Dipinti di Diego Velázquez

Diego Velázquez, "pittore del re", aveva la vocazione per la pittura fin dall'infanzia. A Madrid ha vinto l'affetto di Felipe IV e lavorato quasi esclusivamente per esso, installato come un grande Signore e creando una meravigliosa serie di ritratti che lo rese famoso. Due viaggi in Italia, nel 1629 e nel 1649, metterlo in contatto diretto con l'arte di questo paese, soprattutto con la pittura veneziana. Signorile e sicura di sé, ha sviluppato la sua arte secondo una curva evolutiva che è diventato una magnifica lezione di pittura, e che va dal puro realismo della sua prima attività, l'aristocratico ed elegante e, infine, profondo realismo della piena maturità. In questa mostra virtuale, in cui le opere sono ordinate cronologicamente, è possibile seguire l'evoluzione del suo lavoro.

Colazione

Al 1618
Tela di canapa. 1,07 x 1.01
Museo dell'Hermitage, Petersburgo.

Diego Velázquez, così come numerosi personaggi di cortigiani, raffigurante sinistra più scene raffiguranti costumi locali dalla gente comune. In loro che è diventato chiaro il suo amore per il popolo e la sua concezione profondamente umano della vita.

La colazione, conservato nel Museo dell'Ermitage, l'artista ci mostra due giovani donne allegra che, a quanto pare, state invitate ad un vecchio, un barbone forse. La trama e i personaggi si ripetono spesso nel lavoro del pittore.

Velázquez mette in evidenza i giovani gesticulantes, pieni di vita e audace, il cui atteggiamento contrasta con il po ' vecchio fermi e tranquillo che, ascoltando i discorsi della gioventù, sta mostrando segni di possedere grande esperienza. Il confronto tra la giovinezza e la vecchiaia è un delicatamente e con tatto.

Forti contrasti di luce e ombra magistralmente organizzano lo spazio pittorico. Con grande abilità è utilizzato luce per evidenziare le facce, tovaglia bianca, il bicchiere di vino, pane, piatto con frutta e cibo. L'artista presta attenzione a tutti i dettagli. Ogni oggetto è mirabilmente disegnato e tutta l'opera trasmette grande realismo.

San Juan Evangelista nell'isola di Patmos

Al 1618
Tela di canapa. 1,35 x 1,02
National Gallery, Londra.

Conservata alla National Gallery, questa foto ha appartenuto al convento di passerelle delle Carmelitane di Siviglia e dipinto fino a Velázquez si trasferì a Madrid. Nella finestra di St. John è seduto scrivendo rivelazione, con il suo simbolo, l'Aquila, al suo fianco. Guardare verso la visione di una figura femmina alata con un drago, nell'angolo superiore sinistro della tela. Questa luce di scena di notte emana dalla visione.

Velázquez utilizza il formato tradizionale per il soggetto, ma invece di mostrare noi san Juan come un vecchio uomo, come lo era quando scrisse l'Apocalisse, dipinto il Santo come un giovane uomo. Il volto è specificato; Non mostra alcuna idealizzazione e con i baffi è tipicamente spagnolo.

È chiaro che Velazquez stava lavorando con un modello, anche se i colori utilizzati in questo dipinto sono diverse da quelle che per servire nella fase sivigliana. Il forte contrasto tra luce e buio, ricorda che lo stile di El Greco era visionari eventi.

L'adorazione dei Magi

1619
Tela di canapa. 2.03 x 1.25
Museo del Prado, Madrid.

Velázquez, del tenebrismo più severa caravaggista fase Seville, trovato nel Museo del Prado, qualche ritratto e questa superba adorazione dei Magi, datata nel 1619 in pieno della gioventù dell'autore, tradurre molto bene le preoccupazioni brillante e prieto e realismo quasi scultoreo nei suoi primi anni di modellazione.

La gamma di tonalità di colore, marrone, con spesse ombre e brillante colpi di grande intensità; Paesaggio crepuscolare, basso toni con vero bassanesco memoria e così individuali e concreti volti, ritratti senza dubbio, guardare ben definire il tuo stile prima.

In quella delicata, ma reale e immediato volto della Vergine e il bambino delizioso, così veramente Gesù bambino, deve vedere, come egli è stato detto più volte, un amorevole tributo a sua moglie e suo figlio, nato lo stesso anno.

