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Panoramica delle opere di William Shakespeare

Panoramica e Riepilogo: la commedia degli errori

Questa commedia in cinque atti in versi e in prosa di William Shakespeare è stato probabilmente scritta nel 1591-92 e pubblicata in infolio del 1623. Sua fonte, diretta o indiretta, sono i Menaechmi di Plauto, ma probabilmente la prima scena del terzo atto è basata sull' host. Aggiungete a questo un thriller tragico, probabilmente suggerito dalla storia di Apollonio, re di tiro, che Shakespeare aveva da utilizzare in seguito per il vostro programma Pericle, Principe di tiro. Ci sono analogie, poco notevole, con il "racconto del Signore", uno dei Racconti di Canterbury di Geoffrey Chaucer (1340/45-1400) e l' Arcadia di sir Philip Sidney (1554-1586). Mentre Plauto era soddisfatto con una coppia di gemelli, Shakespeare, con esuberanza barocca, aggiunge un secondo, moltiplicando così le possibilità di equivoco, ma anche aumentando l'intrigo incredibile, che solo può trovare giustificazione nel successo di qualsiasi episodio farsa.
Avendo Syracuse condannato a morte alcuni commercianti di Efeso, che non aveva soldi per il salvataggio, Ephesus adotta una misura simile rispetto quando mercanti. Egeon, vecchio mercante di Siracusa, è condannato a subire questa sorte e spiega il duca di Efeso perché si trova in città. Aveva avuto due gemelli di sua moglie Emilia, esattamente identica e chiamato entrambi Antifolo. Due schiavi, anche gemelli e sia chiamato Dromio, nato allo stesso tempo come gli altri due, erano dedicate al vostro servizio.

Arresto di Antifolo di Efeso
In un naufragio, Egeon, con il gemello nato in secondo luogo e con uno dei Dromios, è separato dalla moglie con un altro figlio e un altro schiavo ed non è stato sentito su di loro. Arriva a maturazione il secondo di due gemelli, Antifolo di Siracusa, lasciato insieme al suo Dromio in cerca di suo fratello e sua madre. Esso non è stato realizzato più di loro, quindi Egeon, per cinque anni, mancava nella loro ricerca ed è venuto ad Efeso.
Il duca, che si trasferì dalla storia di Egeon, ti dà il tempo fino alla sera per trovare i soldi del riscatto. Il primo nato dei gemelli, Antifolo (Antifolo di Efeso) con suo Dromio (Dromio di Efeso), salvato dal naufragio si trova ad Efeso. Antifolo di Efeso vissuto lì molto tempo e sposata Adriana. E appena arrivato quello stesso giorno Antifolo di Siracusa e Dromio di Siracusa. Ogni gemello era una perfetta somiglianza con gli altri e là una serie di incredibili errori grossolani.
Dromio di Efeso dovrebbe chiedere Antifolo di Efeso per andare a casa sua per mangiare e invece richiesto di Antifolo di Siracusa. Adriana fa valere i suoi diritti di donna Antifolo di Siracusa, mentre sperimenta maggiore simpatia per sua sorella Luciana. Dromio di Siracusa, che è andato con lui, è oggetto di richieste di Adriana MOP brutte, come Dromio di Efeso è più tardi, insieme al suo protettore, che si chiudono l'ingresso a casa tua, perché si ritiene che entrambi sono già all'interno.
L'avventura è complicata con il dono di una catena, l'intervento di una cortigiana degli ospiti, un creditore, fino a quando Antifolo di Efeso e il suo servo sono attaccati come un matto; Antifolo di Siracusa e suo Dromio, preso dai prigionieri in ipotesi pazzo fuggiti, subiscono aggressioni e rifugiarsi in un convento, cui badessa è Emilia, anche salvato dal naufragio, ma separati dai marinai crudeli di Corinto dei gemelli commit ad esso (e poi in Antifolo e Dromio di Efeso).
Nel frattempo termina il termine a meno che Egeon ha trovato i soldi di salvataggio, quindi è condotto alla tortura, accompagnata dal duca. Si presenta per il duca di Antifolo di Efeso che, dopo aver rotto i legami con i denti, è fuggito e chiamate per la giustizia contro la moglie, che ha lasciato fuori dalla sua casa e poi fatto legare come un matto. Infine, la badessa fa lasciando il convento per le altre coppie e anteriore di posti di lavoro, ognuno dei quali è riconosciuto come quello che è. Così Egeon è allo stesso tempo, sua moglie e figli e il duca consente di che rilasciare.
Volevano assumere a Adriana, donna litigiosa e gelosa, un ritratto indiretto di Anne Hathaway, moglie di Shakespeare, e quell'immagine della vita domestica di suo marito è stato rimosso dall'esperienza del poeta. Ma a parte questo presupposto curioso e un tratto comico o sentimentale (la dichiarazione d'amore di Antifolo di Siracusa per Luciana), il dramma è uno dei meno attraenti di Shakespeare. Tuttavia, esso contiene quindi molti donaires e situazioni grottesche, accettata la premessa assurda, non si accorgono di cos'altro potrebbe essere fatto meglio: nel suo tempo deve divertirsi al pubblico come l'attuale astracanadas.

Panoramica e Riepilogo: Titus Andronicus

Questa tragedia in cinque atti in versi è dovuta in parte alla William Shakespeare, che deve iniziare verso 1593-94; nel 1595, 1600 e 1611 in-quarto , è stato pubblicato e infolio durante l'anno 1623. Edward Ravenscroft, nel 1687, ha parlato di una tradizione teatrale che questo dramma è stato a causa di un autore esterno alla società, e Shakespeare ", ha dato solo pochi master perfezionamenti a due dei personaggi principali". L'autore sconosciuto rivela l'influenza di Thomas Kyd (1558-1594) sull'uso di orrore, complici e gli episodi di follia; di Christopher Marlowe (1564-1593) nella concezione del personaggio di Arones ricorda di Barabba, il protagonista di L'ebreo di Malta; e George Peele (1558-1598) nello stile.
È difficile riconoscere i tocchi a Shakespeare. W. w. Greg immaginato un'ipotesi ingegnosa, secondo la quale la versione rettificata da Shakespeare, che ha autorizzato l'inclusione del dramma nell'elenco delle sue opere si trova in Palladis Tamia in Francis Meres (compilato prima del settembre 1598), è stato distrutto nell'incendio del Globe Theatre (1613) e fu sostituito da versione primitiva, l'aggiunta di memoria la seconda scena dell'atto III dove c'era tratti shakespeariani.
Solo imparentata alla trama dei problemi del dramma, trovato anche se è probabile che l'origine è una lettura errata della cronache bizantine riguardanti l'imperatore Andronikos Komnenos (XII secolo) e la Regina della Georgia, Thamar, più o meno contemporanea yours.
Il generale romano Titus Andronicus, dopo aver sconfitto i Goti e catturare la Regina Tamora insieme ai suoi figli, Alarbus, Demetrio e Chirone, così come il moro Aaron, amante della Regina, ritorna a Roma mentre il trono imperiale essi sono contestando Saturnino e suo fratello Bassiano. I Romani vorrebbero scegliere di Titus Andronicus, ma persuade che nominano per Saturnino.

Anthony Hopkins in Titus (1999),
film basato sul Titus Andronicus
Bassiano di Lavinia, figlia di Andronico, rapisce Saturnino fingendo di moglie. Più tardi Saturnino, innamoramento di Tamora, sposa ron. Mutius, fratello di Lavinia, ha frequentato il suo rapimento e quindi lo uccide suo padre Tito. Questo è l'inizio delle disgrazie che si accumulano sulla sua testa, dalla sete per vendetta di Tamora, che vuole punire la andronicos dalla morte di suo figlio Alarbus, sacrificato sulla tomba dei figli di Andronico ucciso nella guerra e la malvagità del moro Aaron.
Durante una battuta di caccia, persuaso da moro, Demetrio e Chirone uccidere Bassiano e quindi violare a Lavinia e tagliare la lingua e le mani. Accusato dell'omicidio di Bassiano Quintus e Martius, figlio di Tito, e sono condannati a morte dall'imperatore. Aaron Titus gioca uno scherzo sinistro: dice che se tagliato fuori una mano e lo invia all'imperatore, questo concesso grazia ai loro figli; ma sono tornati a Tito le teste dei loro figli insieme a loro tagliato a mano. Lucius, un altro figlio di Tito, è bandito e va a reclutare un esercito tra i Goti, mentre Tito, assetato di vendetta, simula vanno pazzi.
Nel frattempo Tamora partorisce un figlio scuro, Aaron è costretto a portare lontano da Roma; Lucio lo cattura e Aaron, essendo fatto promettere che succederà nulla al vostro bambino, rivela tutto il male che covato a scapito della sua famiglia con sadico piacere. Alla notizia dell'arrivo dell'esercito gotico di Lucius, Tamora con i suoi due figli va a casa di Tito, lei crede, dicendo che si tratta di vendetta e cercando di convincerlo a fare in modo che Lucius ha tenuto un'intervista con l'imperatore.
Tito, che scopre l'inganno, simula coccolare e mantenuti nella sua casa, come ostaggi, i figli di Tamora. Poi uccide loro e le loro teste per preparare piatti offerti presso il banchetto in onore dell'imperatore. In una finale uccisione, Titus uccide Lavinia, come Virginio ha ucciso la figlia, il cui onore parla stato macchiato; Tamora venire inconsapevolmente raccapriccianti piatti che Tito aveva offerto, Saturnino uccide Titus, Lucius uccide Saturnino e finalmente lui proclamando imperatore. Aaron moro è stato condannato al bastone.
Tutti gli orrori di Seneca e Ovidio sono accumulati e mescolati in questo dramma sensazionale, in versi che hanno spesso gonfiore retorica di Marlowe di Tamerlano ; un tocco di atmosfera, come le sinistre zarzal dove buttare il corpo di Bassiano, anche ricorda e ripete grim descrizioni di Seneca. Il dramma sembra cartoonish e disumane, anche se è tipico del gusto elisabettiano sotto l'influenza di Seneca. I personaggi sono profilati villana e sono abbastanza puerili; le situazioni drammatiche sono trattate senza delicatezza.

Panoramica e Riepilogo: la vita e la morte di re Giovanni

Questo dramma storico in cinque atti e in versi è stato rivisto da Shakespeare da un dramma pre-esistente, il turbolento regno di re Giovanni, pubblicato in due parti nel 1591. Revisione, Shakespeare contrassegnato con il suo superiore genio drammatico e poetico, forse fatto nel 1596-97 e non è stato stampato fino al infolio del 1623.
Il dramma, che non segue tutti troppo accuratamente gli eventi storici (strano è, per esempio, che non è citare la Magna Carta del 1215), è gli episodi principali nel Regno di Nerone inglese tirannico e astuto, soprattutto l'eliminazione del suo giovane nipote, Arthur; in una delle scene più strenui (il terzo nel terzo atto), il re ottenere suscitato da Humberto de Burgh di rimuoverlo in mezzo, perché esso attraversa il loro percorso al potere.
Humberto si prepara a privare Arthur degli occhi con ferri roventi, ma il giovane, in una scena patetica (IV, 1) riesce a toccarlo; Tuttavia, più tardi, Arthur viene ucciso quando ha saltato le mura del castello. Il dolore di Constance, madre di Arthur, dopo la notizia dell'imprigionamento di suo figlio si riflette con grande efficienza e gli ultimi momenti di re Giovanni a Swinstead Abbey, sono dipinte affinché essi mitigare l'odiosa del protagonista.
Ma il carattere più notevole del dramma è forse il bastardo Felipe Faulconbridge, che riassume lo spirito di intrighi, avventura e brama di potere che domina il dramma. Suo fratello Robert tenta di promuovere un processo in occasione del loro patrimonio, e ti fa riconoscere precisamente come un figlio naturale di Riccardo Cuor di leone.
Il dramma, anche se poco notevole dal punto di vista letterario, ha sempre riscosso molto successo nella scena inglese, specialmente a causa del conflitto tra papato e la monarchia inglese e offre momenti drammatici di effetto e di possibilità per mettere in dogana pittoresca scena. Suo principale interesse critico si trova nella possibilità che ci offre molto attentamente studia la tecnica di Shakespeare, come è l'unico dramma che mantenuto la formulazione precedente lo shakespeariano.

Panoramica e Riepilogo: Richard III

Questo dramma storico in cinque atti in prosa e in versi è stata scritto da Shakespeare al 1593 e stampato a in-cuarto nel 1597, 1598, 1602, 1605, 1612, 1622 e io Folio nel 1623. I fatti storici sono quasi tutte tratte da cronache di Edward Hall o Halle (l'Unione delle due famiglie nobili ed illustri di Lancaster e York, 1548) e di Raphael Holinshed, entrambi basati allo stesso tempo, in Anglicae Historiae (1534) di Polidoro Virgili Università di Urbino (1470-1555?) e l' incompleta storia della terza Ricardo rey (1513), attribuito a Thomas More.
Al centro del dramma è il carattere dell'usurpatore Richard, duca di Gloucester, già apparso in Enrico IV. Ricardo, che si nasconde sotto apparenze benigne suoi piani diabolici, rende il fratello Eduardo IV sospettato di un altro fratello, George, duca di Clarence e lo mise in prigione; Egli quindi fa suoi scagnozzi a ucciderlo e cadere in una tinozza di malvasia. Ricardo Woo Anne, vedova di Edoardo, Principe di Galles, come lei segue la bara del defunto marito, episodio che fa pensare circa il famoso percorso della matrona di Efeso nel Satyricon di Petronio, perché Ana, dopo aver insultato Ricardo, produce sue affermazioni dell'amore.
Morto Eduardo IV, Ricardo, diventare il protettore del Regno durante la minore età di Eduardo V, cospirò per usurpare il trono. Ha ricoperto che il giovane re con suo fratello Ricardo nella Torre di Londra e con l'aiuto del duca di Buckingham è proclamato re. Uccidere i figli di Eduardo IV, e coppie medie rimuove non suo favore nella Torre: Hastings, fiumi e grigio.

Lawrence Olivier Richard III (1955)
Per rafforzare la sua posizione, l'usurpatore ripudia Anna per sposare sua nipote giovane, Elisabetta di York, figlia di Eduardo IV e, in una scena simile alla conquista di Ana, persuade di Eduardo IV, Queen Elisabeth, vedova di acconsentire al matrimonio. Il duca di Buckingham ribellarsi contro l'ingratitudine di Ricardo, che dichiara del conte di Richmond, ma viene catturato e condannato a morte. Infine le truppe dell'usurpatore combattendo con i ribelli a Bosworth (1485) e Ricardo, dopo una notte stregata dalla visione raccapricciante delle loro vittime che apparirà (una scena che non crede Shakespeare), viene ucciso nella battaglia. Richmond ascende al trono con il nome di Enrique VII.
Tra le migliori scene che figurano in cui maledice la vecchia regina Margaret, vedova di Enrique VI, altri personaggi del dramma, colpevole della perdita del marito e dei loro propri; loro maledizioni, come mostrato nello sviluppo del dramma, essere soddisfatti, così la figura della donna vecchia addebitato quasi una categoria Erinia. Lo stile è educato e retorica, con ripetizioni di primi versi e altri dispositivi, come invettiva e imprecazioni. Da un capo a altro la parola "sangue" si corre come un motivo dominante. Il carattere di Ricardo, anche se poco sottile, è molto vigorosa.
Psicologia e stile hanno sembrava troppo elementare di Shakespeare, ma lavoro molto bene può essere tuo, se pensi di non grandi tragedie di Shakespeare della maturità, ma i primi tentativi, ancora influenzati dai suoi predecessori, soprattutto di Christopher Marlowe (1564-1593). L'episodio della morte dei giovani figli di Edward, narrata da un personaggio che funge da messaggero della tragedia classica, è famoso e ha suggerito un'immagine notevole di Paul Delaroche (1797-1856). L'esclamazione di Ricardo, che cercano un nuovo cavallo nella battaglia di Bosworth è anche famosa: "un cavallo, un cavallo, il mio regno per un cavallo".

Panoramica e Riepilogo: Enrico IV

Questo dramma storico in versi e in prosa di William Shakespeare è costituito da due parti di cinque atti ciascuno; Questi partiti erano rappresentati nel 1597-98 e pubblicati rispettivamente nel 1598 e il 1600. Il drama è basato sulla cronaca di Holinshed e, per parti comiche e Oldcastle Falstaff, in un dramma pre-esistente, le famose vittorie di Enrico V.
La prima parte è la rivolta di Percy, assistito da Douglas, con il concorso di Mortimer e Glendower e la sua sconfitta da lavoro del re e del Principe di Galles a Shrewsbury (1403). Il Principe di Galles è associato con Oldcastle (poi sostituito con il nome di Falstaff) e fellow Pointz, Bardolp e Peto nella sua vita selvaggia. Pointz e Principe fanno altri aggredito alcuni viaggiatori a Gadshill e rubare e a sua volta vengono rubati da loro. Falstaff, per giustificare la perdita del bottino, finge di sono state assalite da 100 rogues; poi si è gradualmente riducendo il numero di attaccanti, fino a quando il principe spiega come sono andate le cose e poi Falstaff confessa che non ha reagito perché mai potrebbe uccidere l'erede al trono.
La parte seria del dramma è formata dal contrasto tra i due giovani eroi, principe Enrico e Percy Hotspur. Enrique è ornato nelle qualità più seducente: sue buffonate più folli sembrano solo dannosi tratti in cui esplode il suo spirito attivo, a malincuore costretto per il tempo libero, fino a quando, appena offerto occasione, vengono visualizzati tutti i loro ferocia un gentiluomo. Hotspur è invece una miscela di maleducazione, di orgoglio e caparbietà infantile; ma il suo impetuoso masterizzazione redime suoi difetti, fino a quando non cade nella battaglia di Shrewsbury. Falstaff, vero "miles gloriosus", trova il suo corpo nel campo e si vanta per averlo ucciso.
Il secondo argomento di parte è la ribellione dell'arcivescovo Scroop, Mowbray e Hastings, mentre nella trama comica continua le gesta di Falstaff, con il Principe, di sbruffone pistola Pointz, della signora Quickly, bambola Tearsheet (o Rompesabanas), come traduciamo in spagnolo. Falstaff, chiamato per sopprimere la ribellione, durante le cascate recluta il giudice Shallow e silenzio, è impostato in loro e ruba migliaia di sterline al primo. (In Shallow caricatura ha voluto mettere in guardia un'allusione a sir Thomas Lucy, con cui Shakespeare ha dovuto fare per aver rubato quando giovane un cervo sulla loro terra; secondo altri, questa sarebbe un'allusione al giudice Gardiner).
La morte di Enrique IV, Falstaff pensa che l'ascensione del principe al trono sarà loro fortuna: ma il nuovo re genera la sua presenza e lo mette in prigione. Mentre il dramma eroico trama languendo dopo la morte di Hotspur, la trama comica (gesta di Falstaff e i suoi compagni per la catastrofe e il ripudio, da Enrique V, dei compagni di suoi misfatti giovanile) tenuto vivo il loro interesse da un'estremità a altra ed è il capolavoro comico Shakespeare, piuttosto che la farsa di le allegre comari di Windsor di brio dei risultati e rabelaisiano gusto della frasi di grotteschi.

