in bare.
Giuliana, nobile veneziano
che ha sprecato il suo flusso, chiede il ricco mercante Antonio, suo
amico, tre mila Ducati per continuare con dignità il loro impegno con la
ricca ereditiera Portia, che vive sulla terraferma, a Belmonte. Antonio,
che ha usato tutti i loro soldi in speculazioni d'oltremare, intende
essere di prestito il denaro di Shylock, un usuraio ebreo che all'inizio
aveva insultato da usura esercitata. Shylock si
impegna a prestare i soldi in una condizione: se l'importo non viene
pagato il giorno fisso, Shylock è autorizzata ad intraprendere una
libbra di carne dal corpo di Antonio.
Al Pacino interpretato Shylock
in il mercante di Venezia (2004)
Porcia, per disposizione
testamentaria del padre, che sposerà il corteggiatore che tra tre bare
(uno di oro, una d'argento, altri piombo) scegliere che contiene il suo
ritratto. Tutto il mondo diventano candidati illustri; esito negativo il principe del Marocco e Aragona, che rispettivamente aprire lo scrigno d'oro e d'argento; ma
Giuliana, con la riflessione sensata, scegliere casella di buona, il
piombo, e sposò Porcia, che ama lui e il suo amico Graciano con Portia,
fanciulla di Randol.
Nel frattempo arriva la
notizia che Antonio navi sono affondate, il debito non è stato pagato
entro i termini pattuiti e Shylock chiede la sua libbra di carne. Il Doge è investito della questione. Portia
travestimenti di avvocato e notaio Randol e, senza sapere i loro
mariti, ha presentati dinanzi alla Corte per difendere Anthony.
Dopo aver cercato invano di
ottenere il perdono degli ebrei, che offre tre volte l'importo dovuto,
Portia richiede che si è concessi la richiesta dell'ebraico, ma avvisa
che perderai la tua vita se si versa una sola goccia di sangue, poiché
l'obbligo si dà diritto solo alla carne. Egli
sostiene dopo che Shylock dovrebbe pagare con la vita il crimine di aver
fatto un tentativo, essendo straniera, la vita di un cittadino di
Venezia.
Dux Risparmia la vita a Shylock, ma assegnato metà della loro ricchezza per Antonio e l'altra metà allo stato. Antonio
rinuncia alla sua parte se Shylock diventa un cristiano e lascia il suo
flusso, quando si muore, Jesica (figlia di Shylock), che è fuggito,
dopo aver preso i soldi dalle casse del padre, di sposare un cristiano,
Lawrence, e per questo motivo è stato diseredato. Shylock accettare; Porcia
e Sara, che non sono state riconosciute, chiedere per tutti gli anelli
di retribuzione Giuliana e Graciano ricevuto le loro mogli e di cui ha
promesso di non separare mai. Si arrendono dopo aver resistito invano. Tornando alla sua mogli casa rimproverare loro quell'azione, ma finalmente rivelare loro il tuo prodotto. Infine, è noto che tre delle navi di Antonio hanno restituito in modo sicuro.
Il dramma è tra i più
famosi e i più fortunati di Shakespeare, soprattutto dal personaggio di
Shylock, disegnato con robustezza e precisione e che è sempre spostato i
grandi giocatori per rappresentarti. Ha scene che sono tra le più drammatiche e brillante di Shakespeare ha scritto: la scena di contratto (I, 3); uno in cui Shylock si lamenta dalla perdita di sua figlia con i suoi soldi (III, 1); della scelta di cofanetti da Giuliana (III, 2); la scena davanti alla Corte di giustizia (IV, 1); e la musica al chiaro di luna (V, 1). Infine,
l'abilità con cui Shakespeare ha unito vari e pittoreschi giardini e la
conclusione del dramma, che celebra la vittoria della carità la rigida
giustizia (perché Shakespeare restituisce in misura per misura), hanno messo il suo incantesimo sul pubblico teatrale di tutte le età.
Alcune incongruenze e prolijidades del dramma quasi scomparire la vera costruzione del complesso. Richiamato
l'attenzione l'atmosfera del lavoro, che ha carattere italiano non solo
dai nomi dei personaggi e qualche allusione precisa (menzione del
Rialto, pontone che collega Venezia alla terraferma e la distanza esatta
tra Belmonte, vale a dire, Montebello e Padova), ma anche per le
qualità più generale che hanno fatto vedere un critico (r.
Quiller-Couch) i due aspetti del Rinascimento il mondo dei ricchi mercanti e raffinatezza artistica di buone maniere, simboleggiato da Venezia e Belmonte; un'atmosfera italiana, che non è in alcun modo la qualità sinistra dei drammi elisabettiani.
Anche se il tema centrale
(la rimozione della libbra di carne) è così crudele e tragico,
Shakespeare sapientemente distrae lo spettatore attraverso scene che si
svolgono nel villaggio di Porcia; così, ad
esempio, dopo la scena culminante del processo, che lascerà
un'impressione forte e amaro, possiamo godere la poesia sublime della
notte lunare, con musica e dialogo degli amanti.
Panoramica e Riepilogo: la bisbetica domata
Questa commedia in cinque
atti, in versi e in prosa, è stata scritta da William Shakespeare nel
1593-1594, rappresentata nel 1594 e pubblicata nel 1623 infolio. Esso è basato su una commedia precedente titolo leggermente diverso (una bisbetica domata). Shakespeare è servito come un collaboratore, che si è rivelato la fonte delle ipotesi di Ludovico Arlosto e la sua versione inglese Supposes (1566) di intrighi secondaria George Gascoigne (fare 1525? - 1577). Era Shakespeare prologo ("induzione") e una serie di frammenti: atto II, SC. 1, VV. 1-38, 115-326; Atto III, SC. 2, VV. 1-129, 151-254; Atto IV, CES. 1, 3, 5; Atto V, SC. 2, VV. 1-181. Egli probabilmente anche collaborato alla scena 2 dell'atto I, VV. 1-116. Complessivamente, circa tre quinti del dramma, con tutte le scene relative alla trama di Sly e Petruchio-Katharina.
Il collaboratore ha scritto la scena di cortejamiento Bianca; È meno vigorosa rispetto a Shakespeare, sebbene abbastanza capace. Non
le è stata identificata con approccio plausibile: sono stati citati i
nomi di Thomas Lodge (fare 1558? - 1625), da Robert Greene (1558-1592) e
George Chapman (1559-1634), ma senza fondamento sicuro. Precede
il dramma un prologo in cui un calderaio, Cristóbal Sly, viene
prelevato ubriaco da un uomo di ritorno da una battuta di caccia, prima
di una locanda in campagna.
Sly è preso
al castello e fargli lo trattano, non scherzo quando sveglio, come se
fosse un gentiluomo che, dopo molto tempo, ha riacquistato l'uso della
ragione. Così presenta una situazione
estremamente curiosa, che avrebbe meritato uno sviluppo diverso da
quello che ha ricevuto: Sly è costretto ad ascoltare un dramma
rappresentato soprattutto per lui, da una società di scenesters; Questo dramma è precisamente la bisbetica domata.
Pochi versetti e verso la fine della prima scena del primo atto, Sly e caratteri del prologo scompaiono. Gremio e Hortensio Woo bianca, più giovane figlia di Battista Minola, ricco signore di Padova; Ma
avendo deciso che il bianco, sua seconda figlia, sposare solo quando
marito ha trovato la figlia maggiore, il Catalina insolubile, i
pretendenti alla mano di bianco si riuniscono per trovare un uomo adatto
per sposarlo con Catalina.
Finalmente si decide di
essere Petruchio (ortografia inglese per dare la pronuncia italiana di
Petruccio), nobile di Verona, perspicace e imperturbabile. Il
Petruchio corti Catherine, Hortensio e Lucencio (figlio di Vicente,
ricco mercante di Pisa), entrare a far parte del gruppo di amanti del
bianchi, vengono introdotti nella sua casa travestito da insegnanti
della fanciulla. Fra loro è banchettanti, servo di Lucencio, che è passata attraverso il proprio Lucencio.
Petruccio rende il taglio a
Catalina, la conquista del titolo, fingendo che ritrovamenti sia più
dolci e amichevoli più maltrattato; ottenere
quindi portarlo all'altare e Catalina nel matrimonio, come in casa del
suocero o sua cerimonia, sottoposto a umiliazioni e offese. Privano del cibo e del sonno, fingendo che gli alimenti non sono degni di esso e che il letto è fatto male; Ti impedisce di quella vista elegantemente, picchiando il sarto e il Cappellaio e rifiutando i loro ornamenti squisite; Lo
costringe ad accettare e ripetere le sue affermazioni più assurde (ad
esempio, che la luna è la luminosità del sole, che è la mattina quando è
nel pomeriggio). Infine, tornare a casa di suo padre completamente addomesticato.
Petruchio (Richard Burton) fa chiusa fino a
Catalina (Elizabeth Taylor) nella versione
film di Franco Zeffirelli
Bianco viene conquistato da
Lucencio, mentre il falso Lucencio, banchettanti, battere altri
candidati davanti al padre di bianco ha promesso il più ricco arras e
rendendoli sicuro con un pedante, fanno che, con il pretesto di un
pericolo immaginario, Vicente vestiti. Quando si
tratta il Vincent reale si verifica una serie drammaticamente grottesca
di equivoci, che infine sono stati risolti felicemente. Hortensio
è sposato con una vedova e, al banchetto finale delle coppie
(Petruccio-Catalina, bianco-Lucrezio, Hortensio-vedova) i coniugi si
impegnano che delle sue mogli sarà il più gestibile; Petruchio vince la scommessa. Il lavoro si conclude con un discorso sull'obbedienza dovuta mariti.
Strappato volgari motivi
della commedia italiana del XVI secolo e, attraverso di essa, del Teatro
latino, il lavoro aggiunge fresca invenzione di domare la bisbetica, in
cui la misoginia medievale (Jean de Meung, Eustache Deschamps) è acuta
nella caratterizzazione psicologica. La commedia,
che in nessun punto acquisisce antidramatica verbosità del teatro
italiano del XVI, ancora mantiene la sua freschezza ed è uno dei più
frequentemente rappresentate opere di Shakespeare.
Farsa ben realizzato, è,
tuttavia, più che una farsa, anche se avete i motivi che erano stati in
grado di portare a sviluppi più complessi: come Sly, raccolte nel nostro
tempo da Gerhard Hauptmann in Sehluck und Jau (1900) e Giovacehino Forzano in Sly. Ma il tema centrale, la sottomissione delle donne agli uomini, che sempre intrattengono il pubblico, eterno come i proverbi.
Recensione e sintesi di: Romeo e Giulietta
Scritta secondo alcuni nel
1591, questa tragedia in cinque atti, in versi e in prosa, di William
Shakespeare, è stata pubblicata "in quarto" nel 1597, nel 1599, nel 1609
e altre data imprecisa e in "nel folio" nel 1623. Le relazioni tra i vari testi sono stati accuratamente studiate.
Il tema della "dead alive", per trovare la loro massima espressione in questo dramma (secondo studio, H. Hauvette, morte vivante),
arriva a Shakespeare attraverso italiano, soprattutto attraverso
l'opera di Matteo Bandello (1485-1561), riferito all'estero da Pierre
Boisteau. La versione di quest'ultimo era a sua volta tradotta in inglese nel Palazzo del piacere di William Painter e liberamente interpretata da Arthur Brooke nel poema la tragica storia di Romeo e Giulietta, 1562, in cui Shakespeare è stato ispirato.
Un tentativo di stabilire una relazione tra il dramma di Shakespeare e altri derivati della stessa origine, il Lope de Vega (Castelvines e Wildcats) e Adriana
(1578) di Luigi Groto, che contiene frasi e immagini che sono anche nel
dramma di Shakespeare, ma che sono solo luoghi comuni di petrarquismo; Inoltre, entrambi drammi sono completamente diversi nel modo di trattare l'argomento e nello studio dei personaggi.
I Montecchi (Montecchi) e i Cappelletti (Capuleti), le due principali famiglie di Verona, sono il nemico. Romeo,
figlio del vecchio Montecchi, partecipa a una festa a casa del Capulets
mascherato e, se prima ho creduto nell'amore con Rosalina, ora rileva
che la sua vera passione è Juliet. Dopo la festa, i giovani sono gonfie nell'amore reciproco. E,
mentre sotto la finestra di Giulietta, Romeo sente confessare il suo
amore per lui di notte e ottenuto il suo consenso a un matrimonio
segreto.
Con l'aiuto di Friar Laurence si sono sposati il giorno successivo. Mercuzio, amico di Romeo, appena Tebaldo, nipote di Lady Capuleto, furioso per aver scoperto la presenza di Romeo alla festa; Mercurio e Tebaldo bisticciare. Romeo
interviene, e la sfida di Tebaldo risponde con parole che sono
nascondendo il nuovo collegamento di parentela e si rifiuta di
combattere. Mercuzio è indignato da tale invio ed estrae la spada. Romeo tenta invano di separare i contendenti, ricevendo solo il dare occasione a Tebaldo ferita della morte di Mercuzio. Poi Romeo è trascinato per combattere e uccidere a Tebaldo.
Egli è condannato
all'esilio, e il giorno successivo, dopo aver trascorso la notte con
Giulietta, lascia Verona a Mantova, essendo chiamato da frate Lorenzo,
che capisce che questo è il momento giusto per rendere pubblico il suo
matrimonio. Juliet, costretta dal padre a sposare
il conte Paris e consigliato di farlo con sua madre, che aveva favorito
prima unione con Romeo, viene convinto da frate Lorenzo da quel
consenso, ma bere alla vigilia delle nozze un narcotico che la farà
apparire morta per quaranta ore. Il frate stesso si occuperà con avvertire Romeo, che rimuoverà dalla tomba al suo risveglio e condurla a Mantova.
Romeo e Giulietta (1968), di Franco Zeffirelli
Julieta mette in pratica il Consiglio. Ma il messaggio non raggiunge Romeo perché il Monaco che deve consegnarlo è arrestato il sospetto di infezione; d'altra parte avere la notizia della morte di Juliet. Acquista un potente veleno da un farmacista e va al sepolcro per vedere la sua amata per l'ultima volta; all'ingresso è Parigi e lo uccide in un duello. Quindi, Romeo, dopo aver baciato Giulietta Ultima beve il veleno. Juliet arriva e trova morti di Romeo, con la Coppa ancora in mano. Si rende conto di quello che è successo e pugnalata. Questa tragica morte è narrata da frate (che è arrivato troppo tardi per evitarlo) e la pagina del conte di Parigi. Nemico, toccato dalla catastrofe provocata dalla sua inimicizia, le teste delle due famiglie sono riconciliate.
Egli è stato avvertito
molte volte dai critici si tratta non è una tragedia nel senso che sia
le grandi tragedie di Shakespeare, poiché non scaturisce dal
personaggio, ma che è a causa di una combinazione fortuita di
circostanze esterne, a tal punto che potrebbe alterare l'esito del
dramma nel XVIII secolo che lo rende felice. Tuttavia,
la concezione di Shakespeare è tragica per le stesse immagini con
quello opera, in loro Mostra la sua visione della storia di due amanti
nella sua bellezza rapido e fatale, quasi come un fulmine, anche
improvvisamente e spegnendo presto.
Questa concezione è proiettata su un fondo di "Italianizzato" artificiale, che è lo stesso come i primi drammi di Shakespeare (i due gentiluomini di Verona, opera di amore perduto). Tutti Teatro shakespeariano, Romeo e Giulietta è il più ricco di metafore lavoro; nelle
parole di Romeo, ancor più che nei sonetti di Shakespeare, troviamo
l'influenza di concetti convenzionali dei precursori del barocco. Ma
artificialità, invece di essere solo una decorazione piacevole, come i
drammi di John Lyly e Robert Greene, dà un accento più patetico di
storia umana che ci circonda, e l'angoscia e la morte sono non meno
reale e struggente si verificano in un esigente giardino italiano ed
essere circondati da dolcezza.