Cristo in casa di Marta e Maria

Verso 1620
Tela di canapa. 0.60 x 1,03
National Gallery, Londra.

Questa immagine appartiene all'epoca sivigliana di Velázquez, prima di trasferirsi a Madrid. Le scene in cui ci sono taverne o cucine e Nature morte erano molto popolari a Siviglia. Colori terrosi e pennellate dense che descrivono la consistenza degli oggetti e la pelle abbronzata degli abitanti del villaggio sono tipiche di questa fase di velazquena.

Velázquez al plasma splendidamente lucido bagnato scaglie di pesce e la forza e il carattere metallico del mortaio. L'influenza di Caravaggio è grande, sia in tema e nel trattamento, ma la natura morta e i personaggi in primo piano e una seconda vista sullo sfondo, con personaggi religiosi, provengono da pittori fiamminghi, in particolare di Pieter Aertsen, che hanno lavorato a Siviglia.

La scena di sfondo è tratto da Luke ed è inteso come un'immagine all'interno del quadro o, forse, come un riflesso in uno specchio, ma è più probabile che è una scena che si svolge in una stanza attigua, visto attraverso un'apertura nel muro. È difficile anche per decidere quale rapporto esiste tra quella scena e figure in primo piano, la vecchia signora e il cuoco. Forse si intendeva stabilire un certo tipo di relazione morale.

Filippo IV

Al 1626
Tela di canapa. 2.01 x 1,02
Museo del Prado, Madrid.

Questo ritratto del giovane re Felipe IV, dipinto intorno al 1626, è un superbo esempio di stile di Velázquez nei suoi primi anni da Madrid e allo stesso tempo, una prova di come l'artista tornò più e più volte sulle sue tele, che aveva sempre davanti agli occhi, sulle pareti dell'Alcázar.

Ritratto in primo luogo è stato composto nella tradizione del XVI secolo realizzata da Antonio Moro, con le gambe aperte a bussola, l'atteggiamento di tre quarti e supportato da una mano ferma. Ma alcuni anni più tardi ha deciso di cambiare la silhouette, mettendo insieme le gambe, con quali figura in particolare ha vinto in snellezza. È ancora visibile ad occhio nudo (e ulteriormente evidenziato da raggi x) la disposizione originale.

Velazquez uso qui il tenebrismo di illuminazione per la violenta e diretto di anni Seville, rendendo così più chiara l'espressione intensa malinconia e il cavalier gesto della mano che tiene il memoriale. I toni sono terrosi ancora la castagna della prima tappa, ma sullo sfondo e le ombre sul terreno sono già alcuni grigio che sarà suo grande risorsa e la sua magia suprema, e che è sicuramente ancora più stressato per ritoccare le foto forse al 1629.

Ubriaconi

-1629
Tela di canapa. 1.65 x 2,25
Museo del Prado, Madrid.

Los borrachos o il trionfo di Bacco è stato dipinto nel 1629 a Madrid, il prossimo anno del viaggio da Rubens per la Corte spagnola, e chissà se questa prima composizione mitologica di Velazquez non risponde ad un suggerimento del grande flamenco.

Ma non c'è niente di più opposto alla concezione Pomposa e sensuale del pittore di Anversa che personali, semplice e quotidiana così interpretare la scena, quasi come immagine del genere, che ha fatto pensare a volte se il pittore intendevano esprimere il mitologico, copiare una scena di bere, o prendere in giro degli antichi dèi.

Baco è un corpulento muscoloso, di labbra sensuali, che ha spogliato per quanto riguarda la presa in giro e i loro accompagnatori sono ladri o soldati di terzi, visti nella loro realtà più immediata. La tecnica è suoi anni Seville, con forte enfasi sui contrasti di luce e una modellazione stretto e naturalistico. Tuttavia, grigi vengono introdotti nel paesaggio e la pennellata è un po ' più leggera nelle sue opere precedenti.

La fucina di Vulcano

1630
Tela di canapa. 2.23 x 2.90
Museo del Prado, Madrid.

Durante il suo primo viaggio in Italia nel 1630 Velázquez dipinse due colleghi di tele, che rappresenta il punto più "accademico" della produzione. Egli ha colpito senza dubbio pittura dell'artista del classicismo Bolognese, che era nella parte superiore della sua produzione ha la sua strada attraverso il Cento, dove c'era il Guercino, si incontrano. Uno di questi dipinti è la tunica di Joseph, mantenendo El Escorial; l'altro, la Fucina di Vulcano, nobile fregio di bei corpi nudi, in armonioso equilibrio della composizione come vista e studiata.