Panoramica e Riepilogo: il mercante di Venezia

Questa commedia in cinque atti, in versi e in prosa, di William Shakespeare è stato scritto, secondo alcuni, nel 1594 (allusione in atto IV, scena I, per l'esecuzione dell'ebreo Rodrigo López del 17 giugno del 1594, sotto l'accusa di aver tentato di avvelenare Queen Elizabeth); Secondo altri, principalmente da considerazioni di stile, nell'autunno del 1596. Due date potrebbero essere riconciliate assumendo una recensione di Shakespeare. È stato pubblicato quarto nel 1600 e in folio nel 1623.
Le due ragioni principali per l'argomento, quella del prestito fatto da un ebreo cristiano di una libbra di carne e una scelta tra oggetti di valore apparentemente diverse, sono vecchi e ricorrenti. Il primo è venuto a conoscenza di Shakespeare attraverso Il Pecorone di Giovanni Fiorentino (scritto circa 1318 e pubblicato nel 1558) e per il dettaglio del rapimento della figlia dell'usuraio, attraverso Zelauto (1580), storia di Anthony Munday (1553-1603).
Il secondo motivo è venuto a lui attraverso la versione di Richard Robinson di Gesta Romanorum (pubblicato a quanto pare nel 1517). Le due ragioni potrebbero essere raccolti in un dramma pre-esistente, L'ebraico (1578), che sappiamo solo indirettamente (la sua tesi era "l'avidità di chi preferisce beni terreni" e l'anima assetata di sangue degli strozzini). Shakespeare probabilmente rifusione questo dramma, tenerlo in qualsiasi parte, forse i versi contenuti in bare.
Giuliana, nobile veneziano che ha sprecato il suo flusso, chiede il ricco mercante Antonio, suo amico, tre mila Ducati per continuare con dignità il loro impegno con la ricca ereditiera Portia, che vive sulla terraferma, a Belmonte. Antonio, che ha usato tutti i loro soldi in speculazioni d'oltremare, intende essere di prestito il denaro di Shylock, un usuraio ebreo che all'inizio aveva insultato da usura esercitata. Shylock si impegna a prestare i soldi in una condizione: se l'importo non viene pagato il giorno fisso, Shylock è autorizzata ad intraprendere una libbra di carne dal corpo di Antonio.

Al Pacino interpretato Shylock
in il mercante di Venezia (2004)
Porcia, per disposizione testamentaria del padre, che sposerà il corteggiatore che tra tre bare (uno di oro, una d'argento, altri piombo) scegliere che contiene il suo ritratto. Tutto il mondo diventano candidati illustri; esito negativo il principe del Marocco e Aragona, che rispettivamente aprire lo scrigno d'oro e d'argento; ma Giuliana, con la riflessione sensata, scegliere casella di buona, il piombo, e sposò Porcia, che ama lui e il suo amico Graciano con Portia, fanciulla di Randol.
Nel frattempo arriva la notizia che Antonio navi sono affondate, il debito non è stato pagato entro i termini pattuiti e Shylock chiede la sua libbra di carne. Il Doge è investito della questione. Portia travestimenti di avvocato e notaio Randol e, senza sapere i loro mariti, ha presentati dinanzi alla Corte per difendere Anthony.
Dopo aver cercato invano di ottenere il perdono degli ebrei, che offre tre volte l'importo dovuto, Portia richiede che si è concessi la richiesta dell'ebraico, ma avvisa che perderai la tua vita se si versa una sola goccia di sangue, poiché l'obbligo si dà diritto solo alla carne. Egli sostiene dopo che Shylock dovrebbe pagare con la vita il crimine di aver fatto un tentativo, essendo straniera, la vita di un cittadino di Venezia.
Dux Risparmia la vita a Shylock, ma assegnato metà della loro ricchezza per Antonio e l'altra metà allo stato. Antonio rinuncia alla sua parte se Shylock diventa un cristiano e lascia il suo flusso, quando si muore, Jesica (figlia di Shylock), che è fuggito, dopo aver preso i soldi dalle casse del padre, di sposare un cristiano, Lawrence, e per questo motivo è stato diseredato. Shylock accettare; Porcia e Sara, che non sono state riconosciute, chiedere per tutti gli anelli di retribuzione Giuliana e Graciano ricevuto le loro mogli e di cui ha promesso di non separare mai. Si arrendono dopo aver resistito invano. Tornando alla sua mogli casa rimproverare loro quell'azione, ma finalmente rivelare loro il tuo prodotto. Infine, è noto che tre delle navi di Antonio hanno restituito in modo sicuro.
Il dramma è tra i più famosi e i più fortunati di Shakespeare, soprattutto dal personaggio di Shylock, disegnato con robustezza e precisione e che è sempre spostato i grandi giocatori per rappresentarti. Ha scene che sono tra le più drammatiche e brillante di Shakespeare ha scritto: la scena di contratto (I, 3); uno in cui Shylock si lamenta dalla perdita di sua figlia con i suoi soldi (III, 1); della scelta di cofanetti da Giuliana (III, 2); la scena davanti alla Corte di giustizia (IV, 1); e la musica al chiaro di luna (V, 1). Infine, l'abilità con cui Shakespeare ha unito vari e pittoreschi giardini e la conclusione del dramma, che celebra la vittoria della carità la rigida giustizia (perché Shakespeare restituisce in misura per misura), hanno messo il suo incantesimo sul pubblico teatrale di tutte le età.
Alcune incongruenze e prolijidades del dramma quasi scomparire la vera costruzione del complesso. Richiamato l'attenzione l'atmosfera del lavoro, che ha carattere italiano non solo dai nomi dei personaggi e qualche allusione precisa (menzione del Rialto, pontone che collega Venezia alla terraferma e la distanza esatta tra Belmonte, vale a dire, Montebello e Padova), ma anche per le qualità più generale che hanno fatto vedere un critico (r. Quiller-Couch) i due aspetti del Rinascimento il mondo dei ricchi mercanti e raffinatezza artistica di buone maniere, simboleggiato da Venezia e Belmonte; un'atmosfera italiana, che non è in alcun modo la qualità sinistra dei drammi elisabettiani.
Anche se il tema centrale (la rimozione della libbra di carne) è così crudele e tragico, Shakespeare sapientemente distrae lo spettatore attraverso scene che si svolgono nel villaggio di Porcia; così, ad esempio, dopo la scena culminante del processo, che lascerà un'impressione forte e amaro, possiamo godere la poesia sublime della notte lunare, con musica e dialogo degli amanti.

Panoramica e Riepilogo: la bisbetica domata

Questa commedia in cinque atti, in versi e in prosa, è stata scritta da William Shakespeare nel 1593-1594, rappresentata nel 1594 e pubblicata nel 1623 infolio. Esso è basato su una commedia precedente titolo leggermente diverso (una bisbetica domata). Shakespeare è servito come un collaboratore, che si è rivelato la fonte delle ipotesi di Ludovico Arlosto e la sua versione inglese Supposes (1566) di intrighi secondaria George Gascoigne (fare 1525? - 1577). Era Shakespeare prologo ("induzione") e una serie di frammenti: atto II, SC. 1, VV. 1-38, 115-326; Atto III, SC. 2, VV. 1-129, 151-254; Atto IV, CES. 1, 3, 5; Atto V, SC. 2, VV. 1-181. Egli probabilmente anche collaborato alla scena 2 dell'atto I, VV. 1-116. Complessivamente, circa tre quinti del dramma, con tutte le scene relative alla trama di Sly e Petruchio-Katharina.
Il collaboratore ha scritto la scena di cortejamiento Bianca; È meno vigorosa rispetto a Shakespeare, sebbene abbastanza capace. Non le è stata identificata con approccio plausibile: sono stati citati i nomi di Thomas Lodge (fare 1558? - 1625), da Robert Greene (1558-1592) e George Chapman (1559-1634), ma senza fondamento sicuro. Precede il dramma un prologo in cui un calderaio, Cristóbal Sly, viene prelevato ubriaco da un uomo di ritorno da una battuta di caccia, prima di una locanda in campagna.
Sly è preso al castello e fargli lo trattano, non scherzo quando sveglio, come se fosse un gentiluomo che, dopo molto tempo, ha riacquistato l'uso della ragione. Così presenta una situazione estremamente curiosa, che avrebbe meritato uno sviluppo diverso da quello che ha ricevuto: Sly è costretto ad ascoltare un dramma rappresentato soprattutto per lui, da una società di scenesters; Questo dramma è precisamente la bisbetica domata.
Pochi versetti e verso la fine della prima scena del primo atto, Sly e caratteri del prologo scompaiono. Gremio e Hortensio Woo bianca, più giovane figlia di Battista Minola, ricco signore di Padova; Ma avendo deciso che il bianco, sua seconda figlia, sposare solo quando marito ha trovato la figlia maggiore, il Catalina insolubile, i pretendenti alla mano di bianco si riuniscono per trovare un uomo adatto per sposarlo con Catalina.
Finalmente si decide di essere Petruchio (ortografia inglese per dare la pronuncia italiana di Petruccio), nobile di Verona, perspicace e imperturbabile. Il Petruchio corti Catherine, Hortensio e Lucencio (figlio di Vicente, ricco mercante di Pisa), entrare a far parte del gruppo di amanti del bianchi, vengono introdotti nella sua casa travestito da insegnanti della fanciulla. Fra loro è banchettanti, servo di Lucencio, che è passata attraverso il proprio Lucencio.
Petruccio rende il taglio a Catalina, la conquista del titolo, fingendo che ritrovamenti sia più dolci e amichevoli più maltrattato; ottenere quindi portarlo all'altare e Catalina nel matrimonio, come in casa del suocero o sua cerimonia, sottoposto a umiliazioni e offese. Privano del cibo e del sonno, fingendo che gli alimenti non sono degni di esso e che il letto è fatto male; Ti impedisce di quella vista elegantemente, picchiando il sarto e il Cappellaio e rifiutando i loro ornamenti squisite; Lo costringe ad accettare e ripetere le sue affermazioni più assurde (ad esempio, che la luna è la luminosità del sole, che è la mattina quando è nel pomeriggio). Infine, tornare a casa di suo padre completamente addomesticato.

Petruchio (Richard Burton) fa chiusa fino a
Catalina (Elizabeth Taylor) nella versione
film di Franco Zeffirelli
Bianco viene conquistato da Lucencio, mentre il falso Lucencio, banchettanti, battere altri candidati davanti al padre di bianco ha promesso il più ricco arras e rendendoli sicuro con un pedante, fanno che, con il pretesto di un pericolo immaginario, Vicente vestiti. Quando si tratta il Vincent reale si verifica una serie drammaticamente grottesca di equivoci, che infine sono stati risolti felicemente. Hortensio è sposato con una vedova e, al banchetto finale delle coppie (Petruccio-Catalina, bianco-Lucrezio, Hortensio-vedova) i coniugi si impegnano che delle sue mogli sarà il più gestibile; Petruchio vince la scommessa. Il lavoro si conclude con un discorso sull'obbedienza dovuta mariti.
Strappato volgari motivi della commedia italiana del XVI secolo e, attraverso di essa, del Teatro latino, il lavoro aggiunge fresca invenzione di domare la bisbetica, in cui la misoginia medievale (Jean de Meung, Eustache Deschamps) è acuta nella caratterizzazione psicologica. La commedia, che in nessun punto acquisisce antidramatica verbosità del teatro italiano del XVI, ancora mantiene la sua freschezza ed è uno dei più frequentemente rappresentate opere di Shakespeare.
Farsa ben realizzato, è, tuttavia, più che una farsa, anche se avete i motivi che erano stati in grado di portare a sviluppi più complessi: come Sly, raccolte nel nostro tempo da Gerhard Hauptmann in Sehluck und Jau (1900) e Giovacehino Forzano in Sly. Ma il tema centrale, la sottomissione delle donne agli uomini, che sempre intrattengono il pubblico, eterno come i proverbi.

Recensione e sintesi di: Romeo e Giulietta

Scritta secondo alcuni nel 1591, questa tragedia in cinque atti, in versi e in prosa, di William Shakespeare, è stata pubblicata "in quarto" nel 1597, nel 1599, nel 1609 e altre data imprecisa e in "nel folio" nel 1623. Le relazioni tra i vari testi sono stati accuratamente studiate.
Il tema della "dead alive", per trovare la loro massima espressione in questo dramma (secondo studio, H. Hauvette, morte vivante), arriva a Shakespeare attraverso italiano, soprattutto attraverso l'opera di Matteo Bandello (1485-1561), riferito all'estero da Pierre Boisteau. La versione di quest'ultimo era a sua volta tradotta in inglese nel Palazzo del piacere di William Painter e liberamente interpretata da Arthur Brooke nel poema la tragica storia di Romeo e Giulietta, 1562, in cui Shakespeare è stato ispirato.
Un tentativo di stabilire una relazione tra il dramma di Shakespeare e altri derivati della stessa origine, il Lope de Vega (Castelvines e Wildcats) e Adriana (1578) di Luigi Groto, che contiene frasi e immagini che sono anche nel dramma di Shakespeare, ma che sono solo luoghi comuni di petrarquismo; Inoltre, entrambi drammi sono completamente diversi nel modo di trattare l'argomento e nello studio dei personaggi.
I Montecchi (Montecchi) e i Cappelletti (Capuleti), le due principali famiglie di Verona, sono il nemico. Romeo, figlio del vecchio Montecchi, partecipa a una festa a casa del Capulets mascherato e, se prima ho creduto nell'amore con Rosalina, ora rileva che la sua vera passione è Juliet. Dopo la festa, i giovani sono gonfie nell'amore reciproco. E, mentre sotto la finestra di Giulietta, Romeo sente confessare il suo amore per lui di notte e ottenuto il suo consenso a un matrimonio segreto.
Con l'aiuto di Friar Laurence si sono sposati il giorno successivo. Mercuzio, amico di Romeo, appena Tebaldo, nipote di Lady Capuleto, furioso per aver scoperto la presenza di Romeo alla festa; Mercurio e Tebaldo bisticciare. Romeo interviene, e la sfida di Tebaldo risponde con parole che sono nascondendo il nuovo collegamento di parentela e si rifiuta di combattere. Mercuzio è indignato da tale invio ed estrae la spada. Romeo tenta invano di separare i contendenti, ricevendo solo il dare occasione a Tebaldo ferita della morte di Mercuzio. Poi Romeo è trascinato per combattere e uccidere a Tebaldo.
Egli è condannato all'esilio, e il giorno successivo, dopo aver trascorso la notte con Giulietta, lascia Verona a Mantova, essendo chiamato da frate Lorenzo, che capisce che questo è il momento giusto per rendere pubblico il suo matrimonio. Juliet, costretta dal padre a sposare il conte Paris e consigliato di farlo con sua madre, che aveva favorito prima unione con Romeo, viene convinto da frate Lorenzo da quel consenso, ma bere alla vigilia delle nozze un narcotico che la farà apparire morta per quaranta ore. Il frate stesso si occuperà con avvertire Romeo, che rimuoverà dalla tomba al suo risveglio e condurla a Mantova.

Romeo e Giulietta (1968), di Franco Zeffirelli
Julieta mette in pratica il Consiglio. Ma il messaggio non raggiunge Romeo perché il Monaco che deve consegnarlo è arrestato il sospetto di infezione; d'altra parte avere la notizia della morte di Juliet. Acquista un potente veleno da un farmacista e va al sepolcro per vedere la sua amata per l'ultima volta; all'ingresso è Parigi e lo uccide in un duello. Quindi, Romeo, dopo aver baciato Giulietta Ultima beve il veleno. Juliet arriva e trova morti di Romeo, con la Coppa ancora in mano. Si rende conto di quello che è successo e pugnalata. Questa tragica morte è narrata da frate (che è arrivato troppo tardi per evitarlo) e la pagina del conte di Parigi. Nemico, toccato dalla catastrofe provocata dalla sua inimicizia, le teste delle due famiglie sono riconciliate.
Egli è stato avvertito molte volte dai critici si tratta non è una tragedia nel senso che sia le grandi tragedie di Shakespeare, poiché non scaturisce dal personaggio, ma che è a causa di una combinazione fortuita di circostanze esterne, a tal punto che potrebbe alterare l'esito del dramma nel XVIII secolo che lo rende felice. Tuttavia, la concezione di Shakespeare è tragica per le stesse immagini con quello opera, in loro Mostra la sua visione della storia di due amanti nella sua bellezza rapido e fatale, quasi come un fulmine, anche improvvisamente e spegnendo presto.
Questa concezione è proiettata su un fondo di "Italianizzato" artificiale, che è lo stesso come i primi drammi di Shakespeare (i due gentiluomini di Verona, opera di amore perduto). Tutti Teatro shakespeariano, Romeo e Giulietta è il più ricco di metafore lavoro; nelle parole di Romeo, ancor più che nei sonetti di Shakespeare, troviamo l'influenza di concetti convenzionali dei precursori del barocco. Ma artificialità, invece di essere solo una decorazione piacevole, come i drammi di John Lyly e Robert Greene, dà un accento più patetico di storia umana che ci circonda, e l'angoscia e la morte sono non meno reale e struggente si verificano in un esigente giardino italiano ed essere circondati da dolcezza.
Grande è la varietà delle note suonate in questo dramma, che riassume il periodo iniziale e anticipare la maturità di Shakespeare: artificiosa doganale, strano e runaway acuità, purezza di cuore, ardente fantasy, apoteosi dell'amore e suo sfarzo di funerale. Da questa miscela di elementi, il dramma affascinato i romantici, non solo a causa delle loro note più alte (ispirerà John Keats, cui Vigilia di Santa Inés è una variazione su un tema di questo dramma), ma anche da alcuni motivi macabri, come la scena del Pantheon (che possono influire su alcune storie fantastiche di Edgar Allan Poe) e il Parlamento di Giulietta nella prima scena dell'atto IV ("Dimmi che mi dove nasconde il nido del") barra del timone... "(, v. 79 y SS.), hanno suggerito molte situazioni di"romanzi neri"dalla fine del XVIII secolo, che sembra."
Il dramma è forse fra lo Shakespeare, il più diffuso e popolare, e imitazioni e le derivazioni in tutte le lingue, sono numerosi, anche se il valore di questi è spesso molto basso.