Grande è la varietà delle
note suonate in questo dramma, che riassume il periodo iniziale e
anticipare la maturità di Shakespeare: artificiosa doganale, strano e
runaway acuità, purezza di cuore, ardente fantasy, apoteosi dell'amore e
suo sfarzo di funerale. Da questa miscela di
elementi, il dramma affascinato i romantici, non solo a causa delle loro
note più alte (ispirerà John Keats, cui Vigilia di Santa Inés
è una variazione su un tema di questo dramma), ma anche da alcuni
motivi macabri, come la scena del Pantheon (che possono influire su
alcune storie fantastiche di Edgar Allan Poe) e il Parlamento di
Giulietta nella prima scena dell'atto IV ("Dimmi che mi dove nasconde il
nido del") barra del timone... "(, v. 79 y SS.), hanno suggerito molte situazioni di"romanzi neri"dalla fine del XVIII secolo, che sembra."
Il dramma è forse fra lo
Shakespeare, il più diffuso e popolare, e imitazioni e le derivazioni in
tutte le lingue, sono numerosi, anche se il valore di questi è spesso
molto basso.
Panoramica e Riepilogo: sogno di una notte di mezza estate
Questa commedia in cinque
atti in versi e in prosa di William Shakespeare è stato scritta nel 1595
e rappresentata intorno allo stesso tempo; in quarto nel 1600 e nel 1619 e Folio fu pubblicata l'anno 1623. Shakespeare sembra aver bevuto nelle più disparate fonti per questo dramma: la scoperta di stregoneria,
Reginald Scot (fare 1538? - 1599) avrebbe potuto trovare notizie su
Robin Goodfellow, mentre la storia della trasformazione in culo torna al
asino d'oro di Apuleio, ma si potrebbe prendere da Chaucer o Plutarch.
Hermia, innamorata di Lisandro, rifiuta di sposare Demetrio, contravvenendo così il desiderio del Mar Egeo, suo padre. Demetrius, d'altra parte, è amato da un amico di Ermia, Elena, che ha lasciato per sposare Hermia. Secondo
la legge ateniese, duca Theseus dà Hermia quattro giorni di tempo per
obbedire alla volontà del padre, dopo di che ci sarà la morte.
Ermia e Lisandro sono d'accordo ad abbandonare Atene segretamente e sposare dove la legge non può raggiungerli. Hanno in programma di essere in una foresta a poche miglia dalla città. Hermia rivela il piano di Elena, che informa Demetrio. Demetrio continua a Ermia alla foresta ed Elena a Demetrio; modo che i quattro sono nel bosco, quella notte.
Oberon e Titania, re e Regina delle fate, che vivono nella foresta, hanno combattuto a causa di una pagina. Oberon
chiede folletto Puck, simbolo di incostanza dell'amore, che vi
assicureranno qualche fiore magico cui succo, versato negli occhi di
Titania mentre dormi, farà che egli è caduta nell'amore con il primo è
per coloro che vedono quando ti svegli. Oberon si
sente nella foresta per colpa di Demetrio Elena si sta seguendo lui e
desideroso di riconciliarli, alle sequenze di Puck che versare un po '
di quel filtro d'amore negli occhi di Demetrio quando Elena è accanto a
lui.
Puck, prendendo a Lisandro
da Demetrio, dà il filtro e come Elena è che la prima persona a Lisandro
vede al risveglio, indirizzarvi parole d'amore; ma si può fare a irritare lei perché lei pensa che Lisandro lei schernisce. Oberon, scoperto l'errore di Puck, versare il succo in occhi di Demetrius, così che ora sono due che Elena Woo. Le due donne combattono come gli uomini si preparano a sfidare per Elena.
Nel frattempo, Oberon ha
messo il filtro sulle palpebre di Titania, che, al momento del
risveglio, appena il fondo Weaver con un asino invece la propria testa
al suo fianco: infatti, fondo, con una società di artigiani ateniese, si
trova nei boschi le prove di un dramma che deve rappresentare per
celebrare il matrimonio del duca, e Puck ha messo la testa di un asino. Titania cade per lui quando lo vede di lui e requiebra per la sua bellezza. Oberon,
che ha pietà di Titania, sorprenderli e dopo aver recuperato la pagina
rapita, si strofina gli occhi della moglie con un'erba che liberò
dall'incantesimo.
Puck, per ordine di Oberon,
circonda gli amanti umani e riunisce loro: mentre dormono alcuni altri,
stringe nella sua erba di occhi che il rollback il fascino, così
svegliarsi ancora prima dell'amore. Teseo e Aegean; derivano i fuggitivi sono perdonati e le coppie sono sposate. Il
dramma si conclude con una scena di Piramo e Tisbe recitata in modo
grottesco di fondo e dei suoi compagni per il matrimonio di Teseo e
Ippolita, Regina delle Amazzoni.
Varie discussioni del
dramma (le nozze di Teseo e Ippolita, la disputa tra Oberon e Titania,
la fuga dei quattro amanti, la rappresentazione degli artigiani) sono
collegati come più agile in un sontuoso arazzo di colori vivaci su una
priorità bassa della foresta magica. Il mondo
classico e il mondo delle fate si fondono come un "trionfo" del tardo
Rinascimento: nelle coppie Oberon – Titania è un riflesso della vecchia
disputa tra Giove e Giunone, e quei due esseri sembrano partecipare alla
serena bellezza degli dèi della Grecia, mentre Puck appartiene al mondo
oscuro e mitico della superstizione Nordic.
La deliziosa leggerezza del mondo dei concerti Elfi con la vicenda umana; fino
ai movimenti e le passioni degli innamorati sembrano svolgersi secondo
arabeschi di sogno, prosperare in difficoltà assurda e dissipare in
fascino come una danza astrusa ed elegante governata dai capricci
dell'amore. Una metamorfosi allegra e assurda
prende il sopravvento da umili artigiani, che non sono marginali
fantoches nella casella, sono avvolti in una magica atmosfera stessa; e
inferiore, con la testa di un asino e la grottesca rappresentazione di
"Piramo e Tisbe", non sembrano in relazione con il mondo classico di
Luciano e Ovidio come con le invenzioni uniche di fantasmi assurda di
quel pittore chiamati Hieronymus Bosch. Il mondo
fantastico delle allegorie del Rinascimento e il mondo amorevole dei
romanzi cavallereschi con le loro sorgenti che illuminano o ghiaccio
amore, ecco la sua espressione più perfetta e poetica.
Panoramica e Riepilogo: le allegre comari di Windsor
Questa commedia in cinque
atti in prosa, con alcune parti in versi, di William Shakespeare, è
stato scritto probabilmente al 1598, pubblicato nelle edizioni "in
quarto" nel 1602, 1619 e 1630 e nell'edizione "Folio", nel 1623. Il testo di 1602 è incompleto.
Secondo una tradizione,
l'opera fu scritta in quindici giorni su richiesta della Regina
Elizabeth, che hanno voluto vedere sul palco per Falstaff in amore. Tuttavia,
non sembra essere una mera improvvisazione, da Shakespeare ha usato una
commedia già esistenti nel repertorio della sua società. È la commedia il geloso, rappresentato nel 1593 e basato su una narrazione italiana (il secondo dal primo libro di Il Pecorone),
dove il motivo per l'amante nascosto in un pezzo di mobili, comune nel
romanzo italiano, assume la forma di uomo "nascosto sotto una pila di
panni sporchi".
In molti dei suoi personaggi hanno voluto vedere caricature di persone realmente esistenti. Così,
i ritratti di giudice superficiale e stupido Abramo snello nipote
potrebbe avere dal modello a Sir Thomas Luey de Charlecote, vicino a
Stratford, che, si crede, avrebbe perseguito a Shakespeare quando era
giovane da sono cacciate furtivamente sulle loro terre, la cui
veridicità è discutibile.
La commedia è il link per
due motivi: il Falstaff che corteggia due ricchi borghesi di Windsor che
deridere lui e Anne Page, che i genitori vogliono sposarsi. Falstaff,
mancando di denaro, decide di corteggiare le donne di Ford e Page,
borghesi di Windsor, dal momento che governano il flusso dei loro
mariti.
Falstaff invia lettere galanti identiche a due mogli, che decidono di vendicarsi su di lui. Da altra mano, Nym e pistola, i complici di Falstaff, despechados perché è stato rimosso, si prega di avvisare sui mariti. Pagina non è in movimento, e Ford è felice con la possibilità di catturare "in flagrante" sua moglie.
Falstaff è visitato da Lady rapidamente, servo del Dottore Cajus, responsabile per il ruolo del Partito parete di due signore; Questo assicura Falstaff che entrambe le donne non vogliono, ma per favore. Poi
riceve una visita da Ford travestito con i vestiti del ruscello, che
finge di essere pazzo amore di Mrs. Ford e Falstaff promette una
splendida ricompensa se ti aiuta a conquistarla. Falstaff rivela che ha un appuntamento con la signora Ford e promesse poi assegnare il sito al ruscello. Durante
la citazione finta Ford è presentato con una folla di amici a
testimonianza l'adulterio e Falstaff a nasconderlo rapidamente e in
esecuzione in un grande cestino di vestiti sporchi e quindi viene
generata con tutti i vestiti nel limo del fiume.
In un secondo appuntamento Falstaff è vestita come una donna grassa e come tale fortemente battuto da Ford. Anche
il marito geloso è preso in giro due volte, ma finalmente scoperto il
complotto e dare un ultimo Falstaff citato nella foresta di Windsor,
dove sostiene assalto che lui e pizzico in bundle e Pixies e finalmente
che lui è smascherato da Ford e pagina.
La trama secondaria
rappresenta il corteggiamento di Anne, figlia di pagina, da tre
pretendenti, il dottore Caporaso, medico francese; Slender
(un nome che potrebbe essere tradotto con "Emaciato" o "Enclenque"),
nipote di bobo del giudice Shallow (il cui equivalente sarebbe "Light");
e Fenton, un giovane stravagante, amato da Anne. Madonna
rapidamente (come si suol dire la signora "rapidamente e funzionante"),
mediatore di marca tra i tre e li incoraggia allo stesso modo. Sir
Hugh Evans, il prete gallese, si pronuncia a favore di Slender ed è
sfidato da Caius, ma le ostilità sono ridotti che maltrattare la lingua
inglese un gallese e francese.
L'ultimo appuntamento dato a
Falstaff nella foresta, pagina, favorendo Slender, ha questo rapire sua
figlia, che indosserà bianco, mentre la pagina di Lady, che protegge il
dottore, ha sua figlia in vista del verde, e di essere rapita dalla. Ma
quando arriva il momento i due pretendenti sono mani una dissimulata
come un ragazzo, mentre la vera Anne è fuggito con Fenton, con cui egli
sposerà.
Alcuni hanno voluto vedere
in questa commedia una sorta di "fabliau" messo in scena con tutte le
caratteristiche di quel genere un po' Shyamalan: ritratti realistici,
modi goffi, mancanza di rispetto per il matrimonio, piacere Borghese a
maltrattare un patrizio di donnaiolo... Forse
perché questi elementi più continentali che inglese e soprattutto con il
fondamento di tema sensuale e la caricatura del cornuto, questa
commedia ha fatto non molto difficile situazione tra i critici inglesi
del XIX secolo; Mentre nelle nostre scene, sviluppando temi brillante del romanzo italiano, è divertente e facile manutenzione. Abile gioco, soffre tuttavia la sua composizione frettolosa, spesso compensata con una brillantezza straordinaria.
Panoramica e Riepilogo: è bene quel che finisce bene
Questa commedia in cinque atti in versi e in prosa, tradotto anche come successo che non non c'è nessun principio cattivo, probabilmente è stato scritto al 1602-1603. Secondo
altri, che prendono in considerazione le disuguaglianze del testo, ha
avuto una prima bozza durante la gioventù di Shakespeare, nel periodo
1590-1594 e, dieci anni più tardi, fu rimesso in produzione dallo stesso
autore con l'aiuto di un collaboratore. È stato pubblicato nella infolio 1623.
Non non c'è nessuna notizia
che è stata eseguita prima del mese di marzo 1714, durante un tour per
il fervore delle commedie di Shakespeare, o che ha avuto fortuna sulla
scena. La trama è preso dal cartone animato nono della terza giornata del Decameron di Giovanni Boccaccio, tradotta nel Palazzo del piacere di William Painter (I. 38). È
che la storia ben nota di Giletta di Narbona guarisce il re di Francia
di una fistola che chiede il marito a Beltrán de el Rosellón.
Beltran, giovane conte di
Rossiglione, è chiamato la Corte del re di Francia in seguito alla morte
di suo padre, e foglie nel castello ereditato sua madre ed Elena,
figlia del famoso medico Gerardo de Narbonne, che è stato educato a
scapito del vecchio conte. Il re di Francia (Carlos V, nome non citato nel dramma di Shakespeare) è malato con fistola incurabile. Elena,
che è innamorato di Beltran e ti ama, concepito l'audace piano di
trasferirsi a Parigi e cercare di curare il re per mezzo di una ricetta
che suo padre lo ha lasciato. La madre di Beltran, che ha scoperto di Elena amore per suo figlio, secunda il tuo progetto.
La guarigione va bene ed Elena ottenere come ricompensa dal re a scegliere un marito tra i signori della Corte; Così
sia la vostra scelta in Beltran, che, anche se irritato da dover
sposare una donna di rango inferiore, è la fretta di obbedire all'ordine
del re. Ma, in parte istigato da spaccone
Parolles, Beltran è pronto immediatamente al servizio del duca di
Firenze nella guerra contro Siena e scrive a Elena pensano di non
considerarlo suo marito mentre non è riuscito a ottenere l'anello che
porta al dito, e non ha alcuna intenzione di liberarsi mai, e fino a
quando avete un bambino del , ma non ha alcuna intenzione di condividere il suo letto.
Elena, vestita di Pellegrino si reca a Firenze e rileva che Beltran è innamorato di Diana, figlia della schiera di pellegrini. Diana, tuttavia, rifiuta le loro proposte. Elena
è dato di conoscere la ragazza e sua madre come la moglie di Beltran e
ottiene, promettendo di indirizzare una dote, che lei ha finto di
accettare un accordo dell'amante di dargli l'anello; poi, quando è necessario verificare l'appuntamento, Elena sostituirà Diana.
Poco dopo, diffondere la
notizia della morte di Elena, e dopo aver terminato la campagna che è
distinta straordinariamente, Beltran tornò a Roussillon. Nel frattempo il suo amico Parolles è stato smascherato come un atroce e vile traditore. Nel
Castello di Roussillon è il re, vedendo in anello di punta Beltran che
egli stesso aveva dato Elena, e che lei non stava diffondendo piuttosto
che per inviarlo su richiesta per assistenza in caso di bisogno, si
sospetta che Beltran ha fatto sparire a sua moglie. Diana è presentata con un appello, accusando Beltran di aver sedotto e dicendo che è stato costretto a dare l'anello a Beltran. L'enigma
è finalmente risolto con l'aspetto di Elena, che, mostrando Beltran un
altro anello che aveva creduto di dare a Diana, ed essendo stato incinta
da esso, è infine ricevuto come una moglie del marito pentito e
perdonato dal re.
Non possiamo dire che racconto ben tracciato di Boccaccio fuori migliorato nel dramma shakespeariano; Forse
per fornire una carta lucida per un attore comico, Shakespeare ha
introdotto gli episodi relativi a Parolles, che ha probabilmente messo a
galla il dramma con pregiudizio per la trama principale. Ma
tali episodi sono una parte essenziale dell'atmosfera del dramma, allo
stesso modo come linguaggio di bordello e il cecchinaggio velenoso da
Lucio sono inseparabili da misura per misura, commedia amara che ha stretta affinità con è bene quel che finisce bene.
Elena ha un po ' di Isabel
(soprattutto nei suoi discorsi per convincere il re dell'efficacia della
cura) e un po' di Mariana in misura per misura. Il
risultato nell'ultimo atto passa attraverso fasi abbastanza simili in
drammi e la somiglianza di stile, di dialogo, di generale pessimista
colorato, invito a sostenere che è bene quel che finisce bene è un gemello di misura per misura, ma non così vitale. Dei due personaggi principali, Elena può sembrare ambiguo e odioso Beltran; più nobiliare sono il re e la Contessa, ma secondaria; il
giullare Lavache è sciolto, e solo Parolles può spostare noi a ridere,
ma come in una farsa amara, senza simpatia umana che suscita in noi un
bluffer come Falstaff.