Il soggetto mitologico piuttosto robusto (la rivelazione a Vulcano da Apollo l'adulterio della moglie Venus) è suggerito con un contenimento delicato che contrasta con la sensualità maliziosa mettendo in questo e altri episodi del mito di pittori fiamminghi. La tavolozza è stata chiarita; Gone è alcuna traccia di Zurbarán e colore è armonizzato in una gamma di grigi e castagne di straordinaria eleganza che sarà in futuro più tipici.

Vista sul giardino di Villa Medici, Roma

1630 / 1650
Tela di canapa. 0.48 x 0.42
Tela di canapa. 0.44 x 0,38
Museo del Prado, Madrid.

Paesaggi meravigliosi e piccoli dipinti di Velázquez copia due angoli di Roman Villa Medici hanno, in aggiunta alla sua eccezionale bellezza e modernità tecnica, il fascino misterioso di sue imprecisioni cronologici. Nel suo primo viaggio in Italia, dal 1629 al 1631, Velázquez, grazie per il suggerimento dell'ambasciatore spagnolo, ha vissuto nella città, che, per la sua altitudine e i suoi giardini, era il posto più cool di Roma durante l'ondata di calore.

Dubbio non potrebbe poi, con calma, al piacere di vernice, plein air, questi effetti vibranti del sole attraverso le foglie. Alcuni critici ritengono loro efficacemente che datato e attribuito la sapiente leggerezza di tocco per la mancanza di preoccupazione, perché è un punto e non un lavoro finito. Altri critici preferiscono vedere questi paesaggi nel lavoro del suo Roman secondo soggiorno nel 1650, evocando, con non senza lirismo malinconico, la scena del loro già remoti e i primi mesi romani.

In un modo o in altro, questi piccoli dipinti sono uno degli aspetti più suggestivi dell'arte di Velazquez. Brezza leggera trasparenza, sottile vibrazione di luce, che non troveremo all'Impressionismo e quell'atteggiamento di malinconica sensibilità alla natura in abbandono, rendono queste piccole tele più moderni di tutta la pittura spagnola del XVII secolo.

Ritratto di Filippo IV

Al 1631-1632
Tela di canapa. 1.95 x 1.10
National Gallery, Londra.

Re Felipe IV salì al trono all'età di sedici anni e divenne il pittore ufficiale di Velázquez, di ventiquattro anni di età. Il rapporto tra i due era cordiale e duraturo a tal punto che il pittore fu nominato usciere della camera nel 1627, seguita da altri oneri e cavaliere di Santiago nel 1659.

Velázquez è stato l'unico ritratto del re, e quando, in due occasioni, l'artista era assente in Italia, nessuno ha fatto ritratti del monarca. Questo ritratto a grandezza naturale Mostra il re con i baffi, con abiti di insolito splendore (di solito indossare colori scuri) e con il vello d'oro, appeso a una catena d'oro.

Il quadro è stato dipinto dopo il primo viaggio di Velázquez in Italia (1629-1631). L'artista dipinse direttamente sulla tela, in modo che in alcune delle sue opere può notare alterazioni. Costume ricamato è fatto con colpi di luce e grande finezza di colore. Velázquez considerato che questo ritratto è stato importante, il modo che ha firmato la carta che trasportano lo stesso re nella mano destra.

Cristo crocifisso

Al 1632
Tela di canapa. 2,48 x 1.69
Museo del Prado, Madrid.

Questo Cristo è uno della più popolari velazquenas e senza dubbio uno della più felice ispirazione. Dipinto intorno 1632, dopo il viaggio in Italia, racconta la sua nobile e serena nuda con le citazioni in Italia, ed è una delle poche immagini religiose dipinte sul palco di Corte. Essa risponde a un'assegnazione esplicita del re per il convento di San Placido ed è stato collegato con una bella leggenda di vero amore.

Nella composizione del Cristo, sereno, con quattro chiodi e la testa inclinata, c'è un promemoria che in diverse occasioni ha dipinto il suo suocero Pacheco, la cui Eco raggiunge anche Alonso Cano. Modellazione, morbido e sciolto, ha perso la precisione scultorea degli anni giovanili, ma la loro luce, offuscata e senza colla di colore a malapena, tecnica crea un corpo spugnoso di luce, ma non per questo motivo meno reali.