Panoramica e Riepilogo: sogno di una notte di mezza estate

Questa commedia in cinque atti in versi e in prosa di William Shakespeare è stato scritta nel 1595 e rappresentata intorno allo stesso tempo; in quarto nel 1600 e nel 1619 e Folio fu pubblicata l'anno 1623. Shakespeare sembra aver bevuto nelle più disparate fonti per questo dramma: la scoperta di stregoneria, Reginald Scot (fare 1538? - 1599) avrebbe potuto trovare notizie su Robin Goodfellow, mentre la storia della trasformazione in culo torna al asino d'oro di Apuleio, ma si potrebbe prendere da Chaucer o Plutarch.
Hermia, innamorata di Lisandro, rifiuta di sposare Demetrio, contravvenendo così il desiderio del Mar Egeo, suo padre. Demetrius, d'altra parte, è amato da un amico di Ermia, Elena, che ha lasciato per sposare Hermia. Secondo la legge ateniese, duca Theseus dà Hermia quattro giorni di tempo per obbedire alla volontà del padre, dopo di che ci sarà la morte.
Ermia e Lisandro sono d'accordo ad abbandonare Atene segretamente e sposare dove la legge non può raggiungerli. Hanno in programma di essere in una foresta a poche miglia dalla città. Hermia rivela il piano di Elena, che informa Demetrio. Demetrio continua a Ermia alla foresta ed Elena a Demetrio; modo che i quattro sono nel bosco, quella notte.
Oberon e Titania, re e Regina delle fate, che vivono nella foresta, hanno combattuto a causa di una pagina. Oberon chiede folletto Puck, simbolo di incostanza dell'amore, che vi assicureranno qualche fiore magico cui succo, versato negli occhi di Titania mentre dormi, farà che egli è caduta nell'amore con il primo è per coloro che vedono quando ti svegli. Oberon si sente nella foresta per colpa di Demetrio Elena si sta seguendo lui e desideroso di riconciliarli, alle sequenze di Puck che versare un po ' di quel filtro d'amore negli occhi di Demetrio quando Elena è accanto a lui.
Puck, prendendo a Lisandro da Demetrio, dà il filtro e come Elena è che la prima persona a Lisandro vede al risveglio, indirizzarvi parole d'amore; ma si può fare a irritare lei perché lei pensa che Lisandro lei schernisce. Oberon, scoperto l'errore di Puck, versare il succo in occhi di Demetrius, così che ora sono due che Elena Woo. Le due donne combattono come gli uomini si preparano a sfidare per Elena.
Nel frattempo, Oberon ha messo il filtro sulle palpebre di Titania, che, al momento del risveglio, appena il fondo Weaver con un asino invece la propria testa al suo fianco: infatti, fondo, con una società di artigiani ateniese, si trova nei boschi le prove di un dramma che deve rappresentare per celebrare il matrimonio del duca, e Puck ha messo la testa di un asino. Titania cade per lui quando lo vede di lui e requiebra per la sua bellezza. Oberon, che ha pietà di Titania, sorprenderli e dopo aver recuperato la pagina rapita, si strofina gli occhi della moglie con un'erba che liberò dall'incantesimo.
Puck, per ordine di Oberon, circonda gli amanti umani e riunisce loro: mentre dormono alcuni altri, stringe nella sua erba di occhi che il rollback il fascino, così svegliarsi ancora prima dell'amore. Teseo e Aegean; derivano i fuggitivi sono perdonati e le coppie sono sposate. Il dramma si conclude con una scena di Piramo e Tisbe recitata in modo grottesco di fondo e dei suoi compagni per il matrimonio di Teseo e Ippolita, Regina delle Amazzoni.
Varie discussioni del dramma (le nozze di Teseo e Ippolita, la disputa tra Oberon e Titania, la fuga dei quattro amanti, la rappresentazione degli artigiani) sono collegati come più agile in un sontuoso arazzo di colori vivaci su una priorità bassa della foresta magica. Il mondo classico e il mondo delle fate si fondono come un "trionfo" del tardo Rinascimento: nelle coppie Oberon – Titania è un riflesso della vecchia disputa tra Giove e Giunone, e quei due esseri sembrano partecipare alla serena bellezza degli dèi della Grecia, mentre Puck appartiene al mondo oscuro e mitico della superstizione Nordic.
La deliziosa leggerezza del mondo dei concerti Elfi con la vicenda umana; fino ai movimenti e le passioni degli innamorati sembrano svolgersi secondo arabeschi di sogno, prosperare in difficoltà assurda e dissipare in fascino come una danza astrusa ed elegante governata dai capricci dell'amore. Una metamorfosi allegra e assurda prende il sopravvento da umili artigiani, che non sono marginali fantoches nella casella, sono avvolti in una magica atmosfera stessa; e inferiore, con la testa di un asino e la grottesca rappresentazione di "Piramo e Tisbe", non sembrano in relazione con il mondo classico di Luciano e Ovidio come con le invenzioni uniche di fantasmi assurda di quel pittore chiamati Hieronymus Bosch. Il mondo fantastico delle allegorie del Rinascimento e il mondo amorevole dei romanzi cavallereschi con le loro sorgenti che illuminano o ghiaccio amore, ecco la sua espressione più perfetta e poetica.

Panoramica e Riepilogo: le allegre comari di Windsor

Questa commedia in cinque atti in prosa, con alcune parti in versi, di William Shakespeare, è stato scritto probabilmente al 1598, pubblicato nelle edizioni "in quarto" nel 1602, 1619 e 1630 e nell'edizione "Folio", nel 1623. Il testo di 1602 è incompleto.
Secondo una tradizione, l'opera fu scritta in quindici giorni su richiesta della Regina Elizabeth, che hanno voluto vedere sul palco per Falstaff in amore. Tuttavia, non sembra essere una mera improvvisazione, da Shakespeare ha usato una commedia già esistenti nel repertorio della sua società. È la commedia il geloso, rappresentato nel 1593 e basato su una narrazione italiana (il secondo dal primo libro di Il Pecorone), dove il motivo per l'amante nascosto in un pezzo di mobili, comune nel romanzo italiano, assume la forma di uomo "nascosto sotto una pila di panni sporchi".
In molti dei suoi personaggi hanno voluto vedere caricature di persone realmente esistenti. Così, i ritratti di giudice superficiale e stupido Abramo snello nipote potrebbe avere dal modello a Sir Thomas Luey de Charlecote, vicino a Stratford, che, si crede, avrebbe perseguito a Shakespeare quando era giovane da sono cacciate furtivamente sulle loro terre, la cui veridicità è discutibile.
La commedia è il link per due motivi: il Falstaff che corteggia due ricchi borghesi di Windsor che deridere lui e Anne Page, che i genitori vogliono sposarsi. Falstaff, mancando di denaro, decide di corteggiare le donne di Ford e Page, borghesi di Windsor, dal momento che governano il flusso dei loro mariti.
Falstaff invia lettere galanti identiche a due mogli, che decidono di vendicarsi su di lui. Da altra mano, Nym e pistola, i complici di Falstaff, despechados perché è stato rimosso, si prega di avvisare sui mariti. Pagina non è in movimento, e Ford è felice con la possibilità di catturare "in flagrante" sua moglie.
Falstaff è visitato da Lady rapidamente, servo del Dottore Cajus, responsabile per il ruolo del Partito parete di due signore; Questo assicura Falstaff che entrambe le donne non vogliono, ma per favore. Poi riceve una visita da Ford travestito con i vestiti del ruscello, che finge di essere pazzo amore di Mrs. Ford e Falstaff promette una splendida ricompensa se ti aiuta a conquistarla. Falstaff rivela che ha un appuntamento con la signora Ford e promesse poi assegnare il sito al ruscello. Durante la citazione finta Ford è presentato con una folla di amici a testimonianza l'adulterio e Falstaff a nasconderlo rapidamente e in esecuzione in un grande cestino di vestiti sporchi e quindi viene generata con tutti i vestiti nel limo del fiume.
In un secondo appuntamento Falstaff è vestita come una donna grassa e come tale fortemente battuto da Ford. Anche il marito geloso è preso in giro due volte, ma finalmente scoperto il complotto e dare un ultimo Falstaff citato nella foresta di Windsor, dove sostiene assalto che lui e pizzico in bundle e Pixies e finalmente che lui è smascherato da Ford e pagina.
La trama secondaria rappresenta il corteggiamento di Anne, figlia di pagina, da tre pretendenti, il dottore Caporaso, medico francese; Slender (un nome che potrebbe essere tradotto con "Emaciato" o "Enclenque"), nipote di bobo del giudice Shallow (il cui equivalente sarebbe "Light"); e Fenton, un giovane stravagante, amato da Anne. Madonna rapidamente (come si suol dire la signora "rapidamente e funzionante"), mediatore di marca tra i tre e li incoraggia allo stesso modo. Sir Hugh Evans, il prete gallese, si pronuncia a favore di Slender ed è sfidato da Caius, ma le ostilità sono ridotti che maltrattare la lingua inglese un gallese e francese.
L'ultimo appuntamento dato a Falstaff nella foresta, pagina, favorendo Slender, ha questo rapire sua figlia, che indosserà bianco, mentre la pagina di Lady, che protegge il dottore, ha sua figlia in vista del verde, e di essere rapita dalla. Ma quando arriva il momento i due pretendenti sono mani una dissimulata come un ragazzo, mentre la vera Anne è fuggito con Fenton, con cui egli sposerà.
Alcuni hanno voluto vedere in questa commedia una sorta di "fabliau" messo in scena con tutte le caratteristiche di quel genere un po' Shyamalan: ritratti realistici, modi goffi, mancanza di rispetto per il matrimonio, piacere Borghese a maltrattare un patrizio di donnaiolo... Forse perché questi elementi più continentali che inglese e soprattutto con il fondamento di tema sensuale e la caricatura del cornuto, questa commedia ha fatto non molto difficile situazione tra i critici inglesi del XIX secolo; Mentre nelle nostre scene, sviluppando temi brillante del romanzo italiano, è divertente e facile manutenzione. Abile gioco, soffre tuttavia la sua composizione frettolosa, spesso compensata con una brillantezza straordinaria.

Panoramica e Riepilogo: è bene quel che finisce bene

Questa commedia in cinque atti in versi e in prosa, tradotto anche come successo che non non c'è nessun principio cattivo, probabilmente è stato scritto al 1602-1603. Secondo altri, che prendono in considerazione le disuguaglianze del testo, ha avuto una prima bozza durante la gioventù di Shakespeare, nel periodo 1590-1594 e, dieci anni più tardi, fu rimesso in produzione dallo stesso autore con l'aiuto di un collaboratore. È stato pubblicato nella infolio 1623.
Non non c'è nessuna notizia che è stata eseguita prima del mese di marzo 1714, durante un tour per il fervore delle commedie di Shakespeare, o che ha avuto fortuna sulla scena. La trama è preso dal cartone animato nono della terza giornata del Decameron di Giovanni Boccaccio, tradotta nel Palazzo del piacere di William Painter (I. 38). È che la storia ben nota di Giletta di Narbona guarisce il re di Francia di una fistola che chiede il marito a Beltrán de el Rosellón.
Beltran, giovane conte di Rossiglione, è chiamato la Corte del re di Francia in seguito alla morte di suo padre, e foglie nel castello ereditato sua madre ed Elena, figlia del famoso medico Gerardo de Narbonne, che è stato educato a scapito del vecchio conte. Il re di Francia (Carlos V, nome non citato nel dramma di Shakespeare) è malato con fistola incurabile. Elena, che è innamorato di Beltran e ti ama, concepito l'audace piano di trasferirsi a Parigi e cercare di curare il re per mezzo di una ricetta che suo padre lo ha lasciato. La madre di Beltran, che ha scoperto di Elena amore per suo figlio, secunda il tuo progetto.
La guarigione va bene ed Elena ottenere come ricompensa dal re a scegliere un marito tra i signori della Corte; Così sia la vostra scelta in Beltran, che, anche se irritato da dover sposare una donna di rango inferiore, è la fretta di obbedire all'ordine del re. Ma, in parte istigato da spaccone Parolles, Beltran è pronto immediatamente al servizio del duca di Firenze nella guerra contro Siena e scrive a Elena pensano di non considerarlo suo marito mentre non è riuscito a ottenere l'anello che porta al dito, e non ha alcuna intenzione di liberarsi mai, e fino a quando avete un bambino del , ma non ha alcuna intenzione di condividere il suo letto.
Elena, vestita di Pellegrino si reca a Firenze e rileva che Beltran è innamorato di Diana, figlia della schiera di pellegrini. Diana, tuttavia, rifiuta le loro proposte. Elena è dato di conoscere la ragazza e sua madre come la moglie di Beltran e ottiene, promettendo di indirizzare una dote, che lei ha finto di accettare un accordo dell'amante di dargli l'anello; poi, quando è necessario verificare l'appuntamento, Elena sostituirà Diana.
Poco dopo, diffondere la notizia della morte di Elena, e dopo aver terminato la campagna che è distinta straordinariamente, Beltran tornò a Roussillon. Nel frattempo il suo amico Parolles è stato smascherato come un atroce e vile traditore. Nel Castello di Roussillon è il re, vedendo in anello di punta Beltran che egli stesso aveva dato Elena, e che lei non stava diffondendo piuttosto che per inviarlo su richiesta per assistenza in caso di bisogno, si sospetta che Beltran ha fatto sparire a sua moglie. Diana è presentata con un appello, accusando Beltran di aver sedotto e dicendo che è stato costretto a dare l'anello a Beltran. L'enigma è finalmente risolto con l'aspetto di Elena, che, mostrando Beltran un altro anello che aveva creduto di dare a Diana, ed essendo stato incinta da esso, è infine ricevuto come una moglie del marito pentito e perdonato dal re.
Non possiamo dire che racconto ben tracciato di Boccaccio fuori migliorato nel dramma shakespeariano; Forse per fornire una carta lucida per un attore comico, Shakespeare ha introdotto gli episodi relativi a Parolles, che ha probabilmente messo a galla il dramma con pregiudizio per la trama principale. Ma tali episodi sono una parte essenziale dell'atmosfera del dramma, allo stesso modo come linguaggio di bordello e il cecchinaggio velenoso da Lucio sono inseparabili da misura per misura, commedia amara che ha stretta affinità con è bene quel che finisce bene.
Elena ha un po ' di Isabel (soprattutto nei suoi discorsi per convincere il re dell'efficacia della cura) e un po' di Mariana in misura per misura. Il risultato nell'ultimo atto passa attraverso fasi abbastanza simili in drammi e la somiglianza di stile, di dialogo, di generale pessimista colorato, invito a sostenere che è bene quel che finisce bene è un gemello di misura per misura, ma non così vitale. Dei due personaggi principali, Elena può sembrare ambiguo e odioso Beltran; più nobiliare sono il re e la Contessa, ma secondaria; il giullare Lavache è sciolto, e solo Parolles può spostare noi a ridere, ma come in una farsa amara, senza simpatia umana che suscita in noi un bluffer come Falstaff.
Ma soprattutto egli non ci dramma come Elena, aborrita da Beltran, realizzata all'ultimo fatto l'amore: conclusione, quest'ultimo, che dovrebbero essere controllati se davvero tutto "deve finire bene". La mancanza di giustificazione psicologica è completata da caso prodigioso, da abile record con cui Elena arriva per soddisfare le due condizioni posizionate di Beltran, anche se questo record funziona così troppo meccaniche per produrre convinzioni. Visto anche in che cosa Beltran essere un marito auspicabile, a meno che dalla loro posizione sociale forte.

Panoramica e Riepilogo: Julius Caesar

Questa tragedia in cinque atti, in versi e in prosa, di William Shakespeare è stato probabilmente scritto nel 1599, pubblicato nello stesso anno e pubblicato "in folio" nel 1623. Le sue fonti sono le vite di gross, César Antonio delle vite parallele di Plutarco, nella traduzione inglese di sir Thomas North (1579), spesso seguita da Shakespeare letteralmente. Alcuni passaggi sono stati confrontati con la Pharsalia di Lucano, con le epistole di Cicerone, con la storia naturale di Plinio, con guerre civili con la storia romana di Dión Casio, con le vite dei dodici Cesari di Svetonio, Appiano ed El César de Pescetti, ma noi non possiamo dire ciò che Shakespeare ha preso direttamente da queste fonti , poiché altri drammi inglesi precedenti sullo stesso argomento sono state persi.
Le ambizioni di Julio César provocano una cospirazione tra i fautori della libertà romana, soprattutto Casio e Casca, che convincere lordo. Di lordo odia Cesare ambizioni, ma non a stesso Cesare, così tutte le sue prestazioni sono accompagnata da disgusto per l'atto che deve essere. Lordo difende l'insistenza della moglie Porcia, che vuole scoprire il suo segreto, mentre la moglie di Cesare, Calpurnia, consigliato da un sogno, supplica con Cesare di non andare al Campidoglio alle Idi di marzo. Ma uno dei cospiratori, Decio, lo convince.
Il sofista Artemidoro non riesce nel suo sforzo per evitare che lui e Cesare viene assassinato. Conjurés fanno gridare per la città: "libertà e indipendenza!", credendo che la gente con loro, ma Antonio, con un abile elogio sopra il corpo di Cesare, sollevata al villaggio, mentre forzata discorso ruvido lascia freddo massa. L'insurrezione costringe a fuggire verso i cospiratori; forme del governo dei triumviri, Antonio, Ottaviano e Lepido, mobilitati contro l'esercito di Bruto e Cassio.