Ma soprattutto egli non ci
dramma come Elena, aborrita da Beltran, realizzata all'ultimo fatto
l'amore: conclusione, quest'ultimo, che dovrebbero essere controllati se
davvero tutto "deve finire bene". La mancanza di
giustificazione psicologica è completata da caso prodigioso, da abile
record con cui Elena arriva per soddisfare le due condizioni posizionate
di Beltran, anche se questo record funziona così troppo meccaniche per
produrre convinzioni. Visto anche in che cosa Beltran essere un marito auspicabile, a meno che dalla loro posizione sociale forte.
Panoramica e Riepilogo: Julius Caesar
Questa tragedia in cinque
atti, in versi e in prosa, di William Shakespeare è stato probabilmente
scritto nel 1599, pubblicato nello stesso anno e pubblicato "in folio"
nel 1623. Le sue fonti sono le vite di gross, César Antonio delle vite parallele di Plutarco, nella traduzione inglese di sir Thomas North (1579), spesso seguita da Shakespeare letteralmente. Alcuni passaggi sono stati confrontati con la Pharsalia di Lucano, con le epistole di Cicerone, con la storia naturale di Plinio, con guerre civili con la storia romana di Dión Casio, con le vite dei dodici Cesari di Svetonio, Appiano ed El César de Pescetti, ma noi non possiamo dire ciò che Shakespeare ha preso direttamente da queste fonti , poiché altri drammi inglesi precedenti sullo stesso argomento sono state persi.
Le ambizioni di Julio César
provocano una cospirazione tra i fautori della libertà romana,
soprattutto Casio e Casca, che convincere lordo. Di
lordo odia Cesare ambizioni, ma non a stesso Cesare, così tutte le sue
prestazioni sono accompagnata da disgusto per l'atto che deve essere. Lordo
difende l'insistenza della moglie Porcia, che vuole scoprire il suo
segreto, mentre la moglie di Cesare, Calpurnia, consigliato da un sogno,
supplica con Cesare di non andare al Campidoglio alle Idi di marzo. Ma uno dei cospiratori, Decio, lo convince.
Il sofista Artemidoro non riesce nel suo sforzo per evitare che lui e Cesare viene assassinato. Conjurés
fanno gridare per la città: "libertà e indipendenza!", credendo che la
gente con loro, ma Antonio, con un abile elogio sopra il corpo di
Cesare, sollevata al villaggio, mentre forzata discorso ruvido lascia
freddo massa. L'insurrezione costringe a fuggire verso i cospiratori; forme del governo dei triumviri, Antonio, Ottaviano e Lepido, mobilitati contro l'esercito di Bruto e Cassio.
Contro il cadavere di Cesare, Mark Antony
(Marlon Brando) incita il popolo alla ribellione, in
eccellente film di Mankiewicz (1953)
Alla vigilia della riunione
i due amici hanno un alterco, ma più tardi riconciliata e lordo Casio
dà la notizia della morte di Portia. Questo
cosiddetto "dialogo di Rivoltella" ("colloquio di mezza spada") fu una
delle scene più ammirate di Shakespeare Theatre dai suoi contemporanei. Lo spettro di Cesare appare a Bruto. Sulla pianura di Filippi, Brutus battere le forze di Octavio, mentre Casio è battuto da Antonio. Credendo che anche lordo è stato sconfitto, Casio si suicida; il fedele Titinio segue suo piombo. Nella seconda battaglia, Brutus, scoraggiato dalla morte di Casio, è sconfitto ed inoltre viene ucciso.
Il problema
dell'interpretazione di questo dramma, che prelude il periodo delle
grandi tragedie di Shakespeare, è complicato dalla confusione che esiste
tra la funzione drammatica della scena centrale (la morte di Cesare) e
l'obiettivo vero e proprio tragico. La maggior
parte dei critici, basata sul fatto che la morte di César accade in uno
stato precoce di azione, negare che questo è il protagonista della
tragedia e sostengono che questa qualità è agitata. Inoltre,
essi riconoscono che lo spirito di César domina tutta la tragedia, dopo
la sua morte, e il suo nome è sulle labbra di Casio e lordo quando
commettono suicidio.
A prima vista può sembrare
che il vero protagonista è lordo, tanto più che, alla fine del dramma,
questo è ricordato da Antonio con parole applicabili, per analogia, allo
stesso Shakespeare: "questo è stato il più nobile tra tutti i Romani...
La sua vita era delicato; "e gli elementi così eterogenei in lui, che la natura potrebbe alzarsi e gridare al mondo intero: questo era un uomo". Ma lordo, nel primo atto, occupa una posizione secondaria per quanto riguarda Casio; nel terzo, la sua personalità è supportata da Antonio; e solo in atti IV e V gioca un ruolo drammatico di primo piano.
Per risolvere il problema,
alcuni hanno pensato che il vero protagonista è l'idea incarnata da
Cesar, il cesarismo, l'autoritario ideale, che l'antagonista sarebbe
l'idea repubblicana rappresentata dai sostenitori della libertà di Roma
antica. Per gli altri, alla fine, tutte le
disquisizioni sui veri protagonisti sono vane, considerando come i
destini di Cesare e Bruto, in modo tale che Brutus (atto IV, scena 3)
sono legati indissolubilmente gli appare il tuo destino, il tuo demone
con il volto di Cesare.
La tragedia, con un ritmo
avvincente, è governata da un feroce nemesi: la prima parte culmina con
la morte di Cesare, la seconda nel suicidio dei matadors. Nel
mezzo c'è una pausa, l'incontro dei triumviri che sezioni del tragico
tumulto, guardare freddamente, calcolando i suoi vantaggi pratici. L'elemento comico è quasi assente da questo dramma romano, come pure di Coriolano; Se
ci sono risate, è una risata amara per la sorte del poeta Cinna, ucciso
dall'ingegno e la semplicità della folla, facilmente conquistata dalle
risorse retoriche sfacciate della preghiera di Antonio.
Panoramica e Riepilogo: Hamlet
Scritto e pubblicato
intorno 1600-1601, questa tragedia in cinque atti in versi e in prosa di
William Shakespeare è giunto fino a noi nelle varie redazioni: la
"camera" del 1603, o primo "quarto"; la "camera" del 1604, o seconda "camera"; il "infolio" del 1623. La seconda "camera" rappresenterebbe il testo originale del dramma, che derivarono altri testi in misura maggiore o minore.
La storia di Amleto è stata raccontata da Saxo Grammaticus nelle Gesta dei danesi (libri III e IV, chaps. 86-106), dall'inizio del XIII secolo. Raggiunto Shakespeare attraverso il Histoires Tragiques di f. de Belleforest e un dramma perduto, che probabilmente apparve sulla scena nel 1587 o 1589. Ci
sono alcune importanti differenze tra il racconto di Belleforest e
dramma shakespeariano: nella storia del francese, frazione sa fin
dall'inizio come suo padre, morto così sua finta follia ha una
giustificazione meravigliosa; d'altra parte, egli non muore nel compimento della sua vendetta ed è in grado di agire con forza al momento giusto.
Immaginate che alcuni dei
nuovi elementi introdotti dalla tragedia preshakesperiana, designata dai
critici, con il tedesco prefisso Ur-piccolo villaggio, o
"primitivo borgo": così la morte del protagonista, lo spettro del
padre, la scena del dramma all'interno il dramma e il duello finale con
Laerte, elementi che fanno pensare a Thomas Kyd (1558-1594) come autore.
Probabilmente nella preshakesperiana tragedia
Amleto era un vendicatore aggressivo, ma per regolare di nuovo in scena
la tragedia antica, Shakespeare ha dato il protagonista il carattere
malinconico, che è diventato di moda nel XVII secolo, per giustificare
il ritardo della vendetta; Così il centro del
dramma trasferito dagli intrighi delle reazioni di Claudio nello spirito
della frazione "malinconia" e pessimista.
Nella tragedia di
Shakespeare, il re di Danimarca è stato assassinato da suo fratello
Claudio, che ha usurpato il trono ed è stato sposato, senza rispettare
le usanze, con la vedova dei morti, Gertrude. Lo
spettro del padre sembra Amleto nella parete del Castello di Elsinore,
preoccupazioni le circostanze del crimine e chiamate per vendetta. Amleto promette di obbedire, ma sua malinconica natura lo rende titubante e lo costringe a rinviare l'azione; Nel frattempo si finge pazzo per evitare il sospetto che minaccia la vita del re. Si
ritiene che esso ha turbato la sua mente l'amore di Ofelia, figlia di
Polonio Chamberlain, che, dopo aver corteggiato in precedenza, ora è con
crudeltà.
Lawrence Olivier in Amleto (1948)
Frazione controlla
l'account dello spettro, rendendo rappresentano un dramma (l'omicidio di
Gonzago), che riproduce le circostanze del reato, davanti al re e il re
non sa dominare la sua agitazione. In una scena
in cui grida contro sua madre, Amleto è che il re è in ascolto dietro
una tenda ed estrae la spada, ma invece uccide Polonio. Il
re, ha deciso di far sparire Amleto, inviato in Inghilterra con
Rosencrantz e Guildenstern, ma pirati catturando Amleto e tornò in
Danimarca.
Il ritrovamento di arrivo che Ophelia, dolore pazzesco, è annegato. Il fratello della ragazza, Laerte, è tornato per vendicare la morte del padre Polonio. Il
re, a quanto pare, vuole placare li e conduce a Amleto e Laerte per
competere, non in un duello, ma in un gioco di braccia che sigillano il
perdono; ma dare Laerte una spada con la punta e avvelenato. Amleto
è trafitto, ma prima che morisse fatalmente ferisce Laerte e uccidere
il re, mentre Gertrude beve il calice avvelenato al figlio. Il dramma si conclude con l'arrivo del puro Fortebraccio, Principe di Norvegia, che diventa il sovrano del Regno.
Le famose scene, anche
quello del monologo da Amleto (atto III, SC. 1) che inizia con il famoso
versetto "essere o non per essere, qui è il problema" ("essere o non
essere: questa è la domanda"), o quella del cimitero, dove Amleto fa
Yorick, il re considerazioni testa giullare. La
prova di Amleto, nella maggior parte dei critici, è ridotto a un
giudizio sul carattere del protagonista, espressamente progettato come
vivere una vita propria ed esterni al dramma. A
questo punto di vista della critica è stata seguita dagli autori che
sacrificano tutto il dramma, taglio senza preoccupazione, il personaggio
di Amleto a rappresentarla, scene da quel punto di vista considerato
secondario.
Ma il processo di Amleto è
estremamente difficile a causa di una serie di problemi che non sono
inattivi divagazioni: sarebbe, per esempio, Claudio non interrotto il
dramma di Gonzago che riproduce le circostanze della sua offesa,
visualizzazione singola della pantomima che precede la recitazione degli
attori? Perché Amleto usato con insistenza con linguaggio osceno ed offensivo Ofelia? A
tali domande, critici che sono collocati in un punto di vista
strettamente storico contatore sostenendo frequentano incoerenze dei
drammi dell'epoca: Granville-Barker arriva a dire che "intrigo, come
tali intrighi, è stata sviluppata con scandalosa incompetenza". Altri critici sostengono che gran parte dello sviluppo è stata persa e che il vero problema di Amleto sarebbe quella di provare a ricostruirlo.
Solo Kenneth Branagh ha portato per filmare l'intera opera
in Hamlet (1996), un film di quattro ore di durata
Così, mentre critica
psicologica spiega l'atteggiamento di Amleto Ophelia come risultato la
nausea causata sessuale nel Principe di comportamento materno, storici
critici relativi all'intervento di Ophelia nel dramma originale, dove,
come nella storia di Belleforest, sarebbe solo uno strumento di zio di
Amleto per sedurre il principe. E lingua che
Amleto USA con esso è precisamente quello che sarebbe stato portato a
tale strumento, anche se Ofelia non è una cosa del genere nel dramma di
Shakespeare. Amleto avrebbe potuto immaginare che
così hanno sentito le parole di Polonio al re nella seconda scena del
secondo atto, versetto 162 e GIS: "In un momento così potrai perdere mia
figlia a lui" ("poi castigare voi mia figlia"); dove
"sciolti" implica non solo che il polonio, che finora ha proibito
Ofelia che comunica con Amleto, lascerà libero, ma contiene un'allusione
al comune di cavalli e bovini (a cui il isabelists usato il verbo).
Certo che Amleto,
successive (V. 174), chiama Polonio "pescivendolo" (pescivendolo), un
epiteto che è stato dato per i ruffiani e confronta la sua figlia con un
"carrion di carne" (carogne, ma anche, in prostituta elisabettiana,
slang). C'è, pertanto, di immaginare, di spiegare
l'atteggiamento di Amleto a Ofelia, che sinistramente interpretata la
sua condotta alla luce delle parole di polonio, sorpreso da essa; Si segue, poi, come dice Dover Wilson, cosa mettere in quella scena l'annotazione "entra il borgo".
Nota di cuore della
tragedia è certamente quello della frase "la tinta nativa della
risoluzione è sicklied o ' er con il cast pallido del pensiero" ("il
colore naturale della risoluzione si ammala con la pallida tinta del
pensiero", III, 1, 85). Contrasto con Amleto, che
incarna quell'atteggiamento che è stato definito come una malattia
della volontà, Fortebraccio e Laerte, uomini d'azione. Le
alternative di frenesia e apparente apatia del personaggio centrale
indicano il ritmo di tutta la tragedia, ritmo sia febbrile, con suoi
parossismi e le loro sofferenze, che dà il dramma suo fascino
indistinto, così difficile da analizzare, ma sempre sentiti dal
pubblico, anche nelle riduzioni e le deformazioni subite dalle scene del
suddette.
Panoramica e Riepilogo: Otello, il Moro di Venezia
Scritto al 1604 e
rappresentata probabilmente nello stesso anno, questa tragedia in cinque
atti, in versi e in prosa, di William Shakespeare pubblicato quarto nel
1622, Folio nel 1623 e nuovamente nel quarto nel 1630 e nel 1655. Il
testo della prima edizione in camera presenta differenze significative
con il 1623, alla fine che era giustificato l'ipotesi che i redattori
utilizzati diversi manoscritti; per questo motivo il testo è impostato tenendo conto di entrambe le edizioni.
L'origine di questo lavoro è il settimo romanzo nella terza decade di Hecatomitos di Giovan Battista Giraldi Cintio, con la differenza che il capitano di Moor ed Ensign mancano nome in Giraldi. È
stato rilasciato un'ipotesi identificando il Moro con il patrizio
Cristoforo Moro, che era tenente a Cipro, nel 1508, e chi ha perso sua
moglie nel viaggio di ritorno a Venezia; altri
autori ritengono che è "Capitano Moro" (in realtà un sud italiana)
Francesco da Sessa, che è stato condannato alla forca dai rettori di
Cipro, 1544 tardi o inizio del prossimo anno, a Venezia, per un crimine
non specificato. Non è noto con certezza se
Shakespeare ha usato l'originale traduzione italiana o francese di
Gabriel Chappuys, pubblicata a Parigi nel 1584.
Il Moro Otello, generale al
servizio di Venezia, ha vinto l'amore di Desdemona, figlia di Brabantio
il senatore veneziano, raccontando le loro gesta e i pericoli che è
accaduto; e poi ha sposato lei. Perché Brabantio lo accusa di Dux hanno incantato e rapito sua figlia. Ma Otello spiega come lealmente conquistato il cuore di Desdemona, e questo conferma la sua storia.
Nel frattempo arriva la
notizia che un attacco dei turchi contro Cipro è imminente e chiede la
collaborazione di Othello di rifiutarli. Brabantio, dà a malincuore, la figlia di moro, che immediatamente si trasferì con lei a Cipro. Ensign Yago, che è stato sostituito nel ruolo del tenente da Casio, sentire un odio profondo di Otello; Yago ha sentito voci che il moro ha giaciuto con Emilia, sua moglie e la cameriera di Desdemona.
Inizialmente, Yago riesce a screditare a Casio in Othello, rendendo Casio è ubriaco e turbato la pace pubblica. Consente di Rodrigo, che ama, senza essere ricambiato, a Desdemona. Casio, privato della sua laurea, è indotta da Yago Perciò pregare a Desdemona che interceda per conto suo; Yago simultaneamente dà luogo a in vena di Otello il sospetto che sua moglie barare su di lui con il tenente sfortunato.