Per la sua serenità e il suo mistero indefinibile è stata questa tela punto di partenza di meditazioni letterarie. Ricordo solo il poema lungo teologico di Miguel de Unamuno, che porta il suo nome.

Pablo de Valladolid

1633
Tela di canapa. 2.09 x 1,23
Museo del Prado, Madrid.

L'alberino della macchina fotografica del pittore significava, a quanto pare, l'obbligo di ritrarre non solo re e magnati, ma anche dei "vermi del Palazzo", il mondo di pazzi di nani, giullari e uomini di piacere che ospitava il re nel suo palazzo e parte della sua corte.

Velazquez ha lasciato molte volte, a fronte di questi esseri deformi, una patetica, umana e profonda, impressionante testimonianza di obiettività indiscutibile, ma anche una speciale delicatezza nel trattamento di deforme e un'evidente tenerezza verso il salvabile da queste personalità spesso sub-umano, nel brevetto contrasto con fredda indifferenza con cui altri artisti naturalisti del suo tempo Ribera si avvicinò ad esempio, tipi simili.

Paul (o Pablillos) di Valladolid, dipinta nel 1633, è stato chiamato a volte "l'attore" dal suo gesto declamatoria. È uno dei risultati più sorprendenti della prospettiva aerea velazquena. I resti di figura ben piantati sui suoi piedi, che si basano su una superficie di appena creata con luci e ombre, perché non non c'è nessun fondo o più mite geometria spaziale di riferimento che segnano il pavimento o a parete.

San Antonio Abad e Paolo, primo eremita

1634-1635 circa
Tela di canapa. 2,57 x 1,88
Museo del Prado, Madrid.

Commissione reale per l'altare della cappella di San Pablo nei giardini del Buen Retiro, questa bella tela fu dipinta su 1634-1635. É anche una delle poche tele religiose della lunga fase Court di Velázquez. La composizione, molto semplice, sembra essere ispirato del primo Rinascimento o stampe medievale. Magistrale assolutamente è il trattamento del paesaggio ampio, con una leggerezza di tocco e un'unità di tono placcato assolutamente moderno.

Don Gaspar de Guzmán, Conte-Duca di Olivares

1634-1635
Tela di canapa. 3.13 x 2,39
Museo del Prado, Madrid.

Dipinto senza dubbio in data accanto i ritratti Royal equestre del Palazzo del Buen Retiro, 1634-1635 e senza dubbio con la stessa tavolozza, questa Conte Duca di Olivares, a cavallo, risponde anche ad un regime un po' ostentato, pomposo e teatrale. Forse (per una volta dentro il sobrio Velazquez) lusinghiero e disimulador delle imperfezioni, perché gesto, di un arrogante, bellicoso slancio mai il Conde Duque, aveva abilmente nasconde anche spalle caricate e niente grazioso cuscinetto del sovrano onnipotente che sia protetto il pittore.

La tela, come pittura pura, ha da allora maestro. Vedere la succosità del colore, che armonizza tono marrone in uscita a cavallo con l'argento lucida e verde distanza freddo grigio, dominante. La pittura per il proprio Conde Duque, certamente si unì nel XVIII secolo nelle collezioni Royal di acquisto il Marqués de la Ensenada.

La Regina Margarita de Austria, moglie di Filippo III

1634-1635
Tela di canapa. 3.01 x 3,14
Museo del Prado, Madrid.

Questo ritratto equestre era parte di Felipe III, di Felipe IV, Doña Isabel de Borbón e infante Baltasar Carlos, la decorazione dei regni Hall del Buen Retiro. Ma così come quelli di Felipe IV e l'infante Baltasar sono interamente mano velazquena, est di Doña Margarita e Felipe III e Doña Isabel pongono un problema non ancora completamente risolto.

È evidente che Velázquez era impossibile eseguire la dettagliata e monotoni orpelli e mantelli ricamati di questi ritratti, mostrando inoltre (e pulizia marca nell'officina del Museo del Prado ha indicata) bande di tessuto aggiunto ad entrambi i lati di ogni composizione, mentre la superficie interamente ritoccata da una mano sicura e vibrante non possono essere ma quella di Velázquez.