Contro il cadavere di Cesare, Mark Antony
(Marlon Brando) incita il popolo alla ribellione, in
eccellente film di Mankiewicz (1953)
Alla vigilia della riunione i due amici hanno un alterco, ma più tardi riconciliata e lordo Casio dà la notizia della morte di Portia. Questo cosiddetto "dialogo di Rivoltella" ("colloquio di mezza spada") fu una delle scene più ammirate di Shakespeare Theatre dai suoi contemporanei. Lo spettro di Cesare appare a Bruto. Sulla pianura di Filippi, Brutus battere le forze di Octavio, mentre Casio è battuto da Antonio. Credendo che anche lordo è stato sconfitto, Casio si suicida; il fedele Titinio segue suo piombo. Nella seconda battaglia, Brutus, scoraggiato dalla morte di Casio, è sconfitto ed inoltre viene ucciso.
Il problema dell'interpretazione di questo dramma, che prelude il periodo delle grandi tragedie di Shakespeare, è complicato dalla confusione che esiste tra la funzione drammatica della scena centrale (la morte di Cesare) e l'obiettivo vero e proprio tragico. La maggior parte dei critici, basata sul fatto che la morte di César accade in uno stato precoce di azione, negare che questo è il protagonista della tragedia e sostengono che questa qualità è agitata. Inoltre, essi riconoscono che lo spirito di César domina tutta la tragedia, dopo la sua morte, e il suo nome è sulle labbra di Casio e lordo quando commettono suicidio.
A prima vista può sembrare che il vero protagonista è lordo, tanto più che, alla fine del dramma, questo è ricordato da Antonio con parole applicabili, per analogia, allo stesso Shakespeare: "questo è stato il più nobile tra tutti i Romani... La sua vita era delicato; "e gli elementi così eterogenei in lui, che la natura potrebbe alzarsi e gridare al mondo intero: questo era un uomo". Ma lordo, nel primo atto, occupa una posizione secondaria per quanto riguarda Casio; nel terzo, la sua personalità è supportata da Antonio; e solo in atti IV e V gioca un ruolo drammatico di primo piano.
Per risolvere il problema, alcuni hanno pensato che il vero protagonista è l'idea incarnata da Cesar, il cesarismo, l'autoritario ideale, che l'antagonista sarebbe l'idea repubblicana rappresentata dai sostenitori della libertà di Roma antica. Per gli altri, alla fine, tutte le disquisizioni sui veri protagonisti sono vane, considerando come i destini di Cesare e Bruto, in modo tale che Brutus (atto IV, scena 3) sono legati indissolubilmente gli appare il tuo destino, il tuo demone con il volto di Cesare.
La tragedia, con un ritmo avvincente, è governata da un feroce nemesi: la prima parte culmina con la morte di Cesare, la seconda nel suicidio dei matadors. Nel mezzo c'è una pausa, l'incontro dei triumviri che sezioni del tragico tumulto, guardare freddamente, calcolando i suoi vantaggi pratici. L'elemento comico è quasi assente da questo dramma romano, come pure di Coriolano; Se ci sono risate, è una risata amara per la sorte del poeta Cinna, ucciso dall'ingegno e la semplicità della folla, facilmente conquistata dalle risorse retoriche sfacciate della preghiera di Antonio.

Panoramica e Riepilogo: Hamlet

Scritto e pubblicato intorno 1600-1601, questa tragedia in cinque atti in versi e in prosa di William Shakespeare è giunto fino a noi nelle varie redazioni: la "camera" del 1603, o primo "quarto"; la "camera" del 1604, o seconda "camera"; il "infolio" del 1623. La seconda "camera" rappresenterebbe il testo originale del dramma, che derivarono altri testi in misura maggiore o minore.
La storia di Amleto è stata raccontata da Saxo Grammaticus nelle Gesta dei danesi (libri III e IV, chaps. 86-106), dall'inizio del XIII secolo. Raggiunto Shakespeare attraverso il Histoires Tragiques di f. de Belleforest e un dramma perduto, che probabilmente apparve sulla scena nel 1587 o 1589. Ci sono alcune importanti differenze tra il racconto di Belleforest e dramma shakespeariano: nella storia del francese, frazione sa fin dall'inizio come suo padre, morto così sua finta follia ha una giustificazione meravigliosa; d'altra parte, egli non muore nel compimento della sua vendetta ed è in grado di agire con forza al momento giusto.
Immaginate che alcuni dei nuovi elementi introdotti dalla tragedia preshakesperiana, designata dai critici, con il tedesco prefisso Ur-piccolo villaggio, o "primitivo borgo": così la morte del protagonista, lo spettro del padre, la scena del dramma all'interno il dramma e il duello finale con Laerte, elementi che fanno pensare a Thomas Kyd (1558-1594) come autore. Probabilmente nella preshakesperiana tragedia Amleto era un vendicatore aggressivo, ma per regolare di nuovo in scena la tragedia antica, Shakespeare ha dato il protagonista il carattere malinconico, che è diventato di moda nel XVII secolo, per giustificare il ritardo della vendetta; Così il centro del dramma trasferito dagli intrighi delle reazioni di Claudio nello spirito della frazione "malinconia" e pessimista.
Nella tragedia di Shakespeare, il re di Danimarca è stato assassinato da suo fratello Claudio, che ha usurpato il trono ed è stato sposato, senza rispettare le usanze, con la vedova dei morti, Gertrude. Lo spettro del padre sembra Amleto nella parete del Castello di Elsinore, preoccupazioni le circostanze del crimine e chiamate per vendetta. Amleto promette di obbedire, ma sua malinconica natura lo rende titubante e lo costringe a rinviare l'azione; Nel frattempo si finge pazzo per evitare il sospetto che minaccia la vita del re. Si ritiene che esso ha turbato la sua mente l'amore di Ofelia, figlia di Polonio Chamberlain, che, dopo aver corteggiato in precedenza, ora è con crudeltà.

Lawrence Olivier in Amleto (1948)
Frazione controlla l'account dello spettro, rendendo rappresentano un dramma (l'omicidio di Gonzago), che riproduce le circostanze del reato, davanti al re e il re non sa dominare la sua agitazione. In una scena in cui grida contro sua madre, Amleto è che il re è in ascolto dietro una tenda ed estrae la spada, ma invece uccide Polonio. Il re, ha deciso di far sparire Amleto, inviato in Inghilterra con Rosencrantz e Guildenstern, ma pirati catturando Amleto e tornò in Danimarca.
Il ritrovamento di arrivo che Ophelia, dolore pazzesco, è annegato. Il fratello della ragazza, Laerte, è tornato per vendicare la morte del padre Polonio. Il re, a quanto pare, vuole placare li e conduce a Amleto e Laerte per competere, non in un duello, ma in un gioco di braccia che sigillano il perdono; ma dare Laerte una spada con la punta e avvelenato. Amleto è trafitto, ma prima che morisse fatalmente ferisce Laerte e uccidere il re, mentre Gertrude beve il calice avvelenato al figlio. Il dramma si conclude con l'arrivo del puro Fortebraccio, Principe di Norvegia, che diventa il sovrano del Regno.
Le famose scene, anche quello del monologo da Amleto (atto III, SC. 1) che inizia con il famoso versetto "essere o non per essere, qui è il problema" ("essere o non essere: questa è la domanda"), o quella del cimitero, dove Amleto fa Yorick, il re considerazioni testa giullare. La prova di Amleto, nella maggior parte dei critici, è ridotto a un giudizio sul carattere del protagonista, espressamente progettato come vivere una vita propria ed esterni al dramma. A questo punto di vista della critica è stata seguita dagli autori che sacrificano tutto il dramma, taglio senza preoccupazione, il personaggio di Amleto a rappresentarla, scene da quel punto di vista considerato secondario.
Ma il processo di Amleto è estremamente difficile a causa di una serie di problemi che non sono inattivi divagazioni: sarebbe, per esempio, Claudio non interrotto il dramma di Gonzago che riproduce le circostanze della sua offesa, visualizzazione singola della pantomima che precede la recitazione degli attori? Perché Amleto usato con insistenza con linguaggio osceno ed offensivo Ofelia? A tali domande, critici che sono collocati in un punto di vista strettamente storico contatore sostenendo frequentano incoerenze dei drammi dell'epoca: Granville-Barker arriva a dire che "intrigo, come tali intrighi, è stata sviluppata con scandalosa incompetenza". Altri critici sostengono che gran parte dello sviluppo è stata persa e che il vero problema di Amleto sarebbe quella di provare a ricostruirlo.

Solo Kenneth Branagh ha portato per filmare l'intera opera
in Hamlet (1996), un film di quattro ore di durata
Così, mentre critica psicologica spiega l'atteggiamento di Amleto Ophelia come risultato la nausea causata sessuale nel Principe di comportamento materno, storici critici relativi all'intervento di Ophelia nel dramma originale, dove, come nella storia di Belleforest, sarebbe solo uno strumento di zio di Amleto per sedurre il principe. E lingua che Amleto USA con esso è precisamente quello che sarebbe stato portato a tale strumento, anche se Ofelia non è una cosa del genere nel dramma di Shakespeare. Amleto avrebbe potuto immaginare che così hanno sentito le parole di Polonio al re nella seconda scena del secondo atto, versetto 162 e GIS: "In un momento così potrai perdere mia figlia a lui" ("poi castigare voi mia figlia"); dove "sciolti" implica non solo che il polonio, che finora ha proibito Ofelia che comunica con Amleto, lascerà libero, ma contiene un'allusione al comune di cavalli e bovini (a cui il isabelists usato il verbo).
Certo che Amleto, successive (V. 174), chiama Polonio "pescivendolo" (pescivendolo), un epiteto che è stato dato per i ruffiani e confronta la sua figlia con un "carrion di carne" (carogne, ma anche, in prostituta elisabettiana, slang). C'è, pertanto, di immaginare, di spiegare l'atteggiamento di Amleto a Ofelia, che sinistramente interpretata la sua condotta alla luce delle parole di polonio, sorpreso da essa; Si segue, poi, come dice Dover Wilson, cosa mettere in quella scena l'annotazione "entra il borgo".
Nota di cuore della tragedia è certamente quello della frase "la tinta nativa della risoluzione è sicklied o ' er con il cast pallido del pensiero" ("il colore naturale della risoluzione si ammala con la pallida tinta del pensiero", III, 1, 85). Contrasto con Amleto, che incarna quell'atteggiamento che è stato definito come una malattia della volontà, Fortebraccio e Laerte, uomini d'azione. Le alternative di frenesia e apparente apatia del personaggio centrale indicano il ritmo di tutta la tragedia, ritmo sia febbrile, con suoi parossismi e le loro sofferenze, che dà il dramma suo fascino indistinto, così difficile da analizzare, ma sempre sentiti dal pubblico, anche nelle riduzioni e le deformazioni subite dalle scene del suddette.

Panoramica e Riepilogo: Otello, il Moro di Venezia

Scritto al 1604 e rappresentata probabilmente nello stesso anno, questa tragedia in cinque atti, in versi e in prosa, di William Shakespeare pubblicato quarto nel 1622, Folio nel 1623 e nuovamente nel quarto nel 1630 e nel 1655. Il testo della prima edizione in camera presenta differenze significative con il 1623, alla fine che era giustificato l'ipotesi che i redattori utilizzati diversi manoscritti; per questo motivo il testo è impostato tenendo conto di entrambe le edizioni.
L'origine di questo lavoro è il settimo romanzo nella terza decade di Hecatomitos di Giovan Battista Giraldi Cintio, con la differenza che il capitano di Moor ed Ensign mancano nome in Giraldi. È stato rilasciato un'ipotesi identificando il Moro con il patrizio Cristoforo Moro, che era tenente a Cipro, nel 1508, e chi ha perso sua moglie nel viaggio di ritorno a Venezia; altri autori ritengono che è "Capitano Moro" (in realtà un sud italiana) Francesco da Sessa, che è stato condannato alla forca dai rettori di Cipro, 1544 tardi o inizio del prossimo anno, a Venezia, per un crimine non specificato. Non è noto con certezza se Shakespeare ha usato l'originale traduzione italiana o francese di Gabriel Chappuys, pubblicata a Parigi nel 1584.
Il Moro Otello, generale al servizio di Venezia, ha vinto l'amore di Desdemona, figlia di Brabantio il senatore veneziano, raccontando le loro gesta e i pericoli che è accaduto; e poi ha sposato lei. Perché Brabantio lo accusa di Dux hanno incantato e rapito sua figlia. Ma Otello spiega come lealmente conquistato il cuore di Desdemona, e questo conferma la sua storia.
Nel frattempo arriva la notizia che un attacco dei turchi contro Cipro è imminente e chiede la collaborazione di Othello di rifiutarli. Brabantio, dà a malincuore, la figlia di moro, che immediatamente si trasferì con lei a Cipro. Ensign Yago, che è stato sostituito nel ruolo del tenente da Casio, sentire un odio profondo di Otello; Yago ha sentito voci che il moro ha giaciuto con Emilia, sua moglie e la cameriera di Desdemona.
Inizialmente, Yago riesce a screditare a Casio in Othello, rendendo Casio è ubriaco e turbato la pace pubblica. Consente di Rodrigo, che ama, senza essere ricambiato, a Desdemona. Casio, privato della sua laurea, è indotta da Yago Perciò pregare a Desdemona che interceda per conto suo; Yago simultaneamente dà luogo a in vena di Otello il sospetto che sua moglie barare su di lui con il tenente sfortunato.

Orson Welles nel suo Otello (1952)
L'intercessione di Desdemona per Casio sembra confermare i loro sospetti e crea nella gelosia furiosa di moro. Yago riesce a fare un fazzoletto che Otello aveva dato Desdemona come un capo prezioso (tessuto raccolto da Emilia quando sua moglie aveva perduto) è trovato in possesso di un Casio. Otello, accecato dalla gelosia, soffoca Desdemona sul letto di morte.
Più tardi, Casio, che Rodrigo ha dovuto uccidere istigazione di Yago, viene trovato ferito. Ma Rodrigo, ferito da Yago per evitare che il loro piano viene scoperto, sono lettere che dimostrano la colpevolezza di Yago e l'innocenza di Casio. Othello, colpito dalla scoperta di aver stato ucciso dalla moglie innocente e dopo aver trovato, al momento del crollo del loro mondo, prontezza di riflessi, stoicamente ucciso per punire se stesso.
Questa tragedia, che ha come tema dominante sono gelosia, è così abilmente costruito e quindi strappando l'attenzione che, a meno che un esame approfondito e freddo, non si nota l'improbabilità di molti elementi, le contraddizioni nella psicologia dei vari personaggi e un'incoerenza incurabile della durata dell'azione.
I critici hanno cercato di risolvere le varie difficoltà che presenta il dramma. Il più grave dei quali è la durata dell'azione: poiché l'atterraggio di Desdemona e Otello a Cipro fino a quando la catastrofe finale prende solo trentasei ore; d'altra parte, molte circostanze richiedono che l'azione ha uno sviluppo più lungo e dura almeno alcune settimane.
Tentò di riconciliare questa apparente incoerenza in vari modi, ad esempio, supponendo che l'accusa di Yago contro Desdemona si riferisce a un tempo prima di arrivare a Cipro, dal durante il soggiorno a Cipro non ci sarebbe stato materialmente tempo per quelle presunte storie d'amore. Ma questa spiegazione si opporrebbero cosa Yago dice Desdemona; Quindi, nel terzo l'infedeltà di Act (3.230 segg.) Desdemona è attribuita ad un periodo successivo la passione che sentiva verso il Moro che durava fino a poco prima. Pertanto, secondo le parole di Yago, infedeltà avrebbe avuto luogo una volta.
Contraddizioni sono apprezzati anche nel personaggio di Othello. D'altra parte, Desdemona sembra troppo ottuso per non rendersi conto che Otello è geloso, quando Casio raccomanda che, al momento meno opportuno. Più tardi, quando già ha realizzato di gelosia che suo marito, si sente non è scoprire il motivo e immediatamente hanno una spiegazione con esso. Anche gli altri personaggi possono sembrare ingenuo per essere ingannati da Yago.
Ma le confusioni e contraddizioni nella psicologia dei personaggi, così come soluzioni di continuità tra i suoi personaggi e il modo che si deve agire, erano all'ordine del giorno in elisabetiano il teatro, che vantava effetti prospettici che inevitabilmente coinvolgono deformazioni che non potevano essere visto nella rappresentazione. E proprio in questo aspetto questo dramma di Shakespeare è forse uno dei più lucidi e classici dell'autore, che spiega il suo successo sul continente. Zaira, di Voltaire, in cui il carattere Orosmane è modellato di Otello, è il primo adattamento francese del dramma shakespeariano.
Tragedia del sud dalla passione che è il tuo argomento (a meno che questo è perché finta, come ha fatto Schlegel, vedere un tentativo di studio culturali e ambientali, che Otello sarebbe la tragedia del barbaro mal assimilato nel dramma), che spesso è stato rappresentato in Italia, dando luogo a interpretazioni famose. D'altra parte, alla mentalità inglese e puritano, l'argomento è sempre sembrato piuttosto repellente, e per questo motivo, negli ultimi tempi, il pubblico restò con interpretazione morbosa attenzione quel personaggio Paul Robeson nero. È una tragedia che è urgente e che non dà alcuna tregua; un fatto di cronaca nera che circonda di Shakespeare con la ricchezza della sottigliezza verbale e concettuale di un cinquecentesco.

Panoramica e Riepilogo: Re Lear

Scritto nel 1605-1606 e rappresentato nel 1606, questa tragedia in cinque atti in versi e in prosa di William Shakespeare è stata pubblicata nel 1608 (prima di quarto con il titolo la vera cronaca della vita e della morte di Re Lear e tre figlie), nel 1619 (secondo trimestre), nel 1623 (in folio) e 1655 (terzo trimestre).
La storia di Lear e le sue figlie, una delle questioni che più hanno turbato gli studiosi di tradizioni popolari, è in Goffredo di Monmouth (Historia Regum Britanniae, opera composta al 1140), Holinshed (cronaca) e un contributo di John Higgins (1574) per lo specchio per magistrati (lavorare nel quale, seguendo il modello della caduta dei principi di John Lydgate, che a sua volta imitato le disavventure di Boccaccio, uomini illustri, di solito appartenenti a Inghilterra, raccontano loro caduta). È anche nella Regina delle fate, Edmund Spenser (lib. II, canto 10, st. (27-32). Shakespeare ha usato un dramma precedente, Lear. La leggenda del Re Lear ha terreni comuni con la Cenerentola: Cordelia, figlia della figura di Re Lear, è una delle molte incarnazioni del tipo di virtuosa ragazza perseguito.
La tragedia si svolgono in parallele due azioni molto simili in generale (alcune hanno un'analogia con la storia del Dirghatamas in Mahebheratae Yayetis stato osservato). Il primo e più importante è la storia di Lear e tre figlie; la seconda mira a eventi di Gloucester e i suoi due figli.
Lear, re di Bretagna, vecchio autoritario e mal consigliato, ha tre figlie: Goneril, moglie del Duca d'Albania; Regan, moglie del duca di Cornuailles e Cordelia, cui mano aspirano il re di Francia e il duca di Borgogna. Con l'intenzione di dividere il suo regno fra le tre figlie secondo l'affetto che provano per lui, Lear chiedere a ogni uno come vuoi tu. Goneril e Regan fanno proteste di affetto sincero, e ognuno riceve un terzo del Regno. Cordelia, modesta e dignitosa, dice che ti ama come dovere di manda. Arrabbiato di questa risposta, il re si divide da parte sua del Regno tra le altre sorelle, con la condizione che egli, con un centinaio di cavalieri, mantenuto da uno di loro si trasforma.
Rimosso il duca di Borgogna, re di Francia accetta Cordelia senza dote. Il conte di Kent, che è messo dal lato di Cordelia, è bandito, ma ancora il re sotto gli indumenti falsi. Goneril e Regan, appena in possesso di potenza, smascherare gli spiriti maligni, mancano il patto stipulato dal padre negato la scorta dei Cavalieri e quando rifiuta sdegnosamente la loro ospitalità odioso, lasciarvi che vaga per il campo durante la tempesta. La pietà di tatto del conte di Gloucester del vecchio re di una denuncia del figlio illegittimo Edmund, è sospettato di complicità con i francesi che sbarcarono in Inghilterra per volere di Cordelia, e si è fatto cieco da duca di Cornuailles.
Prima di tentare di rovinare il suo padre, Edmund aveva calunniato davanti a lui a suo fratello, il legittimo Edgard, costringendolo a fuggire dall'ira di suo padre. Che masquerading come un mendicante pazzo, Edgard è ridotto a vivere in un cottage in campagna, e precisamente in cabina che cercano rifugio, durante la tempesta, Lear insieme buffone di corte e il Kent leale. Lear, ridotto al livello di un semplice vagabondo, si sente per la prima volta nel suo cuore l'angoscia della sofferenza umana; il test è troppo ruvido e perde la ragione. Porta di Kent lui a Dover e là Cordelia lo riceve con affetto.