Orson Welles nel suo Otello (1952)
L'intercessione di Desdemona per Casio sembra confermare i loro sospetti e crea nella gelosia furiosa di moro. Yago
riesce a fare un fazzoletto che Otello aveva dato Desdemona come un
capo prezioso (tessuto raccolto da Emilia quando sua moglie aveva
perduto) è trovato in possesso di un Casio. Otello, accecato dalla gelosia, soffoca Desdemona sul letto di morte.
Più tardi, Casio, che Rodrigo ha dovuto uccidere istigazione di Yago, viene trovato ferito. Ma
Rodrigo, ferito da Yago per evitare che il loro piano viene scoperto,
sono lettere che dimostrano la colpevolezza di Yago e l'innocenza di
Casio. Othello, colpito dalla scoperta di aver
stato ucciso dalla moglie innocente e dopo aver trovato, al momento del
crollo del loro mondo, prontezza di riflessi, stoicamente ucciso per
punire se stesso.
Questa tragedia, che ha come tema
dominante sono gelosia, è così abilmente costruito e quindi strappando
l'attenzione che, a meno che un esame approfondito e freddo, non si nota
l'improbabilità di molti elementi, le contraddizioni nella psicologia
dei vari personaggi e un'incoerenza incurabile della durata dell'azione.
I critici hanno cercato di risolvere le varie difficoltà che presenta il dramma. Il
più grave dei quali è la durata dell'azione: poiché l'atterraggio di
Desdemona e Otello a Cipro fino a quando la catastrofe finale prende
solo trentasei ore; d'altra parte, molte circostanze richiedono che l'azione ha uno sviluppo più lungo e dura almeno alcune settimane.
Tentò di riconciliare
questa apparente incoerenza in vari modi, ad esempio, supponendo che
l'accusa di Yago contro Desdemona si riferisce a un tempo prima di
arrivare a Cipro, dal durante il soggiorno a Cipro non ci sarebbe stato
materialmente tempo per quelle presunte storie d'amore. Ma questa spiegazione si opporrebbero cosa Yago dice Desdemona; Quindi,
nel terzo l'infedeltà di Act (3.230 segg.) Desdemona è attribuita ad un
periodo successivo la passione che sentiva verso il Moro che durava
fino a poco prima. Pertanto, secondo le parole di Yago, infedeltà avrebbe avuto luogo una volta.
Contraddizioni sono apprezzati anche nel personaggio di Othello. D'altra
parte, Desdemona sembra troppo ottuso per non rendersi conto che Otello
è geloso, quando Casio raccomanda che, al momento meno opportuno. Più
tardi, quando già ha realizzato di gelosia che suo marito, si sente non
è scoprire il motivo e immediatamente hanno una spiegazione con esso. Anche gli altri personaggi possono sembrare ingenuo per essere ingannati da Yago.
Ma le confusioni e
contraddizioni nella psicologia dei personaggi, così come soluzioni di
continuità tra i suoi personaggi e il modo che si deve agire, erano
all'ordine del giorno in elisabetiano il teatro, che vantava effetti
prospettici che inevitabilmente coinvolgono deformazioni che non
potevano essere visto nella rappresentazione. E
proprio in questo aspetto questo dramma di Shakespeare è forse uno dei
più lucidi e classici dell'autore, che spiega il suo successo sul
continente. Zaira, di Voltaire, in cui il carattere Orosmane è modellato di Otello, è il primo adattamento francese del dramma shakespeariano.
Tragedia del sud dalla
passione che è il tuo argomento (a meno che questo è perché finta, come
ha fatto Schlegel, vedere un tentativo di studio culturali e ambientali,
che Otello sarebbe la tragedia del barbaro mal assimilato nel dramma),
che spesso è stato rappresentato in Italia, dando luogo a
interpretazioni famose. D'altra parte, alla
mentalità inglese e puritano, l'argomento è sempre sembrato piuttosto
repellente, e per questo motivo, negli ultimi tempi, il pubblico restò
con interpretazione morbosa attenzione quel personaggio Paul Robeson
nero. È una tragedia che è urgente e che non dà alcuna tregua; un
fatto di cronaca nera che circonda di Shakespeare con la ricchezza
della sottigliezza verbale e concettuale di un cinquecentesco.
Panoramica e Riepilogo: Re Lear
Scritto nel 1605-1606 e
rappresentato nel 1606, questa tragedia in cinque atti in versi e in
prosa di William Shakespeare è stata pubblicata nel 1608 (prima di
quarto con il titolo la vera cronaca della vita e della morte di Re Lear e tre figlie), nel 1619 (secondo trimestre), nel 1623 (in folio) e 1655 (terzo trimestre).
La storia di Lear e le sue
figlie, una delle questioni che più hanno turbato gli studiosi di
tradizioni popolari, è in Goffredo di Monmouth (Historia Regum Britanniae, opera composta al 1140), Holinshed (cronaca) e un contributo di John Higgins (1574) per lo specchio per magistrati (lavorare nel quale, seguendo il modello della caduta dei principi di John Lydgate, che a sua volta imitato le disavventure di Boccaccio, uomini illustri, di solito appartenenti a Inghilterra, raccontano loro caduta). È anche nella Regina delle fate, Edmund Spenser (lib. II, canto 10, st. (27-32). Shakespeare ha usato un dramma precedente, Lear. La
leggenda del Re Lear ha terreni comuni con la Cenerentola: Cordelia,
figlia della figura di Re Lear, è una delle molte incarnazioni del tipo
di virtuosa ragazza perseguito.
La tragedia si svolgono in
parallele due azioni molto simili in generale (alcune hanno un'analogia
con la storia del Dirghatamas in Mahebheratae Yayetis stato osservato). Il primo e più importante è la storia di Lear e tre figlie; la seconda mira a eventi di Gloucester e i suoi due figli.
Lear, re di Bretagna, vecchio autoritario e mal consigliato, ha tre figlie: Goneril, moglie del Duca d'Albania; Regan, moglie del duca di Cornuailles e Cordelia, cui mano aspirano il re di Francia e il duca di Borgogna. Con
l'intenzione di dividere il suo regno fra le tre figlie secondo
l'affetto che provano per lui, Lear chiedere a ogni uno come vuoi tu. Goneril e Regan fanno proteste di affetto sincero, e ognuno riceve un terzo del Regno. Cordelia, modesta e dignitosa, dice che ti ama come dovere di manda. Arrabbiato
di questa risposta, il re si divide da parte sua del Regno tra le altre
sorelle, con la condizione che egli, con un centinaio di cavalieri,
mantenuto da uno di loro si trasforma.
Rimosso il duca di Borgogna, re di Francia accetta Cordelia senza dote. Il conte di Kent, che è messo dal lato di Cordelia, è bandito, ma ancora il re sotto gli indumenti falsi. Goneril
e Regan, appena in possesso di potenza, smascherare gli spiriti
maligni, mancano il patto stipulato dal padre negato la scorta dei
Cavalieri e quando rifiuta sdegnosamente la loro ospitalità odioso,
lasciarvi che vaga per il campo durante la tempesta. La
pietà di tatto del conte di Gloucester del vecchio re di una denuncia
del figlio illegittimo Edmund, è sospettato di complicità con i francesi
che sbarcarono in Inghilterra per volere di Cordelia, e si è fatto
cieco da duca di Cornuailles.
Prima di tentare di
rovinare il suo padre, Edmund aveva calunniato davanti a lui a suo
fratello, il legittimo Edgard, costringendolo a fuggire dall'ira di suo
padre. Che masquerading come un mendicante pazzo,
Edgard è ridotto a vivere in un cottage in campagna, e precisamente in
cabina che cercano rifugio, durante la tempesta, Lear insieme buffone di
corte e il Kent leale. Lear, ridotto al livello di un semplice vagabondo, si sente per la prima volta nel suo cuore l'angoscia della sofferenza umana; il test è troppo ruvido e perde la ragione. Porta di Kent lui a Dover e là Cordelia lo riceve con affetto.
Telaio in Ran (1985), da Akira
Kurosawa, basato su Re Lear
Nel frattempo, Goneril e Regan si sono innamorati entrambi di Edmund, che divenne conte di Gloucester. Gonerilla, rimuovere nel mezzo il rivale, che, essendo rimasta vedova, vuole sposare Edmund, veleni ma l'intenzione di liberarsi del marito viene scoperto da una lettera, e Gonerilla rimosso vita. Edmund, accusato di tradimento, viene ucciso da Edgar in un giudizio di Dio; ma, vincitore dei francesi, aveva già dato ordine di appendere a Cordelia, fatto prigioniero insieme a suo padre; troppo tardi, morendo, rivela il suo ordine feroce.
Lear, che ha sognato di
essere sempre accanto a sua figlia e pertanto si trovava rassegnazione
prigione, sembra che essi si strangolare nei propri occhi e morire di
dolore. Il Duca d'Albania, che non aveva approvato il modo come suo padre Gonerilla, succede nel Regno. Edward,
che, senza essere riconosciuto, era diventato vist-occhio del padre
cieco e parla a lui rimosso dalla mente l'idea del suicidio, viene
ripristinato il titolo e la lode.
Il dramma, uno dei più
potenti di Shakespeare, parte dello schema quasi astratto di una fiaba
allegorica nelle profondità più recenti delle azioni umane e dei
sentimenti. Nella prima scena della divisione del Regno, i personaggi sembrano quelli di una medievale "moralità"; non meno lineare e semplicistica può sembrare il modo che Edward è tradito da suo fratello. Ma
che cosa può sembrare come paradigma sulla premessa utilizzata in
sviluppo correndo disperatamente la bontà del problema mondiale, perché
anche se i malvagi non riescono alla fine del dramma, la bontà è caduto
prima vittima dei suoi intrighi, affinché la morale unica che può essere
rimosso (se si può trovare qualsiasi) è forse contenuta nelle parole di
Edward al padre cieco e disperato : "Gli uomini devono avere pazienza per uscire da questo mondo, in modo da entrare: tutto è di essere maturo".
Immagine di questo triste
mondo è la tempesta che troneggia al centro del dramma, trascinando a
Lear, che, con i loro errori e passioni, assume un significato
simbolico: è l'intera umanità che, per bocca del re folle, sono
disperati in mezzo alla tempesta, mentre la sua follia crescente a causa
della crudeltà degli uomini e degli elementi è più tragica in contrasto
con l'abbigliamento grottesco che accetta la verità nelle parole del
giullare e con la follia simulata di Edgard che finge di essere ossessionato. Come noto Schlegel: "Nello stesso modo che nel Macbeth Shakespeare ha terrore verso l'alto, sembra che in Re Lear esaurito le fonti della pietà".
Panoramica e Riepilogo: Macbeth
Questa tragedia in cinque
atti, in versi e in prosa, di William Shakespeare è stato scritta
probabilmente tra il 1605 ed il 1606, prima eseguita nel 1606 e stampata
nell'edizione del 1623 infolio. Il testo è insoddisfacente dalla prova di ritocco che sembra presentare; probabilmente ci sono tagli e interpolazioni. L'origine del lavoro è la cronaca di Holinshed, che per gli eventi in Scozia si basa sulla versione inglese fatta da John Bellenden di Héctor Bocce Scotorum Historiae (1527).
Macbeth e Banco (Banquo) Generale Duncan, re di Scozia. Di
ritorno da una vittoriosa campagna contro i ribelli, sono in una
pianura tre streghe che profetizzano che Macbeth sarà "thane" (titolo
nobiliare scozzese simile al "Barone", che indica ai compagni del re) di
Cawdor e poi re e che banca generare re, anche se esso non intende
esserlo. Subito dopo arriva la notizia che Macbeth è stato nominato Barone Cawdor.
Tentati dal parziale
adempimento della profezia e da lady Macbeth, che eccita l'ambizione,
"il latte dell'umana bontà", Macbeth uccide Duncan, alloggiato nel suo
castello, essiccamento durante il sonno, ma poi è preda ai rimorsi. Figli di Duncan, Malcolm e Donalbain, fuggire, e Macbeth grippa la corona. Ma
c'è ancora un ostacolo di Macbeth: le streghe avevano profetizzato che
il Regno sarebbe andato alla dinastia di banca, quindi Macbeth decide di
sbarazzarsi di lui e suo figlio Fleanzio, ma riesce a fuggire.
Orson Welles nel suo impressionante
versione di Macbeth (1948)
Ossessionato dallo spettro
della banca, che gli appare durante un banchetto, Macbeth consulting le
streghe che vi dicono che si salva da Macduff, Barone di Fife; Nessuno Nato da donna può fare del male a Macbeth; e che sarà superata solo quando la foresta di Brinam va a Dusinane.
Sapendo che Macduff ha
aderito con Malcolm, che sta reclutando un esercito in Inghilterra,
Macbeth omicidio signora Macduff e i suoi figli. Lady
Macbeth, che aveva lasciato cadere il pugnale mano cercando di, prima
di suo marito, uccidere Duncan e vedere in esso per un momento il
proprio padre, perde la ragione e tenta invano di scomparire dalle loro
mani la visione del sangue; Infine muore.
Macduff e Malcolm esercito
attacca il Castello di Macbeth: passando attraverso la foresta di Birnam
ogni soldato tagliata un ramo e dietro questa cortina di fogliame si
muovono contro Dusinane. Macduff, prelevati dal grembo materno prima del tempo, dà la morte di Macbeth. La profezia si è adempiuta e Malcolm sale al trono.
Il dramma è in parte un atto di omaggio a Jacobo I (numerazione dei re scozzesi in atto IV, Scena 1 e altri dettagli). Le tragedie di Shakespeare, Macbeth è, senza dubbio, il più vigoroso. A. W. Schlegel ha detto, così dopo l' Orestea di Eschilo, "poesia tragica non aveva prodotto niente di più grandioso e più terribile".
Un'atmosfera arrabbiata
governa il dramma da primi versetti per il compimento della profezia:
l'incantesimo infernale che rivela il guerriero vittorioso e ambizioso
attraverso la profezia delle streghe e aspirazioni non confessate,
chiudere sulla rete inevitabile. Il guerriero
soccombe alla tentazione, ma ancora è lacerato e conserva tracce della
sua nobiltà presto in mezzo a tutti gli eccessi che viene trascinata.
Pesa sui personaggi di questo dramma lo stesso clima di sventura che pesava sulla casa dei figli di Atreo; l'azione
si svolge forse in diversi anni, ma ogni considerazione di tempo
scomparirà prima dello spettacolo, il cui ritmo è misurato sull'orrore e
il dolore. Un senso di mistero e addirittura
irrazionalità (era veramente necessario il crimine di Macbeth?; non è un
salto nel vuoto precipitato da una suggestione fatale?) emana da questo
dramma; domina nella notte, con frequenti
invocazioni per l'oscurità e l'evocazione delle creature furtive e
predatori goffa delle tenebre; soffoca atmosfera di paura e dubbio; per questo motivo la parola "terrore" ("fear") appare spesso accanto a immagini di violenza e di sangue. La
vita stessa è visto come "un racconto narrato da un idiota, piena di
strepito e di Furore, che non significa nulla", in un famoso e spesso
citato versi (esc. 5, 26).
Panoramica e Riepilogo: Antonio e Cleopatra
Questa tragedia in cinque
atti in versi e in prosa di William Shakespeare è stato probabilmente
scritto intorno 1606-1607, sicuramente ha debuttato nel 1607 e
pubblicato nel 1623 infolio. Fonte è, senza dubbio, la vita di Marco Antonio delle vite parallele di Plutarco, nella versione del Nord. Shakespeare anche utilizzato la storia romana della via Appia e potrebbe consultare altre opere inglese su questo argomento.
Il dramma dispone di Antonio ad Alessandria, schiavo della bellezza matura di Cleopatra. Rivendicato
dalla morte di sua moglie Fulvia e gli eventi politici, Antonio torna a
Roma, dove mette fine all'antagonismo tra lui e Octavio Cesar con il
suo matrimonio con la sorella di Cesare, Octavia, evento che provoca la
gelosia di Cleopatra.
Ma questo matrimonio non dura: Antonio lascia a Octavia e torna in Egitto, dove la catena di voluttà ritorna lo legano. Frequenta
la sua spirituale, interrotta solo nel tardo pomeriggio decomposizione
da impulsi generosi che ricordano il guerriero del passato, come quando
con la vostra generosità confonde peccato Enorbarbo, aveva abbandonato
lui e che ora si uccide a disprezzare se stesso.