L'interpretazione logico è quello di vedere Velazquez tweaking e adattare alcune pitture esistenti al suo posto nella sala grande e completare la decorazione con dipinti interamente tuo qui. È probabile che i ritratti preesistenti siano opera di Rodrigo de Villandrando, suo predecessore in taluni posti palatal e tecnica dell'artista ancora più vicini a de Pantoja de la Cruz, come la rappresentazione queste immagini.

È in questo ritratto di Margherita d'Austria, la prima moglie di Filippo III, dove la partecipazione di Velázquez avverte con maggiore evidenza. Il paesaggio è interamente vostra. Nei bordi laterali è trattata con leggerezza di aguada, come quadro decorativo quasi senza precedente preparazione. Il volto della Regina e il lussuoso e pesante mantello del vestito di gala, un altro pittore, sono animati da una leggera pioggerellina che animano insospettata modalità impostata. Ma è nel cavallo dove Velázquez, superba interprete del Regno animale, ha lasciato il meglio di sé. Con tocchi di libertà sovrana, ha dato vita a questo animale indimenticabile, la Maestà e l'intelligenza veramente reale.

Spears o la resa di Breda

1634-1635
Tela di canapa. 3.07 x 3,67
Museo del Prado, Madrid.

Per la decorazione della sala del Buen Retiro regni, in cui anche lavorano entrambi più grandi artisti di cortigiani (Carducho, Caxés, Maino) e il più giovane (José Leonardo, Pereda) promette, Velazquez fatta al 1634 una delle sue opere di bellezza, che sarebbe diventato anche uno dei più popolari: la resa di Breda o Las Lanzas.

La tela è senza dubbio una delle capitali della pittura universale che abbiamo cercato di esprimere un militare contemporaneo. Composizione, sereno equilibrio classico, contrasta i gesti dei protagonisti, Victor e vinti, in elegante armonia: Victor sereno e cordiale; con prestazioni decenti si dimise vinti.

Velázquez conosceva molto bene il volto del generale Ambrosio Spínola, perché egli aveva fatto il suo primo viaggio in Italia con lui e magari sentire lui personalmente commento sulle famose armi fatto avvenuto nel 1625. I personaggi che accompagnano sono più di parate, perché sia il gruppo di spagnoli e olandesi sono strettamente individuali.

Il paesaggio sullo sfondo di indimenticabile una luminosità e trasparenza, ci dà la misura del "pittore dell'aria" Velazquez. Sono state notate numerose sfondo alla composizione in francese e fiammingo, spesso mediocre, incisioni che Velázquez è stato interpretato con l'obiettivo di verità che rende il suo stile storia arte pittorica semplicemente più.

Principe Baltasar Carlos

1635 1636
Tela di canapa. 2.09 x 1.73
Museo del Prado, Madrid.

Lo stesso set della sala dei regni, ma già interamente dipinto da Velazquez, arriva questo delizioso ritratto del principe sfortunato, con suoi jaca in Corvette saltar su sfondo d'argento delle montagne Guadarrama con neve, dove si trova il picco del maligno. L'infante è senza dubbio una delle figure più simpatiche di tutta la Galleria della rappresentazione di caratteri.

L'effetto un po' ingrato dell'animale, visto frontalmente è un po ' rigida e sproporzionata, corretto tenendo conto che è stato dipinto per sopra porta, con visione sotto sopra, che dà tutta la sua vivacità e l'audacia del barocco contraessero, tecnico Velázquez era senza dubbio vedere in registrato maestri fiamminghi di esaltazione militare, conosciuto e ancora popolare a suo tempo.

Ritratto equestre di Filippo IV di Spagna [dettaglio]

1634-1635
Tela di canapa. 1.26 x 0,93
Museo del Prado, Madrid.

Conservato nel Museo del Prado a Madrid, quest'opera era forse mandata a Firenze per servire come un modello allo scultore Pietro Tacca, che dovrebbe scolpire un monumento equestre di Felipe IV tenuti per Madrid. Colori vivaci e luminosi, esclusione chiara veneziano, ma interpretato in tonalità argento, secondo il gusto di Velazquez, costituiscono il modello cromatico della collezione innumerevoli dipinti e forse moderna, nonostante la freschezza e la velocità con cui è stata effettuata la tela.

Caccia al cinghiale reale

1635-1640
Tela di canapa. 1.82 x 3.02
National Gallery, Londra.