Telaio in Ran (1985), da Akira
Kurosawa, basato su Re Lear
Nel frattempo, Goneril e Regan si sono innamorati entrambi di Edmund, che divenne conte di Gloucester. Gonerilla, rimuovere nel mezzo il rivale, che, essendo rimasta vedova, vuole sposare Edmund, veleni ma l'intenzione di liberarsi del marito viene scoperto da una lettera, e Gonerilla rimosso vita. Edmund, accusato di tradimento, viene ucciso da Edgar in un giudizio di Dio; ma, vincitore dei francesi, aveva già dato ordine di appendere a Cordelia, fatto prigioniero insieme a suo padre; troppo tardi, morendo, rivela il suo ordine feroce.
Lear, che ha sognato di essere sempre accanto a sua figlia e pertanto si trovava rassegnazione prigione, sembra che essi si strangolare nei propri occhi e morire di dolore. Il Duca d'Albania, che non aveva approvato il modo come suo padre Gonerilla, succede nel Regno. Edward, che, senza essere riconosciuto, era diventato vist-occhio del padre cieco e parla a lui rimosso dalla mente l'idea del suicidio, viene ripristinato il titolo e la lode.
Il dramma, uno dei più potenti di Shakespeare, parte dello schema quasi astratto di una fiaba allegorica nelle profondità più recenti delle azioni umane e dei sentimenti. Nella prima scena della divisione del Regno, i personaggi sembrano quelli di una medievale "moralità"; non meno lineare e semplicistica può sembrare il modo che Edward è tradito da suo fratello. Ma che cosa può sembrare come paradigma sulla premessa utilizzata in sviluppo correndo disperatamente la bontà del problema mondiale, perché anche se i malvagi non riescono alla fine del dramma, la bontà è caduto prima vittima dei suoi intrighi, affinché la morale unica che può essere rimosso (se si può trovare qualsiasi) è forse contenuta nelle parole di Edward al padre cieco e disperato : "Gli uomini devono avere pazienza per uscire da questo mondo, in modo da entrare: tutto è di essere maturo".
Immagine di questo triste mondo è la tempesta che troneggia al centro del dramma, trascinando a Lear, che, con i loro errori e passioni, assume un significato simbolico: è l'intera umanità che, per bocca del re folle, sono disperati in mezzo alla tempesta, mentre la sua follia crescente a causa della crudeltà degli uomini e degli elementi è più tragica in contrasto con l'abbigliamento grottesco che accetta la verità nelle parole del giullare e con la follia simulata di Edgard che finge di essere ossessionato. Come noto Schlegel: "Nello stesso modo che nel Macbeth Shakespeare ha terrore verso l'alto, sembra che in Re Lear esaurito le fonti della pietà".

Panoramica e Riepilogo: Macbeth

Questa tragedia in cinque atti, in versi e in prosa, di William Shakespeare è stato scritta probabilmente tra il 1605 ed il 1606, prima eseguita nel 1606 e stampata nell'edizione del 1623 infolio. Il testo è insoddisfacente dalla prova di ritocco che sembra presentare; probabilmente ci sono tagli e interpolazioni. L'origine del lavoro è la cronaca di Holinshed, che per gli eventi in Scozia si basa sulla versione inglese fatta da John Bellenden di Héctor Bocce Scotorum Historiae (1527).
Macbeth e Banco (Banquo) Generale Duncan, re di Scozia. Di ritorno da una vittoriosa campagna contro i ribelli, sono in una pianura tre streghe che profetizzano che Macbeth sarà "thane" (titolo nobiliare scozzese simile al "Barone", che indica ai compagni del re) di Cawdor e poi re e che banca generare re, anche se esso non intende esserlo. Subito dopo arriva la notizia che Macbeth è stato nominato Barone Cawdor.
Tentati dal parziale adempimento della profezia e da lady Macbeth, che eccita l'ambizione, "il latte dell'umana bontà", Macbeth uccide Duncan, alloggiato nel suo castello, essiccamento durante il sonno, ma poi è preda ai rimorsi. Figli di Duncan, Malcolm e Donalbain, fuggire, e Macbeth grippa la corona. Ma c'è ancora un ostacolo di Macbeth: le streghe avevano profetizzato che il Regno sarebbe andato alla dinastia di banca, quindi Macbeth decide di sbarazzarsi di lui e suo figlio Fleanzio, ma riesce a fuggire.

Orson Welles nel suo impressionante
versione di Macbeth (1948)
Ossessionato dallo spettro della banca, che gli appare durante un banchetto, Macbeth consulting le streghe che vi dicono che si salva da Macduff, Barone di Fife; Nessuno Nato da donna può fare del male a Macbeth; e che sarà superata solo quando la foresta di Brinam va a Dusinane.
Sapendo che Macduff ha aderito con Malcolm, che sta reclutando un esercito in Inghilterra, Macbeth omicidio signora Macduff e i suoi figli. Lady Macbeth, che aveva lasciato cadere il pugnale mano cercando di, prima di suo marito, uccidere Duncan e vedere in esso per un momento il proprio padre, perde la ragione e tenta invano di scomparire dalle loro mani la visione del sangue; Infine muore.
Macduff e Malcolm esercito attacca il Castello di Macbeth: passando attraverso la foresta di Birnam ogni soldato tagliata un ramo e dietro questa cortina di fogliame si muovono contro Dusinane. Macduff, prelevati dal grembo materno prima del tempo, dà la morte di Macbeth. La profezia si è adempiuta e Malcolm sale al trono.
Il dramma è in parte un atto di omaggio a Jacobo I (numerazione dei re scozzesi in atto IV, Scena 1 e altri dettagli). Le tragedie di Shakespeare, Macbeth è, senza dubbio, il più vigoroso. A. W. Schlegel ha detto, così dopo l' Orestea di Eschilo, "poesia tragica non aveva prodotto niente di più grandioso e più terribile".
Un'atmosfera arrabbiata governa il dramma da primi versetti per il compimento della profezia: l'incantesimo infernale che rivela il guerriero vittorioso e ambizioso attraverso la profezia delle streghe e aspirazioni non confessate, chiudere sulla rete inevitabile. Il guerriero soccombe alla tentazione, ma ancora è lacerato e conserva tracce della sua nobiltà presto in mezzo a tutti gli eccessi che viene trascinata.
Pesa sui personaggi di questo dramma lo stesso clima di sventura che pesava sulla casa dei figli di Atreo; l'azione si svolge forse in diversi anni, ma ogni considerazione di tempo scomparirà prima dello spettacolo, il cui ritmo è misurato sull'orrore e il dolore. Un senso di mistero e addirittura irrazionalità (era veramente necessario il crimine di Macbeth?; non è un salto nel vuoto precipitato da una suggestione fatale?) emana da questo dramma; domina nella notte, con frequenti invocazioni per l'oscurità e l'evocazione delle creature furtive e predatori goffa delle tenebre; soffoca atmosfera di paura e dubbio; per questo motivo la parola "terrore" ("fear") appare spesso accanto a immagini di violenza e di sangue. La vita stessa è visto come "un racconto narrato da un idiota, piena di strepito e di Furore, che non significa nulla", in un famoso e spesso citato versi (esc. 5, 26).

Panoramica e Riepilogo: Antonio e Cleopatra

Questa tragedia in cinque atti in versi e in prosa di William Shakespeare è stato probabilmente scritto intorno 1606-1607, sicuramente ha debuttato nel 1607 e pubblicato nel 1623 infolio. Fonte è, senza dubbio, la vita di Marco Antonio delle vite parallele di Plutarco, nella versione del Nord. Shakespeare anche utilizzato la storia romana della via Appia e potrebbe consultare altre opere inglese su questo argomento.
Il dramma dispone di Antonio ad Alessandria, schiavo della bellezza matura di Cleopatra. Rivendicato dalla morte di sua moglie Fulvia e gli eventi politici, Antonio torna a Roma, dove mette fine all'antagonismo tra lui e Octavio Cesar con il suo matrimonio con la sorella di Cesare, Octavia, evento che provoca la gelosia di Cleopatra.
Ma questo matrimonio non dura: Antonio lascia a Octavia e torna in Egitto, dove la catena di voluttà ritorna lo legano. Frequenta la sua spirituale, interrotta solo nel tardo pomeriggio decomposizione da impulsi generosi che ricordano il guerriero del passato, come quando con la vostra generosità confonde peccato Enorbarbo, aveva abbandonato lui e che ora si uccide a disprezzare se stesso.
Dopo la battaglia di Azio, Anthony è perseguito da Cesare ad Alessandria e lì, dopo un successo di breve durato, subito la sconfitta finale. Dopo la falsa notizia della morte di Cleopatra, primo Eros chiede suo scagnozzo di ucciderlo, ma Eros non accetta e viene ucciso invece di attraversamento per Antonio. Antonio, seguendo il suo esempio, è sceso sulla spada. Adottate per il Mausoleo dove hanno trovato rifugio Cleopatra, scade fra le sue braccia. Cleopatra, per evitare l'imbarazzo di comparire nel trionfo di Cesare, ha deciso di troncare la sua vita con il morso di una pagina ASP; CARMIANA e le altre fanciulle vengono uccisi con lei.
Antonio e Cleopatra è la tragedia dell'uomo di azione cui volontà langue e sfuma nelle spirali di una lussuria che percepito indegno ma irresistibile. E mai una tragedia simile è stata realizzata con inchiostri così sontuosi e incantevoli. Gran parte del fascino deriva dal personaggio di Cleopatra, rappresentata dal poeta nel tutto della loro mobilità e sfaccettature della seducente; veramente moderno e in grado di stampare un ritmo che vivo, veloce, capriccioso, di alcuni dialoghi, sapore fresco, rispetto ai brandelli pedanti delle regine del Teatro di Corte del XVI secolo.
Ma l'atmosfera di lusso barocco e la gioia di colori iridescenti e immagini esuberante, rilasciati da tutto il dramma, lo rende piuttosto a parte nella produzione shakespeariana. Sull'altra mano, la velocità e la stranezza delle morti, la veemenza di alcune immagini crudeli (come, ad esempio, quando Cleopatra è già mostrato al popolo romano Warbled e grida: "ottenere prima nuda nel fango del Nilo e lasciate che quel fiume che copre me verme mosche mi fanno qualcosa di impuro"), l'insistenza sul tema del serpente (Antonio racconta di Cleopatra (, accarezzarlo: "Dov'è il mio serpente del Nilo vecchio?" e Cleopatra, simile a un serpente nella sua adulazione e l'inganno, viene ucciso con una pagina ASP) dare il dramma un gusto della perdizione affascinante e perversa che sembra già quasi romantico.
In tutto l'Oriente ingioiellato e sinistre che attirerà un Gautier e un Flaubert è già piuttosto che evocato nell'opera di Shakespeare. Ma non solo l'atmosfera di voluttà sontuoso e letale di Antonio e Cleopatra è stato raccolto dai romantici; in alcune scene di interrogatori e misteriosi risentimenti (IV, 3) è ora un modello dell'atmosfera di ansia evocata in tanti drammi di Maurice Maeterlinck.

Panoramica e Riepilogo: la tempesta

Scritto nel 1611 e ha debuttato nello stesso anno, questo dramma in cinque atti, in versi e in prosa, di William Shakespeare è stato pubblicato in Folio del 1623, che precede tutte le altre parti.
L'origine di questo lavoro di interesse la commedia dell'arte italiana; alcuni intrighi simili al tuo sono state descritte da diversi studiosi. Questi elementi italiani Shakespeare combinati dettagli del naufragio in Bermuda di sir George Somers (25 luglio 1609). Altri considerati come una fonte probabile della tragedia il romanzo la grande conquista d'oltremare.
In questo dramma, scritto alla fine della sua carriera e il sogno di una notte di mezza estate, scritto all'inizio, Shakespeare utilizza il soprannaturale, ricorrendo al meraviglioso mondo di elfi e fate, fondendo mirabilmente le loro azioni con avventura umana, con quello che guadagnano nella grazia e nella profondità.
Prospero, duca di Milano, fu spogliato del potere di suo fratello Antonio, messo in una barca e consegnato in balia delle onde con la sua figlia Miranda. Prosperous atterrato su un'isola deserta che era stato bandito la strega Sycorax. Grazie alle loro arti magiche, Prospero liberato diversi spiriti intrappolati dal mago, tra cui Ariel e li ha presentato ai suoi ordini. È ora al vostro servizio per il figlio della maga, Caliban, un mostruoso, abietto e ingenua creatura che è l'unico abitante dell'isola.
Prospero e Miranda hanno vissuto in questo modo per 12 anni. Una nave in cui viaggiare l'usurpatore Antonio e il suo alleato il re di Nápoles Alonso Fernando, figlio di quest'ultimo, naufragio sulle coste dell'isola attraverso il fascino di Prospero. A questo punto inizia il dramma: Shakespeare ha condensato nella Mostra del dramma, nella seconda scena del primo atto, sullo sfondo, che occupano tre atti nel racconto d'inverno.
I passeggeri saranno Salva, ma credo che Fernando ha annegato, mentre Fernando pensa che gli altri hanno annegato. Ferdinando e Miranda sono, si innamorano, non appena sono e sono promesso. Ariel, per ordine di Prospero, prepara paio di spaventi per Antonio e Alonso. Antonio è schiacciato da terrore e Alonso si pente della sua crudeltà, riconcilia con Prospero e recupera il figlio Fernando.
La nave viene salvata dalla forza di incantesimi, e Prospero e altri si stanno preparando a lasciare l'isola dopo che Prospero ha rinunciato alla magia per liberarsi della sua bacchetta magica. L'isola è detenuta da Caliban; le molte scene in cui si pone con Esteban, uno steward di borrachín e con il buffone Trinculo, mantenere il sigillo della commedia dell' arte, che costituisce la sua fonte principale; Ha anche un pizzico di commedia comico contrasto tra la perfidia dell'usurpatore che ha perso il ducato a prosperare e la trama di Calibano, che promette di Esteban e Trinculo il dominio sull'isola se uccidono suo padrone odiato. D'altra parte, l'impressione cupo che potrebbe produrre il perfido gruppo di naufrago è mitigata dal loquace candore del buon vecchio counselor Gonzalo.
Anche se scene comiche abbondano in questo dramma, anche se non fino al punto che esistono nel Doctor Faustus di Marlowe, il generale impressione, come che produce il dramma di Marlowe, esso non è affatto è determinato dall'elemento di farsa. L'atmosfera di The Tempest come è purificata da un uragano. Il suo background è il lato solitario di un'isola in mezzo al mare; una pacifica, armoniosa, la luce è diffusa ovunque; l'aria, impregnata di luce e dolcezza, risuona con voci soprannaturali. La grazia del cielo con il suo spray ha toccato le coste dell'isola del mondo, e questa influenza celeste morbida sembra si sta svolgendo davanti ai nostri occhi nel breve spazio di poche ore (tra i drammi di Shakespeare, La tempesta è l'unico che si conforma alle famose unità di luogo, tempo e azione).
Anche se si può dire quasi con certezza che Shakespeare ha fatto non leggere il Purgatorio, il clima di questo dramma ricorda molto sulla sponda dell'isola immaginato da Dante. "tremolar della marina", la purificante freschezza della rugiada o le voci degli spiriti si trovano in entrambi poesie. Uomini naufragati sulla sponda magica e sbarcano in terra straniera di pentirsi e di espiare. E prospero appare come un Santo anziano, non diversamente da Cato sulle rive del Purgatorio. Visione di Shakespeare ultimi rivelano affinità con la visione di Dante e anche con il sacro mistero del Le Eumenidi di Eschilo. In ciascuno dei tre grandi poeti giustizia viene ripristinato attraverso un rito di espiazione; il tono delle sue poesie più importanti è lo stesso, formata di tenerezza e di gravità allo stesso tempo, un tono di perdono. Hanno raggiunto una visione del mondo che si esprime in termini di ordine e armonia, musica di Ariel, inni cantati dalle anime che si purificano al suono della lira di Apollo, tutto si calma.
Dopo Amleto, La tempesta è il dramma shakespeariano che ha dato più ampio carburante ipotesi e interpretazioni. In certi momenti, le poesie di Ariel e le parole di Prospero, il poeta stesso, per bocca dei suoi personaggi, prende di mira il mondo ed esprime il suo concetto di vita, così la tempesta è il più personale dei suoi drammi e a volte sembra riflettere il pensiero più profondo del drammaturgo: "Siamo della stessa sostanza di cui sono fatti i sogni ", e la nostra breve vita è circondata da un sogno" (IV, SC. 1).
L'aspetto soprannaturale della tempesta è stato in parte utilizzato da Alexander Pope (1688-1744) in rubato ricciolo, dove Ariel è il capo delle silfidi che ha il compito di servire il Signore; il personaggio di Calibano Robert Browning ispirato suo poema Caliban su Setebos , in che è espresso da un pensiero selvaggio circa la creazione del mondo e il divino.