Dopo la battaglia di Azio,
Anthony è perseguito da Cesare ad Alessandria e lì, dopo un successo di
breve durato, subito la sconfitta finale. Dopo la
falsa notizia della morte di Cleopatra, primo Eros chiede suo scagnozzo
di ucciderlo, ma Eros non accetta e viene ucciso invece di
attraversamento per Antonio. Antonio, seguendo il suo esempio, è sceso sulla spada. Adottate per il Mausoleo dove hanno trovato rifugio Cleopatra, scade fra le sue braccia. Cleopatra,
per evitare l'imbarazzo di comparire nel trionfo di Cesare, ha deciso
di troncare la sua vita con il morso di una pagina ASP; CARMIANA e le altre fanciulle vengono uccisi con lei.
Antonio e Cleopatra è la
tragedia dell'uomo di azione cui volontà langue e sfuma nelle spirali
di una lussuria che percepito indegno ma irresistibile. E mai una tragedia simile è stata realizzata con inchiostri così sontuosi e incantevoli. Gran
parte del fascino deriva dal personaggio di Cleopatra, rappresentata
dal poeta nel tutto della loro mobilità e sfaccettature della seducente;
veramente moderno e in grado di stampare un
ritmo che vivo, veloce, capriccioso, di alcuni dialoghi, sapore fresco,
rispetto ai brandelli pedanti delle regine del Teatro di Corte del XVI
secolo.
Ma l'atmosfera di lusso
barocco e la gioia di colori iridescenti e immagini esuberante,
rilasciati da tutto il dramma, lo rende piuttosto a parte nella
produzione shakespeariana. Sull'altra mano, la
velocità e la stranezza delle morti, la veemenza di alcune immagini
crudeli (come, ad esempio, quando Cleopatra è già mostrato al popolo
romano Warbled e grida: "ottenere prima nuda nel fango del Nilo e
lasciate che quel fiume che copre me verme mosche mi fanno qualcosa di
impuro"), l'insistenza sul tema del serpente (Antonio racconta di
Cleopatra (, accarezzarlo: "Dov'è il mio serpente
del Nilo vecchio?" e Cleopatra, simile a un serpente nella sua
adulazione e l'inganno, viene ucciso con una pagina ASP) dare il dramma
un gusto della perdizione affascinante e perversa che sembra già quasi
romantico.
In tutto l'Oriente
ingioiellato e sinistre che attirerà un Gautier e un Flaubert è già
piuttosto che evocato nell'opera di Shakespeare. Ma non solo l'atmosfera di voluttà sontuoso e letale di Antonio e Cleopatra è stato raccolto dai romantici; in
alcune scene di interrogatori e misteriosi risentimenti (IV, 3) è ora
un modello dell'atmosfera di ansia evocata in tanti drammi di Maurice
Maeterlinck.
Panoramica e Riepilogo: la tempesta
Scritto nel 1611 e ha debuttato
nello stesso anno, questo dramma in cinque atti, in versi e in prosa, di
William Shakespeare è stato pubblicato in Folio del 1623, che precede
tutte le altre parti.
L'origine di questo lavoro di interesse la commedia dell'arte italiana; alcuni intrighi simili al tuo sono state descritte da diversi studiosi. Questi elementi italiani Shakespeare combinati dettagli del naufragio in Bermuda di sir George Somers (25 luglio 1609). Altri considerati come una fonte probabile della tragedia il romanzo la grande conquista d'oltremare.
In questo dramma, scritto alla fine della sua carriera e il sogno di una notte di mezza estate,
scritto all'inizio, Shakespeare utilizza il soprannaturale, ricorrendo
al meraviglioso mondo di elfi e fate, fondendo mirabilmente le loro
azioni con avventura umana, con quello che guadagnano nella grazia e
nella profondità.
Prospero, duca di Milano,
fu spogliato del potere di suo fratello Antonio, messo in una barca e
consegnato in balia delle onde con la sua figlia Miranda. Prosperous atterrato su un'isola deserta che era stato bandito la strega Sycorax. Grazie
alle loro arti magiche, Prospero liberato diversi spiriti intrappolati
dal mago, tra cui Ariel e li ha presentato ai suoi ordini. È
ora al vostro servizio per il figlio della maga, Caliban, un mostruoso,
abietto e ingenua creatura che è l'unico abitante dell'isola.
Prospero e Miranda hanno vissuto in questo modo per 12 anni. Una
nave in cui viaggiare l'usurpatore Antonio e il suo alleato il re di
Nápoles Alonso Fernando, figlio di quest'ultimo, naufragio sulle coste
dell'isola attraverso il fascino di Prospero. A
questo punto inizia il dramma: Shakespeare ha condensato nella Mostra
del dramma, nella seconda scena del primo atto, sullo sfondo, che
occupano tre atti nel racconto d'inverno.
I passeggeri saranno Salva, ma credo che Fernando ha annegato, mentre Fernando pensa che gli altri hanno annegato. Ferdinando e Miranda sono, si innamorano, non appena sono e sono promesso. Ariel, per ordine di Prospero, prepara paio di spaventi per Antonio e Alonso. Antonio è schiacciato da terrore e Alonso si pente della sua crudeltà, riconcilia con Prospero e recupera il figlio Fernando.
La nave viene salvata dalla
forza di incantesimi, e Prospero e altri si stanno preparando a
lasciare l'isola dopo che Prospero ha rinunciato alla magia per
liberarsi della sua bacchetta magica. L'isola è detenuta da Caliban; le molte scene in cui si pone con Esteban, uno steward di borrachín e con il buffone Trinculo, mantenere il sigillo della commedia dell' arte, che costituisce la sua fonte principale; Ha anche un pizzico di commedia
comico contrasto tra la perfidia dell'usurpatore che ha perso il ducato
a prosperare e la trama di Calibano, che promette di Esteban e Trinculo
il dominio sull'isola se uccidono suo padrone odiato. D'altra
parte, l'impressione cupo che potrebbe produrre il perfido gruppo di
naufrago è mitigata dal loquace candore del buon vecchio counselor
Gonzalo.
Anche se scene comiche abbondano in questo dramma, anche se non fino al punto che esistono nel Doctor Faustus
di Marlowe, il generale impressione, come che produce il dramma di
Marlowe, esso non è affatto è determinato dall'elemento di farsa. L'atmosfera di The Tempest come è purificata da un uragano. Il suo background è il lato solitario di un'isola in mezzo al mare; una pacifica, armoniosa, la luce è diffusa ovunque; l'aria, impregnata di luce e dolcezza, risuona con voci soprannaturali. La
grazia del cielo con il suo spray ha toccato le coste dell'isola del
mondo, e questa influenza celeste morbida sembra si sta svolgendo
davanti ai nostri occhi nel breve spazio di poche ore (tra i drammi di
Shakespeare, La tempesta è l'unico che si conforma alle famose unità di luogo, tempo e azione).
Anche se si può dire quasi con certezza che Shakespeare ha fatto non leggere il Purgatorio, il clima di questo dramma ricorda molto sulla sponda dell'isola immaginato da Dante. "tremolar della marina", la purificante freschezza della rugiada o le voci degli spiriti si trovano in entrambi poesie. Uomini naufragati sulla sponda magica e sbarcano in terra straniera di pentirsi e di espiare. E prospero appare come un Santo anziano, non diversamente da Cato sulle rive del Purgatorio. Visione di Shakespeare ultimi rivelano affinità con la visione di Dante e anche con il sacro mistero del Le Eumenidi di Eschilo. In ciascuno dei tre grandi poeti giustizia viene ripristinato attraverso un rito di espiazione; il tono delle sue poesie più importanti è lo stesso, formata di tenerezza e di gravità allo stesso tempo, un tono di perdono. Hanno
raggiunto una visione del mondo che si esprime in termini di ordine e
armonia, musica di Ariel, inni cantati dalle anime che si purificano al
suono della lira di Apollo, tutto si calma.
Dopo Amleto, La tempesta è il dramma shakespeariano che ha dato più ampio carburante ipotesi e interpretazioni. In
certi momenti, le poesie di Ariel e le parole di Prospero, il poeta
stesso, per bocca dei suoi personaggi, prende di mira il mondo ed
esprime il suo concetto di vita, così la tempesta è il
più personale dei suoi drammi e a volte sembra riflettere il pensiero
più profondo del drammaturgo: "Siamo della stessa sostanza di cui sono
fatti i sogni ", e la nostra breve vita è circondata da un sogno" (IV, SC. 1).
L'aspetto soprannaturale della tempesta è stato in parte utilizzato da Alexander Pope (1688-1744) in rubato ricciolo, dove Ariel è il capo delle silfidi che ha il compito di servire il Signore; il personaggio di Calibano Robert Browning ispirato suo poema Caliban su Setebos , in che è espresso da un pensiero selvaggio circa la creazione del mondo e il divino.
Panoramica e Riepilogo: Venere e Adone
Questa poesia in strofe di
sei versi di William Shakespeare è stata pubblicata nel 1593 e dedicata
dal poeta Henry Wriothesley, conte di Southampton, come "la progenie
prima del mio ingegno": tutto ciò permette, pertanto, si supponga che è
il primo libro pubblicato da Shakespeare. Venus, in amore con il giovane Adone, ritratta viene restituito al gioco e cerca di sedurlo, senza successo; Egli chiede che sono il giorno successivo, ma Adonis vuole andare a caccia di cinghiali. Invano la dea tenta di dissuaderlo. Arrivo mattina, Venus sente abbaiare i cani di Adone, e piena di terrore, va in cerca l'amato, viene ucciso dalla bestia.
Il lavoro ha un'aria di famiglia con il contemporaneo Hero e Leander di Marlowe (1564-1593) e Scillaes metamorfosi del Lodge (fare 1558? - 1625), che può aver suggerito misuratore di Shakespeare (strofa di sei poesie con rima ababcc). È in tutto e tutto infuso con il gusto del tempo. La sua serie di dadi voluttuoso postovidianos si stava dirigendo ad un pubblico ben definito di cortigiani "italianizzato". Un molto meticoloso e aria alejandrinismo conceptualist emerge da questo lavoro di Adone
di Marino (1569-1625): entrambi utilizzano le stesse ragioni, come il
cinghiale che non intendo far del male a lato di Adone, ma solo
baciarlo, motivo che ricorre nel poema pseudoteocriteo molto piccola circa l'Adonis morto.
Panoramica e Riepilogo: lo stupro di Lucrezia
Questa poesia di William Shakespeare è stata pubblicata nel 1594 e dedicato a Henry Wriothesley, conte di Southampton. La
poesia racconta un motivo della tradizione: violentata da Sesto
Tarquino, Lucrecia chiede a suo padre e suo marito Colatino che
vendicarlo e si suicida. Il poema, in strofe di
sette versi, termina nel momento in cui lordo e Colatino sono disposti a
trasportare il cadavere di Lucretia attraverso Roma, per incoraggiare i
Romani ad espellere Tarquino. Mentre in Venere e Adone una giovane casto è stato sedotto da un esperto, qui una casta moglie sia stata violentata da un libertino.
Il lavoro è finalizzato
alla stessa cortigiano pubblico per i quali altri paesi il Veronese e
Tiziano avevano dipinto belle e languide donne nude nel sogno e
amorevole invito. Domina la piazza licenziosa:
attraverso gli occhi di Tarquino, che solleva le cortine del letto, Vedi
dorme Lucretia, visione di bianco alabastro appena ombreggiato da vene
blu. Caratteri eseguire, prego e imprecan, ma tra
la scintillazione della retorica non viene raggiunto per notare che era
un grande genio tragico.
Panoramica e Riepilogo: Enrico VI
Questo dramma storico in
tre parti di cinque atti in versi con frammenti in prosa, è stato
scritto da Shakespeare nel periodo 1590-92. La seconda parte è apparso in forma anonima nel 1594, prendendo come un titolo lotta tra le due famose case di York e Lancaster. La terza parte è comparso nel 1595 ed era intitolato la vera tragedia di Ricardo Duca di York e la morte del buon re Enrique VI. Le tre parti sono state pubblicate nel 1623 nel first Folio delle opere di Shakespeare; in questa edizione, la seconda e terza parte presentano alterazioni parziali nel testo.
Il drama è basato sulle cronache di Holinshed (1577), ma anche Halle, Fabyan, Grafton e Stowe potrebbe sono stati consultati. La
prima parte è le guerre di Francia nei primi anni di Enrique VI, della
liberazione di Orléans da parte dei francesi e l'espulsione di quasi
tutti gli inglesi di Francia. I francesi sono
guidati da Juana de Arco, rappresentato come le truppe inglesi potevano
vederlo: un cartone animato violento, metà-strega e metà-puttana. L'eroe inglese che gli si oppone è Talbot, che, fino alla sua morte vicino a Bordeaux, lascia in ombra gli altri capitani.
Gli eventi che si svolgono in Inghilterra sono le differenze tra i nobili e l'inizio della lotta tra York e Lancaster. La
seconda parte mette nel matrimonio importante scena di Henry con
Margarita de Anjou, intrighi della fazione York e altri episodi storici,
tra cui la ribellione di Jack Cade, la battaglia di St Albans (1455) e
la morte di Somerset. La terza parte comprende
dalle dimissioni di Henry per la successione al trono a favore del duca
di York e la ribellione della regina Margaret per l'essere diseredato
suo figlio fino alla battaglia di Tewkesbury nel 1471. Enrico VI viene ucciso da Richard, duca di Gloucester, il futuro Ricardo III, cui il carattere è già descritta qui.
Lavoro della gioventù, Enrico VI
difficilmente si differenzia, per il suo stile, i drammi contemporanei,
così ha offerto gioco facile per la divisione di Shakespeare, che ha
voluto scoprire la mano di Marlowe, Kyd, Peele, Geene, Lodge o Nashe
oltre a Shakespeare, che sarebbe solo il revisore di un lavoro
esistente. Non escludendo questa possibilità,
deve essere tenuto a mente, tuttavia, che uno stile di principiante è
sempre eco di azioni e altre frasi. Molte delle procedure retoriche che sono così caratteristiche del Riccardo III sono anche qui, ma su una scala più piccola, in mezzo a vaste aree prive di decorazioni.
I personaggi, che sono
molti, già mostra segni di caratterizzazione robusta e alcune scene sono
ad alta efficienza, come quello in cui il re visita il cardinale che,
alla fine della sua vita, è ossessionato dai rimpianti, breve scena che
Schlegel giudicati sublimi. Nell'episodio della ribellione Cade la miscela di terrore e ridicolo offrendo lawless ubriachezza della folla è ben dipinta.
Panoramica e Riepilogo: molto rumore per nulla
Spesso tradotto come Molto rumore per nulla,
questa commedia in cinque atti, in versi e in prosa, di William
Shakespeare è stato scritto nella forma in cui lo teniamo nel 1598, ma
probabilmente aveva una prima bozza nella gioventù dell'autore. È stato stampato nel 1600 e nel 1623.
Il motivo centrale
drammatico, dell'amante condotto all'inganno per mezzo di una persona
che adotta la somiglianza della sua amata (vecchio motivo che è già
nelle avventure di Quereas e Calliroedi Caritone di Afrodisia), tratto da Shakespeare dai romanzi di Matteo Bandello (novella XXII), nella versione di François de Belleforest (Histoires Tragiques, III 1569) e l' Orlando Furioso di Ludovico Ariosto (storia di Ginevra e Ariodante). Discussioni taglienti di Benedetto e Beatriz sembrano ispirate in Gaspare Pallavicino ed Emilia Pia nel Cortegiano di Baldassare Castiglione, tradotta da sir Thomas Hoby nel 1561.
Il principe d'Aragona, don
Pedro, cui Entourage include Claudio e Benedetto, viene a visitare
Leonato, governatore di Messina, padre dell'eroe e zio di Beatrice. Claudio si innamora di eroe e viene concordato il suo matrimonio. Il Beatriz allegro e acuta e Benedetto, scapolo impenitente e spiritoso, è encarnizan in attacco con la sua presa in giro; amici
decidono di fare che cadono in amore e renderli così Benedetto sorpreso
una conversazione in cui il principe e Claudio parlare di un presunto
amore segreto di Beatriz per lui e Beatriz sorprese una fiducia simile
amore che Benedetto sembra alimentarlo in segreto.