Panoramica e Riepilogo: Venere e Adone

Questa poesia in strofe di sei versi di William Shakespeare è stata pubblicata nel 1593 e dedicata dal poeta Henry Wriothesley, conte di Southampton, come "la progenie prima del mio ingegno": tutto ciò permette, pertanto, si supponga che è il primo libro pubblicato da Shakespeare. Venus, in amore con il giovane Adone, ritratta viene restituito al gioco e cerca di sedurlo, senza successo; Egli chiede che sono il giorno successivo, ma Adonis vuole andare a caccia di cinghiali. Invano la dea tenta di dissuaderlo. Arrivo mattina, Venus sente abbaiare i cani di Adone, e piena di terrore, va in cerca l'amato, viene ucciso dalla bestia.
Il lavoro ha un'aria di famiglia con il contemporaneo Hero e Leander di Marlowe (1564-1593) e Scillaes metamorfosi del Lodge (fare 1558? - 1625), che può aver suggerito misuratore di Shakespeare (strofa di sei poesie con rima ababcc). È in tutto e tutto infuso con il gusto del tempo. La sua serie di dadi voluttuoso postovidianos si stava dirigendo ad un pubblico ben definito di cortigiani "italianizzato". Un molto meticoloso e aria alejandrinismo conceptualist emerge da questo lavoro di Adone di Marino (1569-1625): entrambi utilizzano le stesse ragioni, come il cinghiale che non intendo far del male a lato di Adone, ma solo baciarlo, motivo che ricorre nel poema pseudoteocriteo molto piccola circa l'Adonis morto.

Panoramica e Riepilogo: lo stupro di Lucrezia

Questa poesia di William Shakespeare è stata pubblicata nel 1594 e dedicato a Henry Wriothesley, conte di Southampton. La poesia racconta un motivo della tradizione: violentata da Sesto Tarquino, Lucrecia chiede a suo padre e suo marito Colatino che vendicarlo e si suicida. Il poema, in strofe di sette versi, termina nel momento in cui lordo e Colatino sono disposti a trasportare il cadavere di Lucretia attraverso Roma, per incoraggiare i Romani ad espellere Tarquino. Mentre in Venere e Adone una giovane casto è stato sedotto da un esperto, qui una casta moglie sia stata violentata da un libertino.
Il lavoro è finalizzato alla stessa cortigiano pubblico per i quali altri paesi il Veronese e Tiziano avevano dipinto belle e languide donne nude nel sogno e amorevole invito. Domina la piazza licenziosa: attraverso gli occhi di Tarquino, che solleva le cortine del letto, Vedi dorme Lucretia, visione di bianco alabastro appena ombreggiato da vene blu. Caratteri eseguire, prego e imprecan, ma tra la scintillazione della retorica non viene raggiunto per notare che era un grande genio tragico.

Panoramica e Riepilogo: Enrico VI

Questo dramma storico in tre parti di cinque atti in versi con frammenti in prosa, è stato scritto da Shakespeare nel periodo 1590-92. La seconda parte è apparso in forma anonima nel 1594, prendendo come un titolo lotta tra le due famose case di York e Lancaster. La terza parte è comparso nel 1595 ed era intitolato la vera tragedia di Ricardo Duca di York e la morte del buon re Enrique VI. Le tre parti sono state pubblicate nel 1623 nel first Folio delle opere di Shakespeare; in questa edizione, la seconda e terza parte presentano alterazioni parziali nel testo.
Il drama è basato sulle cronache di Holinshed (1577), ma anche Halle, Fabyan, Grafton e Stowe potrebbe sono stati consultati. La prima parte è le guerre di Francia nei primi anni di Enrique VI, della liberazione di Orléans da parte dei francesi e l'espulsione di quasi tutti gli inglesi di Francia. I francesi sono guidati da Juana de Arco, rappresentato come le truppe inglesi potevano vederlo: un cartone animato violento, metà-strega e metà-puttana. L'eroe inglese che gli si oppone è Talbot, che, fino alla sua morte vicino a Bordeaux, lascia in ombra gli altri capitani.
Gli eventi che si svolgono in Inghilterra sono le differenze tra i nobili e l'inizio della lotta tra York e Lancaster. La seconda parte mette nel matrimonio importante scena di Henry con Margarita de Anjou, intrighi della fazione York e altri episodi storici, tra cui la ribellione di Jack Cade, la battaglia di St Albans (1455) e la morte di Somerset. La terza parte comprende dalle dimissioni di Henry per la successione al trono a favore del duca di York e la ribellione della regina Margaret per l'essere diseredato suo figlio fino alla battaglia di Tewkesbury nel 1471. Enrico VI viene ucciso da Richard, duca di Gloucester, il futuro Ricardo III, cui il carattere è già descritta qui.
Lavoro della gioventù, Enrico VI difficilmente si differenzia, per il suo stile, i drammi contemporanei, così ha offerto gioco facile per la divisione di Shakespeare, che ha voluto scoprire la mano di Marlowe, Kyd, Peele, Geene, Lodge o Nashe oltre a Shakespeare, che sarebbe solo il revisore di un lavoro esistente. Non escludendo questa possibilità, deve essere tenuto a mente, tuttavia, che uno stile di principiante è sempre eco di azioni e altre frasi. Molte delle procedure retoriche che sono così caratteristiche del Riccardo III sono anche qui, ma su una scala più piccola, in mezzo a vaste aree prive di decorazioni.
I personaggi, che sono molti, già mostra segni di caratterizzazione robusta e alcune scene sono ad alta efficienza, come quello in cui il re visita il cardinale che, alla fine della sua vita, è ossessionato dai rimpianti, breve scena che Schlegel giudicati sublimi. Nell'episodio della ribellione Cade la miscela di terrore e ridicolo offrendo lawless ubriachezza della folla è ben dipinta.

Panoramica e Riepilogo: molto rumore per nulla

Spesso tradotto come Molto rumore per nulla, questa commedia in cinque atti, in versi e in prosa, di William Shakespeare è stato scritto nella forma in cui lo teniamo nel 1598, ma probabilmente aveva una prima bozza nella gioventù dell'autore. È stato stampato nel 1600 e nel 1623.
Il motivo centrale drammatico, dell'amante condotto all'inganno per mezzo di una persona che adotta la somiglianza della sua amata (vecchio motivo che è già nelle avventure di Quereas e Calliroedi Caritone di Afrodisia), tratto da Shakespeare dai romanzi di Matteo Bandello (novella XXII), nella versione di François de Belleforest (Histoires Tragiques, III 1569) e l' Orlando Furioso di Ludovico Ariosto (storia di Ginevra e Ariodante). Discussioni taglienti di Benedetto e Beatriz sembrano ispirate in Gaspare Pallavicino ed Emilia Pia nel Cortegiano di Baldassare Castiglione, tradotta da sir Thomas Hoby nel 1561.
Il principe d'Aragona, don Pedro, cui Entourage include Claudio e Benedetto, viene a visitare Leonato, governatore di Messina, padre dell'eroe e zio di Beatrice. Claudio si innamora di eroe e viene concordato il suo matrimonio. Il Beatriz allegro e acuta e Benedetto, scapolo impenitente e spiritoso, è encarnizan in attacco con la sua presa in giro; amici decidono di fare che cadono in amore e renderli così Benedetto sorpreso una conversazione in cui il principe e Claudio parlare di un presunto amore segreto di Beatriz per lui e Beatriz sorprese una fiducia simile amore che Benedetto sembra alimentarlo in segreto.

Kenneth Branagh ed Emma Thompson (Beatriz)
(Benedetto) nella versione cinematografica
diretto dalla propria Branagh (1993)
Immaginate gli amici ad per essere artefici della sconfitta degli avversari del matrimonio; ma molestare è già a che era il germe di un'inclinazione segreta. Don Juan, fratello bastardo Principe e recentemente riconciliato con lui, è un superbo e perverso; invidioso del favore che Claudio hotel è vicino a suo fratello, immaginare un inganno per distruggere quel matrimonio: Borrachio, suo servo, sarà presentato durante la notte sotto la finestra dell'eroe e la finestra si libra, vestita nei panni dell'eroe, Margaret, la cameriera di eroe della società, che è innamorata di Borrachio; il principe e Claudio partecipare al colloquio da lontano.
Questo è il caso con la complicità involontaria di Margarita, che, medicazione in eroe, pensa di cedere a un innocente travestimento. Claudio e il Principe sono profondamente impressionato, e il giorno delle nozze rivelare il comportamento del giovane uomo nella Chiesa. Eroe sviene. Consiglio di fray Francisco, che è certo dell'innocenza dell'eroe, Leonato spargere la voce che la giovane donna è morta e Benedetto, stimolato da Beatriz, sfida a Claudio per aver calunniato un eroe.
Nel frattempo, Borrachio, ubriaco, confessa l'inganno ad un compagno ed è sentito dalle guardie della notte rotonda, comandata dal grotteschi due ufficiali di polizia, Dogberry e Verges, dando vita ad alcune scenette con le loro sciocchezze e sua incompetenza infantile. Borrachio viene arrestato e rivela l'inganno Principe e Claudio che sono state vittime.
Claudio offre ripristino Leonato e consigliato lui per sposare un cugino dell'eroe invece i presunti morti. Al momento del matrimonio, la moglie scopre di essere l'eroe di persona. Benedetto e Beatriz è anche sposato, e la sua acuità petulante non li abbandona anche davanti all'altare. Don Juan, che era fuggito da Messina, è arrestato e sarà punito.
Anche se il tema principale del lavoro è visibilmente un eroe-Claudio intreccio, con la scena melodrammatica della Chiesa e l'effetto finale dei morti finto che genera (ripetuto, unitamente ad altre caratteristiche di questa commedia, nel racconto d'inverno), questo non costituisce la parte viva del lavoro. Tale aspetto della trama è un po ' indebolito dalla circostanza che le passioni suscitate devono armonizzare con il clima di una commedia; così, ad esempio, la scena del colloquio fatto finta, immaginato per disonorare eroe, viene definito solo brevemente, il sinistro personaggio di don Juan è appena rilevato e Claudio, anziché essere spostato con una disperazione che ricorda il Troilo in una situazione del genere (movimento a meno che non vedono amore del Simposio della donna amata che lo rende il tradimento) È meccanico e inumani nel relativo cambiamento del carattere per la trama lo richiede.
Le scene di vita veramente sono quelli sviluppati tra Benedetto e Beatriz, coppia molto simile di Biron-Rosalina in opere di amore perduto. Mentre sue frasi umoristiche non sono tipiche del gusto moderno, il suo brio ci conquista; non sono tutti i personaggi comici, come la devozione di Beatriz da eroe e la sua indignazione e la diligenza con la quale si impegna a servirlo sfidando Claudius, Benedetto presta quella porzione di serietà che è sufficiente per rappresentarli come esseri umani completi. Sono anche molto divertenti scene, cui carattere è netto farsa, in cui sono collocate in ridicolo gli agenti di polizia; una frase di Dogberry, che lamenta il fatto che l'addetto alla reception non ha messo nella sua relazione che uno dei detenuti ha chiamato ass, è diventata proverbiale: "hoi, se fosse qui a scrivere che io sono un asino!".

Panoramica e Riepilogo: Come Ti Piace

Questa commedia in cinque atti in versi e in prosa di William Shakespeare è stato probabilmente scritta nel 1599 e pubblicata in infolio del 1623. La fonte è il romanzo Rosalinda o l'eredità d'oro di Eufue (1590), Thomas Lodge (fare 1558? - 1625), che a sua volta deriva in parte dal Racconto di Gamelyn, attribuita a Geoffrey Chaucer (1340/45-1400).
Frederick ha usurpato il dominio di suo fratello il duca, che, con i suoi figli, si ritirò nella foresta delle Ardenne (la quasi omonimia con la foresta di Arden in Inghilterra ha fatto a Shakespeare, creando l'ambiente, pensato soprattutto in questo). Celia, figlia di Federico e Rosalind, figlia del duca bandito, che, per il grande affetto che unisce a Celia, ha consentito soggiorno nella Corte, partecipare a una lotta in cui Orlando, figlio di sir Rowland de Boys, sconfiggendo un campione di wrestling; Dopo il match, Rosalind e Orlando si innamorano.
Orlando, alla morte di suo padre, fu affidata a suo fratello, Oliver, che lo abbandonò, costringendolo a vivere tra il più basso e, infine, è stato espulso dalla sua casa. Frederick, nel momento di congratularsi con il vincitore della lotta, apprende che egli è il figlio di un amico il bandito Duke, entra sospetti e Orlando è costretto a fuggire.

Laurence Olivier, Sophie Stewart ed Elisabeth Bergner
nella versione cinematografica di vostro piacimento (1936)
Anche Rosalind, bandita da Federico, si allontana, e Celia lo accompagna; il primo è travestito da contadino e prende il nome di Ganimede, quest'ultimo finge di essere sua sorella Aliena. Nella foresta delle Ardenne sono con Orlando, che ha incontrato con gli esiliati, Duke e le vittorie di fingido Ganimede la fiducia di Orlando. Oliver va nel bosco con l'intenzione di uccidere il fratello Orlando, secondo imposizione di Frederick; ma salvato da una leonessa di intervento diretto di suo fratello, egli sperimenta il rimorso per le loro intenzioni crudeli; Lui si innamora di Aliena e decide di sposarla.
Ganimede, per parte sua, promette di Orlando a venire (attraverso loro arti magiche) a Rosalind così prenderla come una moglie. Quando coppie sono riunite alla presenza del duca bandito per celebrare matrimoni (sono anche Phoebe e Silvio, tipica coppia pastorale e il villaggio di Piedradetoque giullare Ruda Audrey), Celia e Rosalind abbandonare le spoglie. Nel frattempo, arriva la notizia che Federico, mentre è andato con forze armate per eliminare il duca esiliato e i suoi scagnozzi, ha trovato un venerabile eremita che ha indotto lo di pentirsi e di restituire il ducato a suo fratello, ritiro dal mondo.
La trama è semplice e la psicologia dei personaggi principali in questa commedia è appena abbozzata, fatta eccezione per la contemplativa Jacques, che combina l'astuzia e la malinconia e il giullare Piedradetoque. Più di caratteri, sono stati d'animo, tutte le sfumature della passione di amore che può essere il soggetto della commedia, sullo sfondo scuro della foresta; dramma è come un tappeto verde, pieno di fiorente foresta scene e figure umane sono subordinati al grande spirito della foresta. Questa atmosfera del parco è presente in tutti gli episodi e mette in evidenza nei poemi affascinanti contenente l'opera.
Le convenzioni pastorale del Cinquecento italiano e grazie e trucchi dei colloqui coltivati acquisiscono freschezza inutilizzato in un ambiente naturale che è molto sentita dal poeta. Gli uomini hanno lasciato dietro di loro, in città, l'ambizione, invidia, avidità, tutte le passioni basse che infettano la vita di Corte, per solo amore. Insieme nel cerchio magico della foresta, i malvagi (Oliver e Frederick, ferocemente contro i loro rispettivi fratelli) sono vinte da pentimento e della bontà. Così, in questo dramma affascinante insinuato un motivo che sarà il tema centrale di The Tempest: la natura sembra cospirare con le forze del bene per domare gli uomini feroci e farli cadere le mani fratricide spade.

Panoramica e Riepilogo: notte dell'Epifania

Con questo titolo e anche la dodicesima notte è stato tradizionalmente tradusse le opere la dodicesima notte o quello che volete (ladodicesima notte, o quello che vuoi). Questa commedia in cinque atti e in versi e in prosa è stato scritto verso gli anni 1599-1600, rappresentato forse la notte dell'Epifania del 1600 e pubblicato nel infolio del 1623.
John Manningham, che ha visto la commedia rappresentata nella celebrazione annua degli avvocati nel tempio della Candelaria del 1601, ha paragonato, nel suo quotidiano per un dramma italiano truffe. Si presume che sia il Dupes del mondo accademico in trono (1537), che è la fonte di Bandello, Novelle, II, 36 (tradotto da Belleforest, Histoires tragiques, IV, 59), che a sua volta deriva il racconto "Apollonio e Sila" addio alla professione militare di Barnabe Riche (1581). Shakespeare probabilmente è stato impostato in quest'ultimo per il bene del naufragio. L' ingannato furono tradotte in francese da Charles Estienne intitolata Les Abusés (Lione, 1543). I dupes sono Malevolti e Fabio, nomi che possono essere approssimati rispettivamente al Aguecheek shakespeariani e Fabian. La ragione per la signora travestita da una pagina, abbastanza usuale, appare in altre opere che Shakespeare potrebbe avere visto; ad esempio, Parismus di Emanuel Forde (1598), dove il naufragio e i nomi di Olivia e viola.
Due parecidisimos gemelli, Sebastian e Viola, sono separati da un naufragio al largo della costa dell'Illiria. Viola, trasportato dalla spiaggia in una barca, è usato come una pagina con il nome di Cesario, insieme a Duke Orsino, in amore con la contessa Olivia, rifiutando, tuttavia, il loro amore e la vita isolata a causa del lutto per suo fratello.
Orsino è affidata a Viola-Cesario e lo invia di intercedere in suo favore vicino a Olivia, con grande tormento d'altra parte, perché Viola è caduto nell'amore con Orsino. Olivia, a sua volta, cade nell'amore con Viola-Cesario. Nel frattempo Sebastian, che durante il naufragio è stato facilitato da una nave comandata da Antonio, tratta con questo di Illyria.
Accanto il sentimentale e romantico intrigo si sviluppa un altro satirico, originatasi nel cerchio del Countess Olivia: la rivalità tra il sindaco Malvolio, Puritan austera e superba e la società bohemien di sir Toby Belch, zio della Contessa, borrachín duro e spadaccino; Sir Andrew Aguecheek (il nome può corrispondere, come è stato detto, il Malevolti in dupes), vana, dalle e vile, gentiluomo che aspira alla mano della Contessa; Piccola Maria, la dama di compagnia, di statura, ma pieno di spirito e giullare Feste, che prende in giro tutto, anche il lutto della contessa.
Quest'ultimo, per volere di Maria, per trascorrere uno scherzo a Malvolio inviando una falsa lettera d'amore della Contessa, Malvolio influiscono su atteggiamenti e strano rapimento, credendo così si prega di sua padrona; ma si ottiene l'effetto opposto e si chiude come un matto in una camera libera.
Viola-Cesario, sfidato da sir Andrew istigazione di sir Toby (una sfida che entrambi i contendenti fanno a gara per essere spaventato), viene salvato dal conflitto da Antonio, il cambiamento da Sebastian. Antonio, arrestato per colpa di un rancore si sente per lui che la Duke Orsino, Viola-Cesario richiede una borsa che ha affidato a Sebastian e accusato di ingratitudine al suo amico presunto, che naturalmente non sa nulla della borsa.
Olivia, incontro con Sebastian, scattato da Cesario, vi invita a casa sua e offre il suo amore e, con il consenso di Cesario, lo sposa. Orsino va a trovare Olivia; Antonio è condotto alla sua presenza incatenato e sostiene che il Cesario è il giovane uomo salvato da lui, mentre Olivia sostiene che lui è suo marito. Il duca, indignato, allontana il corso ipocrita Cesario e Olivia quando l'arrivo di Sebastian chiarisce il malinteso. Il duca, per realizzare l'amore della Viola, che ha abbandonato l'abito virile, dirige il suo affetto e si sposano.
L'intrigo, il fondo e l'atmosfera allegra e satirica commedia ha molti punti di contatto con vostro piacimento e anche più così con la commedia degli errori. Loro incidente (naufragio, sorella di fratello e sorella identica e mad maschile, cosiddetto costume che è racchiuso), è una deliziosa ricapitolazione di Shakespearean questione comico e contiene alcune delle scene più brillanti del drammaturgo, come del secondo atto, dove il fumetto e il mix emozionale con squisito gusto ed equilibrio e, dopo aver accennato alla tragedia (amore di Olivia da Viola-Cesario) Cade nella farsa completa (insulto a Malvolio).
Degno di nota è soprattutto la scena tra Viola e Orsino, con la sua atmosfera di timida e ardente passione che esalta in un sogno impossibile, e che Shakespeare aveva già delineato in due hidalgos di Verona. Tre recenti atti, ma non partecipa l'atmosfera scenica del secondo, dal punto di vista scenico avrà la possibilità delle migliori farse di Molière.
Tra i personaggi, alcuni sono a tasso fisso, incoraggiato dal Maestro shakespeariano, come il duca di Orsino, in amore con amore, languido e servile, il classico "male" o la contessa Olivia, anche un sentimentale, assumendo atteggiamenti di sorella inconsolabile e rendimenti per il primo fremito di simpatia. Sono anche sir Toby, sir Andrew, giullare di tasso fisso e, in un certo senso, Malvolio, che è piaciuto così tanto nel XVII secolo che Carlos ho sottolineato nel numero come il personaggio più importante del dramma; ma la figura del Viola è la grande creazione di quest'opera shakespeariana.

Panoramica e Riepilogo: Richard II

Questo dramma storico in cinque atti in versi, il cui titolo originale è The tragedia del re Richard II, forse è stato scritto intorno 1595-96, pubblicato in in-cuarto nel 1597, 1598, 1608 e nel 1615 e io Folio nel 1623. La fonte principale è Holinshed Chronicle nella sua seconda edizione (1587), poiché la quarta scena del secondo atto utilizza un passaggio che non è incluso nell'edizione del 1577. Altre fonti sono la cronaca della Hall, S. Daniel guerre civili e la traduzione in inglese (di Bernera) cronaca del tradimento e morte di re Riccardo II d'Inghilterra, attribuita a Jean Le Beau.
Fino a qualche tempo fa, si è creduto di vedere l'influenza di Christopher Marlowe (1564-1593), a proposito dell'utilizzo le cronache in questo dramma. L'Ultima recensione ritiene, d'altra parte, la seconda e la terza parte di Enrico VI di Shakespeare precedere Marlowe Edoardo II (1592); modo che Shakespeare sarebbe stato il primo ad iniziare questo tipo di dramma e Marlowe, anche se aveva alcuna influenza su di lui, in questo caso ha ricevuto la sua influenza, prendendo lui l'idea di drammatizzare le cronache. È tuttavia vero che il carattere di Ricardo II offre analogie con Eduardo II.
Il dramma è i principali episodi nel governo di Ricardo II. Il re Ricardo banishes arbitrariamente a Henry, soprannominato Bolingbroke, figlio di Juan de Gante e Thomas Moebray, duca di Norfolk; Se in questo caso il re debole è soddisfatto nei loro atteggiamenti e intossicato nell'esercizio del potere, poco dopo, per motivi di Juan de Gante, mitiga la frase di Bolingbroke, che vogliono vantarsi del magnanimo sovrano.
La notizia della malattia di Juan de Gante rivela un altro aspetto del carattere del Re: Ricardo è stringendo il cervello per vedere come ottenere più soldi da loro sudditi, e la morte di John offrirgli una magnifica possibilità di portare un record di confisca e rimanere con i beni del defunto.
Mentre il re è in Irlanda, Bolingbroke invadere l'Inghilterra con le forze ribelli. Il re ritorna, demolisce in imprecazioni contro i loro nemici e tracciare un ideale augusto un ritratto di carattere sovrano, come superare l'incostanza delle istituzioni umane, essere protetti da cielo incarica i suoi angeli per combattere per lui; ma si affaccia il vilipendio di esaltazione, secondo il tenore delle notizie che farti. Infine si ritira al Castello di Flint, in posa come una vittima dei traditori.
Il conte di Northumberland, venendo a colloquio, vi assicura Bolingbroke chiede solo ciò che gli appartiene, che il re concesse un'intervista, che si avvicina e sottoposti. Bolingbroke entra trionfalmente in Londra, proclamato re sotto il nome di Enrique IV. Nella scena famosa Deposizione (atto IV, scena l), Ricardo è identificato con Cristo. È vero che, come notato da Walter Pater, questa scena ha tutta la solennità del rito della messa, e tutto il dramma è certamente investito di significato simbolico: l'agonia e la morte di Dio, sacrificata sull'altare. Confinato nel Castello di Pomfret, Ricardo viene ucciso.
Il dramma, come pure una recensione di viva di eventi politici, più sottilmente rispetto altri drammi storici di Shakespeare, è lo studio di un'anima che sembra già annunciare che di Amleto. Con i deboli e affascinanti sovrani contrasti il deft, niente di sentimentale Bolingbroke, che, mentre finge di voler tutelare i diritti di eredità, si comporta già come un re, mostrando le qualità di saggezza, di moderazione e di durezza che dovrebbe fare di lui il trono. Questo contrasto efficiente, il dramma ha sempre avuto molto successo ed è degno del creatore di Amleto e Re Lear.

Panoramica e Riepilogo: Enrico V

Questo dramma storico in cinque atti ed in prosa e in versi di William Shakespeare è stato rappresentato nel 1599, imperfettamente pubblicato nel 1600 e correttamente nel Folio del 1623. Si basa sulla cronaca di Holinshed e l'ultima parte del famose vittorie di Enrico Quinto. Durante il quinto atto (v. 31) è il riferimento solo diretto da Shakespeare ad eventi contemporanei (spedizione di Essex in Irlanda, marzo 27-28 settembre del 1599).
Enrico V è chiaramente l'eroe preferito di Shakespeare; È decorato con virtù reale e cavalleresca, vi mostra onesto, coraggioso, cortese e, nel mezzo di gesta eroiche, sempre incline a alcuna malizia innocente che ricorda la sua giovinezza del Principe di Galles, compagno di Falstaff. L'evento solo notevole nella vita di questo re fu l'invasione della Francia; ma la guerra, come appena notato Schlegel, piuttosto è questione di quel dramma epico.
Sei stato tu, perché Shakespeare piuttosto che diventare un evento drammatico, mostrando la battuta d'arresto morale della scena. Mettere in contrasto la leggerezza impaziente di generali francesi, già vincitori si consideravano prima della battaglia di Agincourt (1415), con l'atteggiamento fermo del re inglese e il suo esercito, ridotto a una fine disperata, prendono la risoluzione di morire con onore.
Il carattere di entrambe le nazioni in contrasto con manifesto parzialità, Shakespeare ottiene un effetto drammatico destinato a entusiasmare il pubblico inglese, mentre gli episodi comici anche cospirato verso l'obiettivo patriottico, mostrando sotto le bandiere di Enrique un ardente irlandese, un lento scozzesi e una gallese pedante ma pieno di onore, ognuno dei quali parla deformare gli inglesi con le loro rispettive caratteristiche dialettali. E per eccitare l'immaginazione degli spettatori sono liriche prologhi (chiamati "cori") per ogni atto che descrive in modo specifico l'aspetto di entrambi i campi prima della battaglia.
Il guerriero episodio si concentra tutto l'interesse del dramma, essendo gli altri episodi sua preparazione (Trionfo oltre gli ostacoli che si distinguono nella carriera di Enrique V; detenzione di lord Scroop, sir Thomas Grey e il conte di Cambridge di tradimento) e le conseguenze (Henry, per consolidare le sue conquiste in Francia, decide di sposare una principessa francese e Woo Caterina di Francia (, episodio che si tinge in ironia, dato che il frutto del matrimonio era il debole VI Enrique, sotto il quale gli affari pubblici sono stati di male in peggio).
Tra gli episodi comici dobbiamo ricordare che quello sbruffone pistola richiede l'irascibile Fluellen Welshman mangiare porri (emblema gallese), che avrebbero fatto beffa (di lì la frase proverbiale "per mangiare la perdita", ricevendo un insulto). La morte di Falstaff è narrata dalla signora rapidamente. Enrico V è un dramma unico nella carriera di Shakespeare. Nazionali più epica di dramma, splendore retorico è la sua caratteristica principale.

Panoramica e Riepilogo: le allegre comari di Windsor

Questa commedia in cinque atti in prosa, con alcune parti in versi, di William Shakespeare, è stato scritto probabilmente al 1598, pubblicato nelle edizioni "in quarto" nel 1602, 1619 e 1630 e nell'edizione "Folio", nel 1623. Il testo di 1602 è incompleto.
Secondo una tradizione, l'opera fu scritta in quindici giorni su richiesta della Regina Elizabeth, che hanno voluto vedere sul palco per Falstaff in amore. Tuttavia, non sembra essere una mera improvvisazione, da Shakespeare ha usato una commedia già esistenti nel repertorio della sua società. È la commedia il geloso, rappresentato nel 1593 e basato su una narrazione italiana (il secondo dal primo libro di Il Pecorone), dove il motivo per l'amante nascosto in un pezzo di mobili, comune nel romanzo italiano, assume la forma di uomo "nascosto sotto una pila di panni sporchi".
In molti dei suoi personaggi hanno voluto vedere caricature di persone realmente esistenti. Così, i ritratti di giudice superficiale e stupido Abramo snello nipote potrebbe avere dal modello a Sir Thomas Luey de Charlecote, vicino a Stratford, che, si crede, avrebbe perseguito a Shakespeare quando era giovane da sono cacciate furtivamente sulle loro terre, la cui veridicità è discutibile.
La commedia è il link per due motivi: il Falstaff che corteggia due ricchi borghesi di Windsor che deridere lui e Anne Page, che i genitori vogliono sposarsi. Falstaff, mancando di denaro, decide di corteggiare le donne di Ford e Page, borghesi di Windsor, dal momento che governano il flusso dei loro mariti.
Falstaff invia lettere galanti identiche a due mogli, che decidono di vendicarsi su di lui. Da altra mano, Nym e pistola, i complici di Falstaff, despechados perché è stato rimosso, si prega di avvisare sui mariti. Pagina non è in movimento, e Ford è felice con la possibilità di catturare "in flagrante" sua moglie.
Falstaff è visitato da Lady rapidamente, servo del Dottore Cajus, responsabile per il ruolo del Partito parete di due signore; Questo assicura Falstaff che entrambe le donne non vogliono, ma per favore. Poi riceve una visita da Ford travestito con i vestiti del ruscello, che finge di essere pazzo amore di Mrs. Ford e Falstaff promette una splendida ricompensa se ti aiuta a conquistarla. Falstaff rivela che ha un appuntamento con la signora Ford e promesse poi assegnare il sito al ruscello. Durante la citazione finta Ford è presentato con una folla di amici a testimonianza l'adulterio e Falstaff a nasconderlo rapidamente e in esecuzione in un grande cestino di vestiti sporchi e quindi viene generata con tutti i vestiti nel limo del fiume.
In un secondo appuntamento Falstaff è vestita come una donna grassa e come tale fortemente battuto da Ford. Anche il marito geloso è preso in giro due volte, ma finalmente scoperto il complotto e dare un ultimo Falstaff citato nella foresta di Windsor, dove sostiene assalto che lui e pizzico in bundle e Pixies e finalmente che lui è smascherato da Ford e pagina.
La trama secondaria rappresenta il corteggiamento di Anne, figlia di pagina, da tre pretendenti, il dottore Caporaso, medico francese; Slender (un nome che potrebbe essere tradotto con "Emaciato" o "Enclenque"), nipote di bobo del giudice Shallow (il cui equivalente sarebbe "Light"); e Fenton, un giovane stravagante, amato da Anne. Madonna rapidamente (come si suol dire la signora "rapidamente e funzionante"), mediatore di marca tra i tre e li incoraggia allo stesso modo. Sir Hugh Evans, il prete gallese, si pronuncia a favore di Slender ed è sfidato da Caius, ma le ostilità sono ridotti che maltrattare la lingua inglese un gallese e francese.
L'ultimo appuntamento dato a Falstaff nella foresta, pagina, favorendo Slender, ha questo rapire sua figlia, che indosserà bianco, mentre la pagina di Lady, che protegge il dottore, ha sua figlia in vista del verde, e di essere rapita dalla. Ma quando arriva il momento i due pretendenti sono mani una dissimulata come un ragazzo, mentre la vera Anne è fuggito con Fenton, con cui egli sposerà.
Alcuni hanno voluto vedere in questa commedia una sorta di "fabliau" messo in scena con tutte le caratteristiche di quel genere un po' Shyamalan: ritratti realistici, modi goffi, mancanza di rispetto per il matrimonio, piacere Borghese a maltrattare un patrizio di donnaiolo... Forse perché questi elementi più continentali che inglese e soprattutto con il fondamento di tema sensuale e la caricatura del cornuto, questa commedia ha fatto non molto difficile situazione tra i critici inglesi del XIX secolo; Mentre nelle nostre scene, sviluppando temi brillante del romanzo italiano, è divertente e facile manutenzione. Abile gioco, soffre tuttavia la sua composizione frettolosa, spesso compensata con una brillantezza straordinaria.

Panoramica e Riepilogo: Coriolano

Questa tragedia in cinque atti in versi e in prosa di William Shakespeare è stato scritto al 1607-1608, probabilmente rappresentato all'inizio del 1608 e stampato nel 1623 infolio. La fonte è la vita di Coriolano nelle vite parallele di Plutarco, Shakespeare leggere la traduzione di Thomas North (1579), effettuata il francese di Jacques Amyot.
Cayo Marcio, superba generale romano, dovuto le meraviglie di coraggio nella guerra contro i volsci e la presa della città di Corioli, riceve il soprannome di Coriolano. Al suo ritorno a Roma, il Senato intende essere nominato console, ma atteggiamento altezzoso e sprezzante verso la popolazione lo rende impopolare e, nonostante gli sforzi di Menenius Agrippa, i tribuni ottengono suo esilio.
Suo nemico convinto; casa di Tulo Aufidio, generale dei volsci, indirizzi È calorosamente ricevuto e messo a capo dei volsci per vendicarsi di Romani. Coriolano raggiunge le mura della città e i Romani, per salvarlo dalla distruzione, inviato al suo collega vecchi amici arrabbiati, che istigano tu sia d'accordo, ma invano. Infine la madre di Coriolano, Volumnia, sua moglie Virgilia e suo figlio andando a pregarlo di salvare la città. Cede alla sue suppliche, conclude un trattato favorevole ai volsci e ritorna con loro la città di Anzio. Lì il generale dei volsci lo accusa di aver tradito gli interessi del popolo e, con l'aiuto di cospiratori, fa uccidere nella pubblica piazza.
Shakespeare ha seguito molto fedelmente le fonti, nell'argomento, nello stile (le somiglianze e le espressioni del testo del Nord sono in versi shakespeariani) e nella caratterizzazione del protagonista. Il personaggio di Aufidio è anche come si trova in Plutarco; Shakespeare attribuito all'arte Volumnia della dissimulazione e basato su questo motivo il secondo atto terzo, abbastanza famosa scena in cui tenta di persuadere suo figlio a che nasconde per il consolato. Virgilia e Menenio quasi interamente è creazioni di Shakespeare.
Il drammaturgo si concentra tutto l'interesse a protagonista, arricchendo con molti dettagli della storia plutarquiano ed evidenziando questo carattere in contrasto con la folla, cui follia e incostanza rappresenta, per trasformare un episodio storico che pose fine alla lotta dei principi nella caricatura e risentita opposizione tra un'anima di patricio chiuso dall'orgoglio e suscettibile di massa e vuota l'anima.
Più di tragedia, Coriolano è un dramma storico ma un genere molto particolare; Ha un grande sollievo l'elemento satirico e grottesco (come nella scena in cui Coriolano deve elemosinare i voti dei popolani e strappando loro con un atteggiamento di sfida piuttosto che umiltà), e questo aspetto, come pure la figura del zumbón Menenio, fa pensare che il dramma di ambiguo che cosa è Troilo e Cressida, dove i conflitti interni dei protagonisti non sono verniciati.
In realtà non esiste alcun conflitto in Coriolano (rendimenti alle preghiere dei propri cari senza lotta interna: come il momentaneo collasso di un mondo che presto remake sulla sua coesione), ma un evento storico che serve ad illustrare la vanità e la follia degli uomini, in cui azioni e reazioni sembrano avere qualcosa di automatico che li rende allo stesso tempo risibile e sinistre. L'impressione che ci lascia il dramma è contenuto in poche parole di Menenio (atto V, SC. 4): "quando a piedi (Coriolano) si muove come una macchina da guerra..." "La sua voce è un rintocco funebre, le lamentele di un rullo di tamburi". È un dramma aspro e stridente, povero colore e calore e tuttavia, robusto e "Romano" nella sua amarezza.