Kenneth Branagh ed Emma Thompson (Beatriz)
(Benedetto) nella versione cinematografica
diretto dalla propria Branagh (1993)
Immaginate gli amici ad per essere artefici della sconfitta degli avversari del matrimonio; ma molestare è già a che era il germe di un'inclinazione segreta. Don Juan, fratello bastardo Principe e recentemente riconciliato con lui, è un superbo e perverso; invidioso
del favore che Claudio hotel è vicino a suo fratello, immaginare un
inganno per distruggere quel matrimonio: Borrachio, suo servo, sarà
presentato durante la notte sotto la finestra dell'eroe e la finestra si
libra, vestita nei panni dell'eroe, Margaret, la cameriera di eroe
della società, che è innamorata di Borrachio; il principe e Claudio partecipare al colloquio da lontano.
Questo è il caso con la
complicità involontaria di Margarita, che, medicazione in eroe, pensa di
cedere a un innocente travestimento. Claudio e
il Principe sono profondamente impressionato, e il giorno delle nozze
rivelare il comportamento del giovane uomo nella Chiesa. Eroe sviene. Consiglio
di fray Francisco, che è certo dell'innocenza dell'eroe, Leonato
spargere la voce che la giovane donna è morta e Benedetto, stimolato da
Beatriz, sfida a Claudio per aver calunniato un eroe.
Nel frattempo, Borrachio,
ubriaco, confessa l'inganno ad un compagno ed è sentito dalle guardie
della notte rotonda, comandata dal grotteschi due ufficiali di polizia,
Dogberry e Verges, dando vita ad alcune scenette con le loro sciocchezze
e sua incompetenza infantile. Borrachio viene arrestato e rivela l'inganno Principe e Claudio che sono state vittime.
Claudio offre ripristino Leonato e consigliato lui per sposare un cugino dell'eroe invece i presunti morti. Al momento del matrimonio, la moglie scopre di essere l'eroe di persona. Benedetto e Beatriz è anche sposato, e la sua acuità petulante non li abbandona anche davanti all'altare. Don Juan, che era fuggito da Messina, è arrestato e sarà punito.
Anche se il tema principale
del lavoro è visibilmente un eroe-Claudio intreccio, con la scena
melodrammatica della Chiesa e l'effetto finale dei morti finto che
genera (ripetuto, unitamente ad altre caratteristiche di questa
commedia, nel racconto d'inverno), questo non costituisce la parte viva del lavoro. Tale
aspetto della trama è un po ' indebolito dalla circostanza che le
passioni suscitate devono armonizzare con il clima di una commedia; così,
ad esempio, la scena del colloquio fatto finta, immaginato per
disonorare eroe, viene definito solo brevemente, il sinistro personaggio
di don Juan è appena rilevato e Claudio, anziché essere spostato con
una disperazione che ricorda il Troilo in una situazione del genere
(movimento a meno che non vedono amore del Simposio della donna amata
che lo rende il tradimento) È meccanico e inumani nel relativo cambiamento del carattere per la trama lo richiede.
Le scene di vita veramente sono quelli sviluppati tra Benedetto e Beatriz, coppia molto simile di Biron-Rosalina in opere di amore perduto. Mentre sue frasi umoristiche non sono tipiche del gusto moderno, il suo brio ci conquista; non
sono tutti i personaggi comici, come la devozione di Beatriz da eroe e
la sua indignazione e la diligenza con la quale si impegna a servirlo
sfidando Claudius, Benedetto presta quella porzione di serietà che è
sufficiente per rappresentarli come esseri umani completi. Sono anche molto divertenti scene, cui carattere è netto farsa, in cui sono collocate in ridicolo gli agenti di polizia; una
frase di Dogberry, che lamenta il fatto che l'addetto alla reception
non ha messo nella sua relazione che uno dei detenuti ha chiamato ass, è
diventata proverbiale: "hoi, se fosse qui a scrivere che io sono un
asino!".
Panoramica e Riepilogo: Come Ti Piace
Questa commedia in cinque
atti in versi e in prosa di William Shakespeare è stato probabilmente
scritta nel 1599 e pubblicata in infolio del 1623. La fonte è il romanzo Rosalinda o l'eredità d'oro di Eufue (1590), Thomas Lodge (fare 1558? - 1625), che a sua volta deriva in parte dal Racconto di Gamelyn, attribuita a Geoffrey Chaucer (1340/45-1400).
Frederick ha usurpato il
dominio di suo fratello il duca, che, con i suoi figli, si ritirò nella
foresta delle Ardenne (la quasi omonimia con la foresta di Arden in
Inghilterra ha fatto a Shakespeare, creando l'ambiente, pensato
soprattutto in questo). Celia, figlia di Federico
e Rosalind, figlia del duca bandito, che, per il grande affetto che
unisce a Celia, ha consentito soggiorno nella Corte, partecipare a una
lotta in cui Orlando, figlio di sir Rowland de Boys, sconfiggendo un
campione di wrestling; Dopo il match, Rosalind e Orlando si innamorano.
Orlando, alla morte di suo
padre, fu affidata a suo fratello, Oliver, che lo abbandonò,
costringendolo a vivere tra il più basso e, infine, è stato espulso
dalla sua casa. Frederick, nel momento di
congratularsi con il vincitore della lotta, apprende che egli è il
figlio di un amico il bandito Duke, entra sospetti e Orlando è costretto
a fuggire.
Laurence Olivier, Sophie Stewart ed Elisabeth Bergner
nella versione cinematografica di vostro piacimento (1936)
Anche Rosalind, bandita da Federico, si allontana, e Celia lo accompagna; il primo è travestito da contadino e prende il nome di Ganimede, quest'ultimo finge di essere sua sorella Aliena. Nella
foresta delle Ardenne sono con Orlando, che ha incontrato con gli
esiliati, Duke e le vittorie di fingido Ganimede la fiducia di Orlando. Oliver va nel bosco con l'intenzione di uccidere il fratello Orlando, secondo imposizione di Frederick; ma salvato da una leonessa di intervento diretto di suo fratello, egli sperimenta il rimorso per le loro intenzioni crudeli; Lui si innamora di Aliena e decide di sposarla.
Ganimede, per parte sua,
promette di Orlando a venire (attraverso loro arti magiche) a Rosalind
così prenderla come una moglie. Quando coppie
sono riunite alla presenza del duca bandito per celebrare matrimoni
(sono anche Phoebe e Silvio, tipica coppia pastorale e il villaggio di
Piedradetoque giullare Ruda Audrey), Celia e Rosalind abbandonare le
spoglie. Nel frattempo, arriva la notizia che
Federico, mentre è andato con forze armate per eliminare il duca
esiliato e i suoi scagnozzi, ha trovato un venerabile eremita che ha
indotto lo di pentirsi e di restituire il ducato a suo fratello, ritiro
dal mondo.
La trama è semplice e la
psicologia dei personaggi principali in questa commedia è appena
abbozzata, fatta eccezione per la contemplativa Jacques, che combina
l'astuzia e la malinconia e il giullare Piedradetoque. Più
di caratteri, sono stati d'animo, tutte le sfumature della passione di
amore che può essere il soggetto della commedia, sullo sfondo scuro
della foresta; dramma è come un tappeto verde,
pieno di fiorente foresta scene e figure umane sono subordinati al
grande spirito della foresta. Questa atmosfera del parco è presente in tutti gli episodi e mette in evidenza nei poemi affascinanti contenente l'opera.
Le convenzioni pastorale
del Cinquecento italiano e grazie e trucchi dei colloqui coltivati
acquisiscono freschezza inutilizzato in un ambiente naturale che è molto
sentita dal poeta. Gli uomini hanno lasciato
dietro di loro, in città, l'ambizione, invidia, avidità, tutte le
passioni basse che infettano la vita di Corte, per solo amore. Insieme
nel cerchio magico della foresta, i malvagi (Oliver e Frederick,
ferocemente contro i loro rispettivi fratelli) sono vinte da pentimento e
della bontà. Così, in questo dramma affascinante insinuato un motivo che sarà il tema centrale di The Tempest: la natura sembra cospirare con le forze del bene per domare gli uomini feroci e farli cadere le mani fratricide spade.
Panoramica e Riepilogo: notte dell'Epifania
Con questo titolo e anche la dodicesima notte è stato tradizionalmente tradusse le opere la dodicesima notte o quello che volete (ladodicesima notte, o quello che vuoi). Questa
commedia in cinque atti e in versi e in prosa è stato scritto verso gli
anni 1599-1600, rappresentato forse la notte dell'Epifania del 1600 e
pubblicato nel infolio del 1623.
John Manningham, che ha
visto la commedia rappresentata nella celebrazione annua degli avvocati
nel tempio della Candelaria del 1601, ha paragonato, nel suo quotidiano per un dramma italiano truffe. Si presume che sia il Dupes del mondo accademico in trono (1537), che è la fonte di Bandello, Novelle, II, 36 (tradotto da Belleforest, Histoires tragiques, IV, 59), che a sua volta deriva il racconto "Apollonio e Sila" addio alla professione militare di Barnabe Riche (1581). Shakespeare probabilmente è stato impostato in quest'ultimo per il bene del naufragio. L' ingannato furono tradotte in francese da Charles Estienne intitolata Les Abusés (Lione, 1543). I dupes sono Malevolti e Fabio, nomi che possono essere approssimati rispettivamente al Aguecheek shakespeariani e Fabian. La
ragione per la signora travestita da una pagina, abbastanza usuale,
appare in altre opere che Shakespeare potrebbe avere visto; ad esempio, Parismus di Emanuel Forde (1598), dove il naufragio e i nomi di Olivia e viola.
Due parecidisimos gemelli, Sebastian e Viola, sono separati da un naufragio al largo della costa dell'Illiria. Viola,
trasportato dalla spiaggia in una barca, è usato come una pagina con il
nome di Cesario, insieme a Duke Orsino, in amore con la contessa
Olivia, rifiutando, tuttavia, il loro amore e la vita isolata a causa
del lutto per suo fratello.
Orsino è affidata a
Viola-Cesario e lo invia di intercedere in suo favore vicino a Olivia,
con grande tormento d'altra parte, perché Viola è caduto nell'amore con
Orsino. Olivia, a sua volta, cade nell'amore con Viola-Cesario. Nel
frattempo Sebastian, che durante il naufragio è stato facilitato da una
nave comandata da Antonio, tratta con questo di Illyria.
Accanto il sentimentale e
romantico intrigo si sviluppa un altro satirico, originatasi nel cerchio
del Countess Olivia: la rivalità tra il sindaco Malvolio, Puritan
austera e superba e la società bohemien di sir Toby Belch, zio della
Contessa, borrachín duro e spadaccino; Sir Andrew Aguecheek (il nome può corrispondere, come è stato detto, il Malevolti in dupes), vana, dalle e vile, gentiluomo che aspira alla mano della Contessa; Piccola
Maria, la dama di compagnia, di statura, ma pieno di spirito e giullare
Feste, che prende in giro tutto, anche il lutto della contessa.
Quest'ultimo, per volere di
Maria, per trascorrere uno scherzo a Malvolio inviando una falsa
lettera d'amore della Contessa, Malvolio influiscono su atteggiamenti e
strano rapimento, credendo così si prega di sua padrona; ma si ottiene l'effetto opposto e si chiude come un matto in una camera libera.
Viola-Cesario, sfidato da
sir Andrew istigazione di sir Toby (una sfida che entrambi i contendenti
fanno a gara per essere spaventato), viene salvato dal conflitto da
Antonio, il cambiamento da Sebastian. Antonio,
arrestato per colpa di un rancore si sente per lui che la Duke Orsino,
Viola-Cesario richiede una borsa che ha affidato a Sebastian e accusato
di ingratitudine al suo amico presunto, che naturalmente non sa nulla
della borsa.
Olivia, incontro con
Sebastian, scattato da Cesario, vi invita a casa sua e offre il suo
amore e, con il consenso di Cesario, lo sposa. Orsino va a trovare Olivia; Antonio
è condotto alla sua presenza incatenato e sostiene che il Cesario è il
giovane uomo salvato da lui, mentre Olivia sostiene che lui è suo
marito. Il duca, indignato, allontana il corso ipocrita Cesario e Olivia quando l'arrivo di Sebastian chiarisce il malinteso. Il duca, per realizzare l'amore della Viola, che ha abbandonato l'abito virile, dirige il suo affetto e si sposano.
L'intrigo, il fondo e l'atmosfera allegra e satirica commedia ha molti punti di contatto con vostro piacimento e anche più così con la commedia degli errori. Loro
incidente (naufragio, sorella di fratello e sorella identica e mad
maschile, cosiddetto costume che è racchiuso), è una deliziosa
ricapitolazione di Shakespearean questione comico e contiene alcune
delle scene più brillanti del drammaturgo, come del secondo atto, dove
il fumetto e il mix emozionale con squisito gusto ed equilibrio e, dopo
aver accennato alla tragedia (amore di Olivia da Viola-Cesario) Cade nella farsa completa (insulto a Malvolio).
Degno di nota è soprattutto
la scena tra Viola e Orsino, con la sua atmosfera di timida e ardente
passione che esalta in un sogno impossibile, e che Shakespeare aveva già
delineato in due hidalgos di Verona. Tre
recenti atti, ma non partecipa l'atmosfera scenica del secondo, dal
punto di vista scenico avrà la possibilità delle migliori farse di
Molière.
Tra i personaggi, alcuni
sono a tasso fisso, incoraggiato dal Maestro shakespeariano, come il
duca di Orsino, in amore con amore, languido e servile, il classico
"male" o la contessa Olivia, anche un sentimentale, assumendo
atteggiamenti di sorella inconsolabile e rendimenti per il primo fremito
di simpatia. Sono anche sir Toby, sir Andrew,
giullare di tasso fisso e, in un certo senso, Malvolio, che è piaciuto
così tanto nel XVII secolo che Carlos ho sottolineato nel numero come il
personaggio più importante del dramma; ma la figura del Viola è la grande creazione di quest'opera shakespeariana.
Panoramica e Riepilogo: Richard II
Questo dramma storico in cinque atti in versi, il cui titolo originale è The tragedia del re Richard II, forse è stato scritto intorno 1595-96, pubblicato in in-cuarto nel 1597, 1598, 1608 e nel 1615 e io Folio nel 1623. La fonte principale è Holinshed Chronicle
nella sua seconda edizione (1587), poiché la quarta scena del secondo
atto utilizza un passaggio che non è incluso nell'edizione del 1577. Altre fonti sono la cronaca della Hall, S. Daniel guerre civili e la traduzione in inglese (di Bernera) cronaca del tradimento e morte di re Riccardo II d'Inghilterra, attribuita a Jean Le Beau.
Fino a qualche tempo fa, si è creduto di vedere l'influenza di
Christopher Marlowe (1564-1593), a proposito dell'utilizzo le cronache
in questo dramma. L'Ultima recensione ritiene, d'altra parte, la seconda e la terza parte di Enrico VI di Shakespeare precedere Marlowe Edoardo II (1592); modo
che Shakespeare sarebbe stato il primo ad iniziare questo tipo di
dramma e Marlowe, anche se aveva alcuna influenza su di lui, in questo
caso ha ricevuto la sua influenza, prendendo lui l'idea di drammatizzare
le cronache. È tuttavia vero che il carattere di Ricardo II offre analogie con Eduardo II.
Il dramma è i principali episodi nel governo di Ricardo II. Il
re Ricardo banishes arbitrariamente a Henry, soprannominato
Bolingbroke, figlio di Juan de Gante e Thomas Moebray, duca di Norfolk; Se
in questo caso il re debole è soddisfatto nei loro atteggiamenti e
intossicato nell'esercizio del potere, poco dopo, per motivi di Juan de
Gante, mitiga la frase di Bolingbroke, che vogliono vantarsi del
magnanimo sovrano.
La notizia della malattia di Juan
de Gante rivela un altro aspetto del carattere del Re: Ricardo è
stringendo il cervello per vedere come ottenere più soldi da loro
sudditi, e la morte di John offrirgli una magnifica possibilità di
portare un record di confisca e rimanere con i beni del defunto.
Mentre il re è in Irlanda, Bolingbroke invadere l'Inghilterra con le forze ribelli. Il
re ritorna, demolisce in imprecazioni contro i loro nemici e tracciare
un ideale augusto un ritratto di carattere sovrano, come superare
l'incostanza delle istituzioni umane, essere protetti da cielo incarica i
suoi angeli per combattere per lui; ma si affaccia il vilipendio di esaltazione, secondo il tenore delle notizie che farti. Infine si ritira al Castello di Flint, in posa come una vittima dei traditori.