Panoramica e Riepilogo: Timon di Atene

Questo dramma in cinque atti, in versi e in prosa, fu scritto da Shakespeare probabilmente nel 1608 e pubblicato nel infolio di 1623; Non non c'è nessuna memoria che è stata rappresentata durante il Regno di Jacobo io. La concezione del dramma è veramente shakespeariana e ci sono passaggi che mostrano affinità con Re Lear, ma tali scene non devono essere considerate per mano di Shakespeare nella forma in cui abbiamo ricevuto.
Il dramma è preso direttamente timone da Luciano, di cui non c' non erano nessun versioni in lingua inglese; C'erano, tuttavia, alcuni italiani e un francese Filbert Bretin (1582). Sua affinità con un dramma inglese accademico, timone (circa 1581-1590), dovrebbe probabilmente spiegare loro come motivati dall'utilizzo della stessa origine di origine lucianesque, poiché manoscritto inglese timone è rimasto e non sembra probabile che Shakespeare potrebbe vederlo. È possibile che l'origine è italiana, ma non è il timone di Matteo Maria Boiardo, né di Galeotto del Carretto.
La trama del dramma è semplice ed è diviso in diverse sezioni. Nelle prime scene timone Mostra liberale, splendida, amorevole gioia ed è corteggiato dall'adulazione dei loro favoriti, cui doni lo restituisce con bounty stravagante. Invano Flavio, Butler, si sforza di attirare l'attenzione del suo Signore per esporre la sua deplorevole stato finanziario.
Intrappolati in debiti, i comandi del timone invitano perfidi parassiti ad un ultimo banchetto e quando già credono che le loro richieste per soldi non erano più di un artificio per testare la loro amicizia, timone drammaticamente scoprire i piatti, pieni di acqua calda, e coprendole con insulti li getta in faccia. Maledicendo la città, il timone si ritira a vivere una vita solitaria e misántropa in una grotta e mentre si rimuove il terreno per trovare le radici che nutrono, trova un tesoro.
Disprezzando la consegna dell'oro, di Alcibiade, che si era ribellati contro Atene per avere questo mostrato ingrato ai loro servizi (caso simile all'ingratitudine del favorito di Timon), quindi con esso pagare i soldati destinati a distruggere la città. Inoltre dà parte del tesoro per le cortigiane Phyrne all e Timandra così che infettino con suo contagio ai giovani di Atene, i banditi che uccidono, e infine al suo fedele maggiordomo Flavio, l'unico che rimane fedele, a vivere lontano dal Consorzio degli uomini.
L'amarezza del timone desahoga in un dialogo con il cinico Apemanto: entrambi rivale nella misantropia, ma il filosofo risponde al timone sono stato abbracciato dalla necessità per il tipo di vita che egli ha volontariamente scelto. Senatori di Atene, sotto la minaccia delle truppe di Alcibiade, venuto a implorare per timone per riportarlo alla città, che promette di riparare i danni che ha causato lui. Ma Timon li prende in giro offrendo loro l'albero accanto alla grotta che hanno impiccato su di esso. Infine, dopo aver visto il suo epitaffio, lui muore. Alcibiade, mentre entrambi entrati in Atene come il vincitore, promette di pagare onore alla sua tomba, sulle rive del mare.
Il dramma ha una semplicità e un profilo di rappresentazione medievale. Il carattere del timone è un paradigma di mero, a partire da un'allegoria; scene di adulazione prima, poi ripudio e, infine, invettive, moltiplica con medievale una monotonia e l'ordine. Ma il significato del dramma è solo nella satira dei costumi e dell'ingratitudine umana, secondo la nuova moda satirica che ha trionfato in Inghilterra sotto Jacobo io e trovato seguaci tra i drammaturghi come Ben Jonson (1572-1637) e J. Marston (1576-1634).

Panoramica e Riepilogo: Troilo e Cressida

Questo dramma in cinque atti e in versi e in prosa fu scritta da Shakespeare intorno all'anno 1602. Stampato in-quarto è apparso l'anno 1609 e io Folio del 1623, cui l'elenco delle opere elencate non titolo; il testo si trova dopo i drammi storici e le tragedie prima. La discontinuità tra le quinte Troiane e campagna greca e il contrasto tra lo stato di guerra attivo che ha caratterizzato la prima e la tregua presupposta da quest'ultimo, hanno dato un pretesto ad alcuni critici che hanno creduto di vedere differenze nello stile mostrando diversità delle mani o date.
Direttamente o indirettamente questo dramma del bambino in quattro fonti: il poema Troilo e Cressida di Chaucer; John Lydgate (1373-1451?) il sito di Troia o le storie di Troy collezione di William Caxton (fare 1422? - 1491), entrambe derivate dalla storia di Troia di Guido delle Colonne, per le parti che fanno riferimento a scene di guerra; Il testamento di Chryseis di Henryson; e infine Homer (a meno che non può specificare come Shakespeare deve conoscere il contenuto del poema omerico) per la caratterizzazione di eroi greci e l'introduzione di Tersites.
Allo stesso modo che Chaucer, mediante il Filostrato cinico e sensuale, risalga alla formula medievale di amore courtly, Shakespeare, attraverso il sentimentale e cavalleresco Troilo e Cressida di Chaucer, torna allo spirito del Filostrato. Con sue fondamenta medievali, loro frammenti della classicità greca e dalla tipica facciata del XVI secolo, il dramma di Shakespeare è forse il più variegato di tutti i suo teatro.
Dà il titolo al dramma la ben nota storia dell'amore per il giovane Troilo dalla Cressida civettuola consumata (Chryseis), che, più incline a incuriosire, finge di dare con grande disgusto per l'insistenza di suo zio Pándaro e successivamente inviato suo padre Calcante tra i greci, in uno scambio di prigionieri, non ha remore chiedere a flirtare poi con Diomede.
Ulisse-guidati, Troilo sorprende negozio decalcomanie accanto al simposio in cui rendimenti di Cressida a istanze di Diomede, al punto di dare l'abito stesso dell'amore ha ricevuto il. Nella battaglia, Troilo tenta disperatamente e vanamente di uccidere il suo rivale; alla fine del dramma abbiamo mostrato maledicendo Pandarus.
Ma una parte del dramma non rappresentano scene riguardo a questo argomento. È una successione di immagini in cui l'epopea è vista con sguardo disincantato e spietato. Pompose descrizioni, arringhe degli eroi, il tutto servito per evidenziare la causa fondamentale e trascurabile della guerra e la dissoluzione di estenderlo. O Agamennone con la sua suprema autorità, né Menelao con ricordi di profanazione cavalcato, né Nestor con la sua esperienza e Ulisse con la sua sapiente arte di governare può modalità non rendendo eventi a continuare sulla strada giusta.
Infine, quando hanno organizzato un singolare combattimento tra il Bluffer ' AJAX e Hector, quest'ultimo lascia il duello non danneggiando ad AJAX, che è suo cugino. Achille è presentato alla luce meno favorevole che si possa immaginare. Dopo aver preso molto tempo per pregare dalla sua inerzia (animato dal giullare Tersites), località all'inganno quando si tratta di trovare contro Hector, causando suoi Mirmidoni circondano e uccidere inermi guerriero Trojan.
La morte è onnipresente in questa quasi-tragedia: ma la tragedia non ha l'accento franco e diretto delle grandi tragedie di Shakespeare, morte non ci mostra mai loro Franco e faccia dura di grave Muse eroica, ma soltanto piani bestialità del tuo profilo indeciso e traditore. È ovunque, come la corruzione e marciume insidioso, come sprecare sottile; Si tratta di disintegrazione nella vita, come in Amleto, tragedia dello stesso tempio, scritto a pochi passi di Troilo e Cressida. Amor cortese (Troilo) è contaminato e portato alla rapida decomposizione dal soffio di lupanar che emana da Pandarus; l'onore cavalleresco (che tale è la guerra, per Hector e Shakespeare) è macchiato e annullata mediante il cinismo di Tersites. Il campo greco è il nuovo mondo che è emerso nel XVI secolo: non cercano gloria e onore, ma il potere, raggiunto a tutti i costi; un machiavellico mondo governato da un'intelligenza, non con passione.

Panoramica e Riepilogo: misura per misura

Questo dramma in cinque atti in versi e in prosa era composto di circa nel 1604 Shakespeare, pubblicato nello stesso anno e stampato in infolio del 1623. La fonte inglese di misura per misura è il dramma Promos e Cassandra (1578) di George Whetstone (fare 1544? -1587?), che più tardi verrà tradotto il suo Decamerone di discorso civile nella quinta storia dell' ottavo decennio della Hecatonmitos di Gian Battista Giraldi Cinzio (1504-1573), che aveva ispirato il dramma con la tragedia Epitia dello stesso (stampato a Venezia nel 1513 Giraldi (, ma che probabilmente già prima di manoscritto di circolazione).
Il tema del giudice al quale la moglie o la sorella di una persona condannata beg, che promette il perdono se quella donna è dato e che, dopo aver, viene inviato per eseguire la sentenza, era molto diffusa nella letteratura e trattati spesso drammaticamente; Oltre ad essere esso da Giraldi e Whetstone, era da Claude Rovillet in pedantesca tragedia Latina Philandia (pubblicato nel 1556), che, tuttavia, è da una versione diversa, in un dramma rappresentato a Besançon nell'estate del 1548, con prole della "prova del Duke Charles". Questa leggenda si trova anche a Napoli e si riferisce alla "giustizia esemplare" fatto lì da Isabella d'Aragona. Tra il moderno è stato ispirato da suo padre, Alexandre Dumas nel matrimonio sul patibolo. La più importante innovazione introdotta da Shakespeare nell'argomento si riferisce al carattere della sorella del condannato.
Il duca di Vienna, con il pretesto di una gita fuori porta loro Stati, ha affidato il suo governo ad Angelo, suo giudice, che fino ad allora aveva da uomo di probità esemplare. Angelo, poi la condanna a morte di Claudio, colpevole di seduzione di Giulietta. Claudio informa la sorella Elisabetta, novizio in un convento e lo implora di intercedere per lui ad Angelo. Motivi di Isabel non riescono a ottenere il perdono, ma la sua bellezza provoca nel giudice una tenerezza che non aveva sentito dalle donne; così in una seconda conversazione con lei, vi risparmia la vita del fratello se ha sacrificato il suo onore.
Si rifiuta di Isabel, arrabbiato e in una celebre scena nella prigione (atto III, scena I) mette al passo con tale proposizione a suo fratello; Quest'ultimo, che a prima vista sembra accettare serenamente la morte, si aggrappano poi, all'improvviso, alla speranza vergognoso. "La più dolorosa e odiosa esistenza età, dolore, povertà e prigione può infliggere sulla natura umana è un paradiso rispetto a ciò che abbiamo paura della morte."
Il duca, che non ha lasciato Vienna, travestito da frate e scopre il comportamento infame di Angelo e immagina un'esca per salvare Claudio. L'ordinazione di Isabel che acconsentano ad andare a casa di Angelo a mezzanotte e arriva a Mariana, che è innamorato di Angelo (che lei ha rinnegato per motivi di interesse), prendendo il posto di Isabel. Baratto dà risultato, ma nonostante questo Angelo ordini che Claudio esecuzione avviene all'alba.
Il duca ha che, anziché la testa di Claudio, essere trasportati ad Angelo di un malfattore ajusticiado; Dopo cedere il costume e la simulazione di tornare all'improvviso, ascoltare l'appello di Elizabeth e Mariana, e nega ad Angelo, che nega la verità delle storie delle due donne. Per volere di questi, Angelo, alla fine di confusione, è perdonato e Unito in matrimonio con Mariana, mentre il duca dichiara il suo amore per Elizabeth. Claudio è perdonato; Lucio, un maldiciente beffardo che ha parlato male del duca al proprio Duca mascherato, è condannato a sposare una prostituta.
La trama è sostenuta dal sottile filo di un eccesso di costumi che compromettere la coerenza del lavoro. E mentre è vero che il duca simboleggia un'etica illustrato e cristiana, non è morale o Christian continuare nascondendo Isabel Claudio vite. La sua figura di santon silenzioso e invadente, frate di mezzanotte che organizza una sostituzione della concubina, non è certamente molto sacro. Misura per misura, infatti, ha sconcertato sempre critici, da Coleridge (che hanno trovato un dramma "doloroso") alla più recente. L'unico personaggio in grado di accattivante simpatia sembra essere abbandonata Mariana. Anche se le figure degli attori nel dramma sono disegnati con mano insolitamente titubante in uno Shakespeare, è, invece, decisiva impressione che ci collega sfiducia e disgusto verso gli uomini. Qualsiasi abiezione per vivere, al fine di soddisfare l'appetito libidinoso: è l' astenersi che si staglia sullo sfondo di questa commedia scontroso.

Panoramica e Riepilogo: sonetti

154 sonetti di William Shakespeare sono state scritte circa prima del 1600, e manoscritti erano (a meno che non hai selezionato un'edizione 1602 è stato persa) fino al 1609, quando li pubblicò l'editore Thomas Thorpe con una dedica a un misterioso Mr. W. H., che è indicato come "l'unica ispirazione per seguenti sonetti" ("il generatore onlie di questi sonetti insuing"). Dato che i sonetti sembrano chiarire più di suoi drammi la vita intima dell'uomo Shakespeare, i critici hanno lavorato sodo per scoprire chi era il misterioso Mr. W. H., senza tuttavia a molto positivi.
Secondo un'opinione diffusa, i sonetti sono dedicati al conte di Southampton, protettore di Shakespeare (W. H. sarebbe invertite iniziali di Henry Wriothesley, il nome di Earl). Altri, che non credono possibile che un editore ha osato di nominare un membro potente del aristocracy con il singolo "Mr. W. H.", hanno pensato di William Hall, un tipografo che aveva procurato il manoscritto ("generatore" può essere interpretato come "Avvocato", oltre a come "ispirazione") anche se non si ha affidato la stampa dello stesso. Il problema di identificazione ha suggerito che Oscar Wilde l' elegante storia il ritratto di Mr. w. H.
Un altro problema che ha appassionato i critici è l'identificazione del poeta rivale, dicuiall ' sonetti 78-86; Barnabe Barnes (1569-1609), George Chapman (1559-1634) e altri sono stati suggeriti. Tuttavia, indagini entrambi parlano e la signora Morena ("la Dark Lady") di un altro gruppo di sonetti, hanno fallito aumentare quello che già sapevamo circa i dettagli della vita privata di Shakespeare.
Il tono dei sonetti, che, a parte la convenzione di determinati motivi, trasuda stanchezza e pessimismo e potrebbe preludiar Hamlet e le tragedie seguenti cupa, sembra rivelare un professionista fortunato molto differente di Shakespeare la scena emergente da aridi documenti biografici è arrivata a noi. Perché, sì, convenzionale, come abbondano nei numerosi canzonieri del periodo ispirato direttamente o indirettamente il Petrarca. Beh, il motivo per l'immortalità assicurata il versetto, horaciano argomento che i poeti della Pléiade; moda il tema dell'apparenza notte dell'amato; o i giochi di concetti in cui gli occhi e il cuore sono in conflitto.
Ma la maggior parte dei sonetti di Shakespeare si distinguono dai libri di musica contemporanee per accento appassionato dell'esperienza vissuta, al punto che William Wordsworth li definisce come "la chiave con cui Shakespeare ci ha aperto il cuore" (anche se un altro grande poeta, Robert Browning, ha risposto a questo con la famosa frase "se così, Shakespeare nani"). Nei sonetti del tipo chiamato "Elisabettiano" o "Shakespeariano" (tre quartine di rime alternate e un distico finale: abab, cdcd, palmo, gg) si possono distinguere due o tre motivi che certamente si riferiscono a situazioni di vita reale. Il suo significato è chiaro; solo bisogno della chiave di allusioni.
Il Songbook di Shakespeare ha uno sviluppo drammatico che invano si cercherebbe nelle altre collezioni, generalmente privi di un accento unico ben definito. Naturalmente, ci sono meno caratteristici sonetti, ma essi sono sparsi in tutta la collezione, secondo una legge di economia comune anche alle più grandi opere; un volume in cui tutta la composizione è stata un capolavoro sarebbe anormale, artificiale. Questa legge dell'economia spiega la presenza di mediocri sonetti molto meglio di qualsiasi teoria possibile che presentano il Canzoniere shakespeariano come opera collettiva.
Che dire di più sonetti di Shakespeare per il lettore moderno è il tono della chiaroveggenza del poeta e la precisione dell'analisi, in partenza da schemi consueti di quel genere di letteratura. Chiaroveggenza spesso disperato, come quando il poeta realizza la sua umiliazione, dell'abdicazione della sua dignità di essere indegni; "odi et amo" che rinasce con già vicino ai nostri accenti di sensibilità.
Poi la confessione ha un nuovo, come in intimità sonnet 30: "quando i tribunali per il dolce pensiero silenzioso chiamato il ricordo delle cose passate..." e che a volte raggiunge l'amarezza profonda di un cristiano, come il sermone del celebre sonetto 129: "spreco di spirito in un deserto di disgrazia è il desiderio in atto; e fino a quando è non agire il desiderio è spergiuro, omicida, sanguinante, pieno di colpa, selvaggia, estrema, rude, crudele, indegno di fiducia: ci siamo goduti, ora disprezza; follemente cercato e come esca posseduta, violentemente odiato, come inghiottito, intenzionalmente, tendeva ad andare pazzo lo prende a quello; pazzo nella persecuzione e così in possesso... In precedenza, un fantasma di godimento; più tardi, un sogno. Lo sa tutto il mondo; ma nessuno sa come evitare il cielo che conduce gli uomini a questo inferno".
In ogni caso, sua intuizione corrosivi non impedisce le note di stampa di poeta che sono la più pura e fresca nella lirica elisabettiana così ricca di freschezza e alata, come nel sonetto 18 canzoni: "Deve paragonarti a un giorno d'estate...", o 54: "Oh, come più bella sembra bellezza da dolce motivo conferisce purezza". Anche quando lasciato trascinare, come allora era diventato di moda tra i metafisici la scuola di John Donne, sfumature e concetti, si sente sempre vivo profondità di ispirazione, dando risonanza universale a modi e modi di tempo: così nel sonetto 53, giocando con i significati di "ombra": "che cosa è la sostanza che si è fatti , che milioni di strane ombre si seguono, poiché ogni uomo ha un'ombra e voi, che voi non siete più di una persona, si possono scurire le cose... ", o 87, quando applicato ad per amare la terminologia giuridica:" Addio, sei troppo costoso quindi mi appartieni... i titoli che io ho di voi decadute tutte... "." Due sonetti pubblicati nel 1609 (138 e 144) erano già stati pubblicati in forma un po' diversa nel volume intitolato il pellegrino appassionato.
Pubblicato per scopi didattici autorizzati da: Biografías y Vidas
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03. taglio ala dell'Aquila e la volpe.
04. L'Aquila e la volpe.
05. L'Aquila e la freccia.
06. L'Aquila e i Galli.
07. le volpi sulle rive del fiume Meandro.
08. la volpe che è stata riempita il suo grembo.
09. la volpe e il biancospino
10. la volpe e il taglialegna.
11. la volpe e il serpente.
12. la volpe e i grappoli di uva.
13. la volpe e il coccodrillo.
14. la volpe e la Pantera.
15. la volpe e la scimmia incoronato re
16. la volpe e il cane.
17. la volpe e la scimmia discusso circa la sua nobiltà.
18. la volpe e il caprone nel pozzo.
19. la volpe con la coda tagliata.
20. la volpe che non aveva mai visto un leone.
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