Il conte di Northumberland,
venendo a colloquio, vi assicura Bolingbroke chiede solo ciò che gli
appartiene, che il re concesse un'intervista, che si avvicina e
sottoposti. Bolingbroke entra trionfalmente in Londra, proclamato re sotto il nome di Enrique IV. Nella scena famosa Deposizione (atto IV, scena l), Ricardo è identificato con Cristo. È
vero che, come notato da Walter Pater, questa scena ha tutta la
solennità del rito della messa, e tutto il dramma è certamente investito
di significato simbolico: l'agonia e la morte di Dio, sacrificata
sull'altare. Confinato nel Castello di Pomfret, Ricardo viene ucciso.
Il dramma,
come pure una recensione di viva di eventi politici, più sottilmente
rispetto altri drammi storici di Shakespeare, è lo studio di un'anima
che sembra già annunciare che di Amleto. Con i
deboli e affascinanti sovrani contrasti il deft, niente di sentimentale
Bolingbroke, che, mentre finge di voler tutelare i diritti di eredità,
si comporta già come un re, mostrando le qualità di saggezza, di
moderazione e di durezza che dovrebbe fare di lui il trono. Questo contrasto efficiente, il dramma ha sempre avuto molto successo ed è degno del creatore di Amleto e Re Lear.
Panoramica e Riepilogo: Enrico V
Questo dramma storico in
cinque atti ed in prosa e in versi di William Shakespeare è stato
rappresentato nel 1599, imperfettamente pubblicato nel 1600 e
correttamente nel Folio del 1623. Si basa sulla cronaca di Holinshed e l'ultima parte del famose vittorie di Enrico Quinto. Durante
il quinto atto (v. 31) è il riferimento solo diretto da Shakespeare ad
eventi contemporanei (spedizione di Essex in Irlanda, marzo 27-28
settembre del 1599).
Enrico V è chiaramente l'eroe preferito di Shakespeare; È
decorato con virtù reale e cavalleresca, vi mostra onesto, coraggioso,
cortese e, nel mezzo di gesta eroiche, sempre incline a alcuna malizia
innocente che ricorda la sua giovinezza del Principe di Galles, compagno
di Falstaff. L'evento solo notevole nella vita di questo re fu l'invasione della Francia; ma la guerra, come appena notato Schlegel, piuttosto è questione di quel dramma epico.
Sei stato tu, perché
Shakespeare piuttosto che diventare un evento drammatico, mostrando la
battuta d'arresto morale della scena. Mettere in
contrasto la leggerezza impaziente di generali francesi, già vincitori
si consideravano prima della battaglia di Agincourt (1415), con
l'atteggiamento fermo del re inglese e il suo esercito, ridotto a una
fine disperata, prendono la risoluzione di morire con onore.
Il carattere di entrambe le
nazioni in contrasto con manifesto parzialità, Shakespeare ottiene un
effetto drammatico destinato a entusiasmare il pubblico inglese, mentre
gli episodi comici anche cospirato verso l'obiettivo patriottico,
mostrando sotto le bandiere di Enrique un ardente irlandese, un lento
scozzesi e una gallese pedante ma pieno di onore, ognuno dei quali parla
deformare gli inglesi con le loro rispettive caratteristiche
dialettali. E per eccitare l'immaginazione degli
spettatori sono liriche prologhi (chiamati "cori") per ogni atto che
descrive in modo specifico l'aspetto di entrambi i campi prima della
battaglia.
Il guerriero episodio si
concentra tutto l'interesse del dramma, essendo gli altri episodi sua
preparazione (Trionfo oltre gli ostacoli che si distinguono nella
carriera di Enrique V; detenzione di lord Scroop, sir Thomas Grey e il
conte di Cambridge di tradimento) e le conseguenze (Henry, per
consolidare le sue conquiste in Francia, decide di sposare una
principessa francese e Woo Caterina di Francia (,
episodio che si tinge in ironia, dato che il frutto del matrimonio era
il debole VI Enrique, sotto il quale gli affari pubblici sono stati di
male in peggio).
Tra gli episodi comici
dobbiamo ricordare che quello sbruffone pistola richiede l'irascibile
Fluellen Welshman mangiare porri (emblema gallese), che avrebbero fatto
beffa (di lì la frase proverbiale "per mangiare la perdita", ricevendo
un insulto). La morte di Falstaff è narrata dalla signora rapidamente. Enrico V è un dramma unico nella carriera di Shakespeare. Nazionali più epica di dramma, splendore retorico è la sua caratteristica principale.
Panoramica e Riepilogo: le allegre comari di Windsor
Questa commedia in cinque
atti in prosa, con alcune parti in versi, di William Shakespeare, è
stato scritto probabilmente al 1598, pubblicato nelle edizioni "in
quarto" nel 1602, 1619 e 1630 e nell'edizione "Folio", nel 1623. Il testo di 1602 è incompleto.
Secondo una tradizione,
l'opera fu scritta in quindici giorni su richiesta della Regina
Elizabeth, che hanno voluto vedere sul palco per Falstaff in amore. Tuttavia,
non sembra essere una mera improvvisazione, da Shakespeare ha usato una
commedia già esistenti nel repertorio della sua società. È la commedia il geloso, rappresentato nel 1593 e basato su una narrazione italiana (il secondo dal primo libro di Il Pecorone),
dove il motivo per l'amante nascosto in un pezzo di mobili, comune nel
romanzo italiano, assume la forma di uomo "nascosto sotto una pila di
panni sporchi".
In molti dei suoi personaggi hanno voluto vedere caricature di persone realmente esistenti. Così,
i ritratti di giudice superficiale e stupido Abramo snello nipote
potrebbe avere dal modello a Sir Thomas Luey de Charlecote, vicino a
Stratford, che, si crede, avrebbe perseguito a Shakespeare quando era
giovane da sono cacciate furtivamente sulle loro terre, la cui
veridicità è discutibile.
La commedia è il link per
due motivi: il Falstaff che corteggia due ricchi borghesi di Windsor che
deridere lui e Anne Page, che i genitori vogliono sposarsi. Falstaff,
mancando di denaro, decide di corteggiare le donne di Ford e Page,
borghesi di Windsor, dal momento che governano il flusso dei loro
mariti.
Falstaff invia lettere galanti identiche a due mogli, che decidono di vendicarsi su di lui. Da altra mano, Nym e pistola, i complici di Falstaff, despechados perché è stato rimosso, si prega di avvisare sui mariti. Pagina non è in movimento, e Ford è felice con la possibilità di catturare "in flagrante" sua moglie.
Falstaff è visitato da Lady rapidamente, servo del Dottore Cajus, responsabile per il ruolo del Partito parete di due signore; Questo assicura Falstaff che entrambe le donne non vogliono, ma per favore. Poi
riceve una visita da Ford travestito con i vestiti del ruscello, che
finge di essere pazzo amore di Mrs. Ford e Falstaff promette una
splendida ricompensa se ti aiuta a conquistarla. Falstaff rivela che ha un appuntamento con la signora Ford e promesse poi assegnare il sito al ruscello. Durante
la citazione finta Ford è presentato con una folla di amici a
testimonianza l'adulterio e Falstaff a nasconderlo rapidamente e in
esecuzione in un grande cestino di vestiti sporchi e quindi viene
generata con tutti i vestiti nel limo del fiume.
In un secondo appuntamento Falstaff è vestita come una donna grassa e come tale fortemente battuto da Ford. Anche
il marito geloso è preso in giro due volte, ma finalmente scoperto il
complotto e dare un ultimo Falstaff citato nella foresta di Windsor,
dove sostiene assalto che lui e pizzico in bundle e Pixies e finalmente
che lui è smascherato da Ford e pagina.
La trama secondaria
rappresenta il corteggiamento di Anne, figlia di pagina, da tre
pretendenti, il dottore Caporaso, medico francese; Slender
(un nome che potrebbe essere tradotto con "Emaciato" o "Enclenque"),
nipote di bobo del giudice Shallow (il cui equivalente sarebbe "Light");
e Fenton, un giovane stravagante, amato da Anne. Madonna
rapidamente (come si suol dire la signora "rapidamente e funzionante"),
mediatore di marca tra i tre e li incoraggia allo stesso modo. Sir
Hugh Evans, il prete gallese, si pronuncia a favore di Slender ed è
sfidato da Caius, ma le ostilità sono ridotti che maltrattare la lingua
inglese un gallese e francese.
L'ultimo appuntamento dato a
Falstaff nella foresta, pagina, favorendo Slender, ha questo rapire sua
figlia, che indosserà bianco, mentre la pagina di Lady, che protegge il
dottore, ha sua figlia in vista del verde, e di essere rapita dalla. Ma
quando arriva il momento i due pretendenti sono mani una dissimulata
come un ragazzo, mentre la vera Anne è fuggito con Fenton, con cui egli
sposerà.
Alcuni hanno voluto vedere
in questa commedia una sorta di "fabliau" messo in scena con tutte le
caratteristiche di quel genere un po' Shyamalan: ritratti realistici,
modi goffi, mancanza di rispetto per il matrimonio, piacere Borghese a
maltrattare un patrizio di donnaiolo... Forse
perché questi elementi più continentali che inglese e soprattutto con il
fondamento di tema sensuale e la caricatura del cornuto, questa
commedia ha fatto non molto difficile situazione tra i critici inglesi
del XIX secolo; Mentre nelle nostre scene, sviluppando temi brillante del romanzo italiano, è divertente e facile manutenzione. Abile gioco, soffre tuttavia la sua composizione frettolosa, spesso compensata con una brillantezza straordinaria.
Panoramica e Riepilogo: Coriolano
Questa tragedia in cinque
atti in versi e in prosa di William Shakespeare è stato scritto al
1607-1608, probabilmente rappresentato all'inizio del 1608 e stampato
nel 1623 infolio. La fonte è la vita di Coriolano nelle vite parallele di Plutarco, Shakespeare leggere la traduzione di Thomas North (1579), effettuata il francese di Jacques Amyot.
Cayo Marcio, superba
generale romano, dovuto le meraviglie di coraggio nella guerra contro i
volsci e la presa della città di Corioli, riceve il soprannome di
Coriolano. Al suo ritorno a Roma, il Senato
intende essere nominato console, ma atteggiamento altezzoso e sprezzante
verso la popolazione lo rende impopolare e, nonostante gli sforzi di
Menenius Agrippa, i tribuni ottengono suo esilio.
Suo nemico convinto; casa di Tulo Aufidio, generale dei volsci, indirizzi È calorosamente ricevuto e messo a capo dei volsci per vendicarsi di Romani. Coriolano
raggiunge le mura della città e i Romani, per salvarlo dalla
distruzione, inviato al suo collega vecchi amici arrabbiati, che
istigano tu sia d'accordo, ma invano. Infine la madre di Coriolano, Volumnia, sua moglie Virgilia e suo figlio andando a pregarlo di salvare la città. Cede alla sue suppliche, conclude un trattato favorevole ai volsci e ritorna con loro la città di Anzio. Lì
il generale dei volsci lo accusa di aver tradito gli interessi del
popolo e, con l'aiuto di cospiratori, fa uccidere nella pubblica piazza.
Shakespeare ha seguito
molto fedelmente le fonti, nell'argomento, nello stile (le somiglianze e
le espressioni del testo del Nord sono in versi shakespeariani) e nella
caratterizzazione del protagonista. Il personaggio di Aufidio è anche come si trova in Plutarco; Shakespeare
attribuito all'arte Volumnia della dissimulazione e basato su questo
motivo il secondo atto terzo, abbastanza famosa scena in cui tenta di
persuadere suo figlio a che nasconde per il consolato. Virgilia e Menenio quasi interamente è creazioni di Shakespeare.
Il drammaturgo si concentra tutto
l'interesse a protagonista, arricchendo con molti dettagli della storia
plutarquiano ed evidenziando questo carattere in contrasto con la
folla, cui follia e incostanza rappresenta, per trasformare un episodio
storico che pose fine alla lotta dei principi nella caricatura e
risentita opposizione tra un'anima di patricio chiuso dall'orgoglio e
suscettibile di massa e vuota l'anima.
Più di tragedia, Coriolano è un dramma storico ma un genere molto particolare; Ha
un grande sollievo l'elemento satirico e grottesco (come nella scena in
cui Coriolano deve elemosinare i voti dei popolani e strappando loro
con un atteggiamento di sfida piuttosto che umiltà), e questo aspetto,
come pure la figura del zumbón Menenio, fa pensare che il dramma di
ambiguo che cosa è Troilo e Cressida, dove i conflitti interni dei protagonisti non sono verniciati.
In realtà non esiste alcun
conflitto in Coriolano (rendimenti alle preghiere dei propri cari senza
lotta interna: come il momentaneo collasso di un mondo che presto remake
sulla sua coesione), ma un evento storico che serve ad illustrare la
vanità e la follia degli uomini, in cui azioni e reazioni sembrano avere
qualcosa di automatico che li rende allo stesso tempo risibile e
sinistre. L'impressione che ci lascia il dramma è
contenuto in poche parole di Menenio (atto V, SC. 4): "quando a piedi
(Coriolano) si muove come una macchina da guerra..." "La sua voce è un rintocco funebre, le lamentele di un rullo di tamburi". È un dramma aspro e stridente, povero colore e calore e tuttavia, robusto e "Romano" nella sua amarezza.
Panoramica e Riepilogo: Timon di Atene
Questo dramma in cinque atti, in versi e in prosa, fu scritto da Shakespeare probabilmente nel 1608 e pubblicato nel infolio di 1623; Non non c'è nessuna memoria che è stata rappresentata durante il Regno di Jacobo io. La concezione del dramma è veramente shakespeariana e ci sono passaggi che mostrano affinità con Re Lear, ma tali scene non devono essere considerate per mano di Shakespeare nella forma in cui abbiamo ricevuto.
Il dramma è preso direttamente timone da Luciano, di cui non c' non erano nessun versioni in lingua inglese; C'erano, tuttavia, alcuni italiani e un francese Filbert Bretin (1582). Sua affinità con un dramma inglese accademico, timone
(circa 1581-1590), dovrebbe probabilmente spiegare loro come motivati
dall'utilizzo della stessa origine di origine lucianesque, poiché
manoscritto inglese timone è rimasto e non sembra probabile che Shakespeare potrebbe vederlo. È possibile che l'origine è italiana, ma non è il timone di Matteo Maria Boiardo, né di Galeotto del Carretto.
La trama del dramma è semplice ed è diviso in diverse sezioni. Nelle
prime scene timone Mostra liberale, splendida, amorevole gioia ed è
corteggiato dall'adulazione dei loro favoriti, cui doni lo restituisce
con bounty stravagante. Invano Flavio, Butler, si sforza di attirare l'attenzione del suo Signore per esporre la sua deplorevole stato finanziario.
Intrappolati in debiti, i
comandi del timone invitano perfidi parassiti ad un ultimo banchetto e
quando già credono che le loro richieste per soldi non erano più di un
artificio per testare la loro amicizia, timone drammaticamente scoprire i
piatti, pieni di acqua calda, e coprendole con insulti li getta in
faccia. Maledicendo la città, il timone si ritira
a vivere una vita solitaria e misántropa in una grotta e mentre si
rimuove il terreno per trovare le radici che nutrono, trova un tesoro.
Disprezzando la consegna
dell'oro, di Alcibiade, che si era ribellati contro Atene per avere
questo mostrato ingrato ai loro servizi (caso simile all'ingratitudine
del favorito di Timon), quindi con esso pagare i soldati destinati a
distruggere la città. Inoltre dà parte del tesoro
per le cortigiane Phyrne all e Timandra così che infettino con suo
contagio ai giovani di Atene, i banditi che uccidono, e infine al suo
fedele maggiordomo Flavio, l'unico che rimane fedele, a vivere lontano
dal Consorzio degli uomini.
L'amarezza del timone
desahoga in un dialogo con il cinico Apemanto: entrambi rivale nella
misantropia, ma il filosofo risponde al timone sono stato abbracciato
dalla necessità per il tipo di vita che egli ha volontariamente scelto. Senatori
di Atene, sotto la minaccia delle truppe di Alcibiade, venuto a
implorare per timone per riportarlo alla città, che promette di riparare
i danni che ha causato lui. Ma Timon li prende in giro offrendo loro l'albero accanto alla grotta che hanno impiccato su di esso. Infine, dopo aver visto il suo epitaffio, lui muore. Alcibiade, mentre entrambi entrati in Atene come il vincitore, promette di pagare onore alla sua tomba, sulle rive del mare.
Il dramma ha una semplicità e un profilo di rappresentazione medievale. Il carattere del timone è un paradigma di mero, a partire da un'allegoria; scene di adulazione prima, poi ripudio e, infine, invettive, moltiplica con medievale una monotonia e l'ordine. Ma
il significato del dramma è solo nella satira dei costumi e
dell'ingratitudine umana, secondo la nuova moda satirica che ha
trionfato in Inghilterra sotto Jacobo io e trovato seguaci tra i
drammaturghi come Ben Jonson (1572-1637) e J. Marston (1576-1634).
Panoramica e Riepilogo: Troilo e Cressida
Questo dramma in cinque atti e in versi e in prosa fu scritta da Shakespeare intorno all'anno 1602. Stampato in-quarto è apparso l'anno 1609 e io Folio del 1623, cui l'elenco delle opere elencate non titolo; il testo si trova dopo i drammi storici e le tragedie prima. La
discontinuità tra le quinte Troiane e campagna greca e il contrasto tra
lo stato di guerra attivo che ha caratterizzato la prima e la tregua
presupposta da quest'ultimo, hanno dato un pretesto ad alcuni critici
che hanno creduto di vedere differenze nello stile mostrando diversità
delle mani o date.
Direttamente o indirettamente questo dramma del bambino in quattro fonti: il poema Troilo e Cressida di Chaucer; John Lydgate (1373-1451?) il sito di Troia o le storie di Troy collezione di William Caxton (fare 1422? - 1491), entrambe derivate dalla storia di Troia di Guido delle Colonne, per le parti che fanno riferimento a scene di guerra; Il testamento di Chryseis di Henryson; e
infine Homer (a meno che non può specificare come Shakespeare deve
conoscere il contenuto del poema omerico) per la caratterizzazione di
eroi greci e l'introduzione di Tersites.
Allo stesso modo che
Chaucer, mediante il Filostrato cinico e sensuale, risalga alla formula
medievale di amore courtly, Shakespeare, attraverso il sentimentale e
cavalleresco Troilo e Cressida di Chaucer, torna allo spirito del Filostrato. Con
sue fondamenta medievali, loro frammenti della classicità greca e dalla
tipica facciata del XVI secolo, il dramma di Shakespeare è forse il più
variegato di tutti i suo teatro.
Dà il titolo al dramma la ben
nota storia dell'amore per il giovane Troilo dalla Cressida civettuola
consumata (Chryseis), che, più incline a incuriosire, finge di dare con
grande disgusto per l'insistenza di suo zio Pándaro e successivamente
inviato suo padre Calcante tra i greci, in uno scambio di prigionieri,
non ha remore chiedere a flirtare poi con Diomede.
Ulisse-guidati, Troilo
sorprende negozio decalcomanie accanto al simposio in cui rendimenti di
Cressida a istanze di Diomede, al punto di dare l'abito stesso
dell'amore ha ricevuto il. Nella battaglia, Troilo tenta disperatamente e vanamente di uccidere il suo rivale; alla fine del dramma abbiamo mostrato maledicendo Pandarus.
Ma una parte del dramma non rappresentano scene riguardo a questo argomento. È una successione di immagini in cui l'epopea è vista con sguardo disincantato e spietato. Pompose
descrizioni, arringhe degli eroi, il tutto servito per evidenziare la
causa fondamentale e trascurabile della guerra e la dissoluzione di
estenderlo. O Agamennone con la sua suprema
autorità, né Menelao con ricordi di profanazione cavalcato, né Nestor
con la sua esperienza e Ulisse con la sua sapiente arte di governare può
modalità non rendendo eventi a continuare sulla strada giusta.
Infine, quando hanno
organizzato un singolare combattimento tra il Bluffer ' AJAX e Hector,
quest'ultimo lascia il duello non danneggiando ad AJAX, che è suo
cugino. Achille è presentato alla luce meno favorevole che si possa immaginare. Dopo
aver preso molto tempo per pregare dalla sua inerzia (animato dal
giullare Tersites), località all'inganno quando si tratta di trovare
contro Hector, causando suoi Mirmidoni circondano e uccidere inermi
guerriero Trojan.
La morte è onnipresente in
questa quasi-tragedia: ma la tragedia non ha l'accento franco e diretto
delle grandi tragedie di Shakespeare, morte non ci mostra mai loro
Franco e faccia dura di grave Muse eroica, ma soltanto piani bestialità
del tuo profilo indeciso e traditore. È ovunque, come la corruzione e marciume insidioso, come sprecare sottile; Si tratta di disintegrazione nella vita, come in Amleto, tragedia dello stesso tempio, scritto a pochi passi di Troilo e Cressida. Amor cortese (Troilo) è contaminato e portato alla rapida decomposizione dal soffio di lupanar che emana da Pandarus; l'onore cavalleresco (che tale è la guerra, per Hector e Shakespeare) è macchiato e annullata mediante il cinismo di Tersites. Il
campo greco è il nuovo mondo che è emerso nel XVI secolo: non cercano
gloria e onore, ma il potere, raggiunto a tutti i costi; un machiavellico mondo governato da un'intelligenza, non con passione.
Panoramica e Riepilogo: misura per misura
Questo dramma in cinque
atti in versi e in prosa era composto di circa nel 1604 Shakespeare,
pubblicato nello stesso anno e stampato in infolio del 1623. La fonte inglese di misura per misura è il dramma Promos e Cassandra (1578) di George Whetstone (fare 1544? -1587?), che più tardi verrà tradotto il suo Decamerone di discorso civile nella quinta storia dell' ottavo decennio della Hecatonmitos di Gian Battista Giraldi Cinzio (1504-1573), che aveva ispirato il dramma con la tragedia Epitia dello stesso (stampato a Venezia nel 1513 Giraldi (, ma che probabilmente già prima di manoscritto di circolazione).
Il tema del giudice al
quale la moglie o la sorella di una persona condannata beg, che promette
il perdono se quella donna è dato e che, dopo aver, viene inviato per
eseguire la sentenza, era molto diffusa nella letteratura e trattati
spesso drammaticamente; Oltre ad essere esso da Giraldi e Whetstone, era da Claude Rovillet in pedantesca tragedia Latina Philandia
(pubblicato nel 1556), che, tuttavia, è da una versione diversa, in un
dramma rappresentato a Besançon nell'estate del 1548, con prole della
"prova del Duke Charles". Questa leggenda si trova anche a Napoli e si riferisce alla "giustizia esemplare" fatto lì da Isabella d'Aragona. Tra il moderno è stato ispirato da suo padre, Alexandre Dumas nel matrimonio sul patibolo. La più importante innovazione introdotta da Shakespeare nell'argomento si riferisce al carattere della sorella del condannato.
Il duca di Vienna, con il
pretesto di una gita fuori porta loro Stati, ha affidato il suo governo
ad Angelo, suo giudice, che fino ad allora aveva da uomo di probità
esemplare. Angelo, poi la condanna a morte di Claudio, colpevole di seduzione di Giulietta. Claudio informa la sorella Elisabetta, novizio in un convento e lo implora di intercedere per lui ad Angelo. Motivi
di Isabel non riescono a ottenere il perdono, ma la sua bellezza
provoca nel giudice una tenerezza che non aveva sentito dalle donne; così in una seconda conversazione con lei, vi risparmia la vita del fratello se ha sacrificato il suo onore.
Si rifiuta di Isabel,
arrabbiato e in una celebre scena nella prigione (atto III, scena I)
mette al passo con tale proposizione a suo fratello; Quest'ultimo,
che a prima vista sembra accettare serenamente la morte, si aggrappano
poi, all'improvviso, alla speranza vergognoso. "La
più dolorosa e odiosa esistenza età, dolore, povertà e prigione può
infliggere sulla natura umana è un paradiso rispetto a ciò che abbiamo
paura della morte."
Il duca, che non ha
lasciato Vienna, travestito da frate e scopre il comportamento infame di
Angelo e immagina un'esca per salvare Claudio. L'ordinazione
di Isabel che acconsentano ad andare a casa di Angelo a mezzanotte e
arriva a Mariana, che è innamorato di Angelo (che lei ha rinnegato per
motivi di interesse), prendendo il posto di Isabel. Baratto dà risultato, ma nonostante questo Angelo ordini che Claudio esecuzione avviene all'alba.
Il duca ha che, anziché la testa di Claudio, essere trasportati ad Angelo di un malfattore ajusticiado; Dopo
cedere il costume e la simulazione di tornare all'improvviso, ascoltare
l'appello di Elizabeth e Mariana, e nega ad Angelo, che nega la verità
delle storie delle due donne. Per volere di
questi, Angelo, alla fine di confusione, è perdonato e Unito in
matrimonio con Mariana, mentre il duca dichiara il suo amore per
Elizabeth. Claudio è perdonato; Lucio, un maldiciente beffardo che ha parlato male del duca al proprio Duca mascherato, è condannato a sposare una prostituta.
La trama è sostenuta dal sottile filo di un eccesso di costumi che compromettere la coerenza del lavoro. E
mentre è vero che il duca simboleggia un'etica illustrato e cristiana,
non è morale o Christian continuare nascondendo Isabel Claudio vite. La
sua figura di santon silenzioso e invadente, frate di mezzanotte che
organizza una sostituzione della concubina, non è certamente molto
sacro. Misura per misura, infatti, ha sconcertato sempre critici, da Coleridge (che hanno trovato un dramma "doloroso") alla più recente. L'unico personaggio in grado di accattivante simpatia sembra essere abbandonata Mariana. Anche
se le figure degli attori nel dramma sono disegnati con mano
insolitamente titubante in uno Shakespeare, è, invece, decisiva
impressione che ci collega sfiducia e disgusto verso gli uomini. Qualsiasi abiezione per vivere, al fine di soddisfare l'appetito libidinoso: è l' astenersi che si staglia sullo sfondo di questa commedia scontroso.
Panoramica e Riepilogo: sonetti
154 sonetti di William
Shakespeare sono state scritte circa prima del 1600, e manoscritti erano
(a meno che non hai selezionato un'edizione 1602 è stato persa) fino al
1609, quando li pubblicò l'editore Thomas Thorpe con una dedica a un
misterioso Mr. W. H., che è indicato come "l'unica ispirazione per
seguenti sonetti" ("il generatore onlie di questi sonetti insuing"). Dato
che i sonetti sembrano chiarire più di suoi drammi la vita intima
dell'uomo Shakespeare, i critici hanno lavorato sodo per scoprire chi
era il misterioso Mr. W. H., senza tuttavia a molto positivi.
Secondo un'opinione
diffusa, i sonetti sono dedicati al conte di Southampton, protettore di
Shakespeare (W. H. sarebbe invertite iniziali di Henry Wriothesley, il
nome di Earl). Altri, che non credono possibile
che un editore ha osato di nominare un membro potente del aristocracy
con il singolo "Mr. W. H.", hanno pensato di William Hall, un tipografo
che aveva procurato il manoscritto ("generatore" può essere interpretato
come "Avvocato", oltre a come "ispirazione") anche se non si ha
affidato la stampa dello stesso. Il problema di identificazione ha suggerito che Oscar Wilde l' elegante storia il ritratto di Mr. w. H.
Un altro problema che ha appassionato i critici è l'identificazione del poeta rivale, dicuiall ' sonetti 78-86; Barnabe Barnes (1569-1609), George Chapman (1559-1634) e altri sono stati suggeriti. Tuttavia,
indagini entrambi parlano e la signora Morena ("la Dark Lady") di un
altro gruppo di sonetti, hanno fallito aumentare quello che già sapevamo
circa i dettagli della vita privata di Shakespeare.
Il tono dei sonetti, che, a parte la convenzione di determinati motivi, trasuda stanchezza e pessimismo e potrebbe preludiar Hamlet
e le tragedie seguenti cupa, sembra rivelare un professionista
fortunato molto differente di Shakespeare la scena emergente da aridi
documenti biografici è arrivata a noi. Perché,
sì, convenzionale, come abbondano nei numerosi canzonieri del periodo
ispirato direttamente o indirettamente il Petrarca. Beh, il motivo per l'immortalità assicurata il versetto, horaciano argomento che i poeti della Pléiade; moda il tema dell'apparenza notte dell'amato; o i giochi di concetti in cui gli occhi e il cuore sono in conflitto.
Ma la maggior parte dei
sonetti di Shakespeare si distinguono dai libri di musica contemporanee
per accento appassionato dell'esperienza vissuta, al punto che William
Wordsworth li definisce come "la chiave con cui Shakespeare ci ha aperto
il cuore" (anche se un altro grande poeta, Robert Browning, ha risposto
a questo con la famosa frase "se così, Shakespeare nani"). Nei
sonetti del tipo chiamato "Elisabettiano" o "Shakespeariano" (tre
quartine di rime alternate e un distico finale: abab, cdcd, palmo, gg)
si possono distinguere due o tre motivi che certamente si riferiscono a
situazioni di vita reale. Il suo significato è chiaro; solo bisogno della chiave di allusioni.
Il Songbook di Shakespeare
ha uno sviluppo drammatico che invano si cercherebbe nelle altre
collezioni, generalmente privi di un accento unico ben definito. Naturalmente,
ci sono meno caratteristici sonetti, ma essi sono sparsi in tutta la
collezione, secondo una legge di economia comune anche alle più grandi
opere; un volume in cui tutta la composizione è stata un capolavoro sarebbe anormale, artificiale. Questa
legge dell'economia spiega la presenza di mediocri sonetti molto meglio
di qualsiasi teoria possibile che presentano il Canzoniere
shakespeariano come opera collettiva.
Che dire di più sonetti di
Shakespeare per il lettore moderno è il tono della chiaroveggenza del
poeta e la precisione dell'analisi, in partenza da schemi consueti di
quel genere di letteratura. Chiaroveggenza spesso
disperato, come quando il poeta realizza la sua umiliazione,
dell'abdicazione della sua dignità di essere indegni; "odi et amo" che rinasce con già vicino ai nostri accenti di sensibilità.
Poi la confessione ha un
nuovo, come in intimità sonnet 30: "quando i tribunali per il dolce
pensiero silenzioso chiamato il ricordo delle cose passate..." e che a
volte raggiunge l'amarezza profonda di un cristiano, come il sermone del
celebre sonetto 129: "spreco di spirito in un deserto di disgrazia è il
desiderio in atto; e fino a quando è non agire
il desiderio è spergiuro, omicida, sanguinante, pieno di colpa,
selvaggia, estrema, rude, crudele, indegno di fiducia: ci siamo goduti,
ora disprezza; follemente cercato e come esca
posseduta, violentemente odiato, come inghiottito, intenzionalmente,
tendeva ad andare pazzo lo prende a quello; pazzo nella persecuzione e così in possesso... In precedenza, un fantasma di godimento; più tardi, un sogno. Lo sa tutto il mondo; ma nessuno sa come evitare il cielo che conduce gli uomini a questo inferno".
In ogni
caso, sua intuizione corrosivi non impedisce le note di stampa di poeta
che sono la più pura e fresca nella lirica elisabettiana così ricca di
freschezza e alata, come nel sonetto 18 canzoni: "Deve paragonarti a un
giorno d'estate...", o 54: "Oh, come più bella sembra bellezza da dolce
motivo conferisce purezza". Anche quando lasciato
trascinare, come allora era diventato di moda tra i metafisici la
scuola di John Donne, sfumature e concetti, si sente sempre vivo
profondità di ispirazione, dando risonanza universale a modi e modi di
tempo: così nel sonetto 53, giocando con i significati di "ombra": "che
cosa è la sostanza che si è fatti , che milioni
di strane ombre si seguono, poiché ogni uomo ha un'ombra e voi, che voi
non siete più di una persona, si possono scurire le cose... ", o 87,
quando applicato ad per amare la terminologia giuridica:" Addio, sei
troppo costoso quindi mi appartieni... i titoli che io ho di voi
decadute tutte... "." Due sonetti pubblicati nel 1609 (138 e 144) erano già stati pubblicati in forma un po' diversa nel volume intitolato il pellegrino appassionato.