L'opera rappresenta una battuta di caccia e fu incaricato di decorare la Torre della fermata, per cui Rubens anche effettuato alcune immagini mitologiche Velázquez. Alcune figure e il paesaggio sullo sfondo potrebbe non essere la stessa opera di Velázquez; avete pensato a imbracatura del pennello.

Questa forma di cinghiali selvatici caccia era costosa e complicata, come ha dovuto chiudere i battenti l'area dove erano animali selvatici con un recinto costituito da tessuto o tela (contratela). Il re e i suoi compagni erano dopo con gli animali di Forconi (qualche riserva può essere appoggiato contro un albero), Hounds stanco per cinghiali e bracconieri sparato su di loro, come si può vedere sulla sinistra.

Accanto al re, sulla destra, in primo piano è il Conte-Duca di Olivares, e gli altri due cavalieri possono essere i fratelli del re, così come la signora sul galleggiante può essere la sua prima moglie, Isabel, anche se la sua identificazione esatta è difficile. Lo stesso vale per molte delle figure che sono fuori dal recinto, alcune delle quali sono chiaramente ritratti.

Ritratto del Conte-Duca di Olivares

1637 1638
Tela di canapa. 0.67 x 0,54
Museo dell'Hermitage, Petersburgo.

Il Conte-Duca di Olivares, carattere ritratta in questa foto dell'Eremo, è stato preferito del re Felipe IV e durante quasi un quarto di secolo ha impiegato un'influenza illimitata il monarca. È estremamente sorprendente realismo con cui Velázquez trasmette le caratteristiche principali del protagonista. L'immagine riflette il carattere severo del Conte-Duca e contemporaneamente rivela aspetti che sono scoprire ingegno e tenacia insolito. Diverse tonalità di colore modello faccia con maestria e pennellate disuguale che permettono di migliorare la formazione delle fazioni. Il lavoro è un campione finito di straordinario realismo raggiunto dal geniale pittore.

Il giullare Calabacillas

1637-1639
Tela di canapa. 1,06 x 0,83
Museo del Prado, Madrid.

Erroneamente conosciuta per il Bobo de Coria, che è il nome moderno, questa patetica tela raffigurante il buffone Calabacillas, che possiedono Velázquez interpretato nuovamente con una carta nel suo macinino a mano. Con il tuo sorriso stupido e suo timoroso di gesto animale assediato, è sicuramente la più sconvolgente di tutte le serie. Ammirevole è l'armonia di colori neri e marrone e la leggerezza del pennello, dove alcuni frammenti, come il volto, raggiungendo le estremità che troveremo nuovamente solo nelle opere più recenti.

Questa abocetada che ha fatto Bill credeva suo lavoro della vecchiaia del pittore, ma c'era vernice prima 1639, in cui consiste il modello è morto. È possibile, tuttavia, che esso retocase esso o intensificate anni più tardi, come ha fatto in tanti altri dipinti, nel Palazzo sempre rimasto sotto i suoi occhi e la portata dei loro pennelli.

Esopo

1639 1640
Tela di canapa. 1.79 x 0,94
Museo del Prado, Madrid.

Fatta eccezione per la scritta che accompagna la figura, nulla potrebbe pensare, a questo degno mendicante di strada dipinto così succoso nel vecchio realismo favolista greco. La tela, come fellow del filosofo Menippo, dipinto con traccia simile, è stata effettuata per la Torre della fermata, Palazzo di caccia e di svago nella foresta di Pardo, tra 1639-1640.

L'idea di rappresentare gli antichi filosofi come personaggi volgari e modelli prelevati dalla strada non era nuova; Egli aveva fatto prima, forse con più maleducazione, Ribera, e stavano facendo gli artisti napoletani. Velazquez ha messo qui (insieme a personale senso di nobiltà, anche all'interno lo sfilacciato della figura) sua maestria tecnica e la cassaforte del suo stile più maturo e pennellata sciolto.

Autoritratto

1643
Tela di canapa. 1.01 x 0,80
Galleria degli Uffizi, Florence.

Due autoritratti di Velazquez, uno dei media busto e l'altro, qui riprodotta, in poco più di metà del corpo sono conservati nella Galleria degli Uffizi. È facile riconoscere la grande arte e veloce intraprendenza della sua spazzola in ditta, quasi audace, inquadrando i toni caldi di marroni e neri e l'intensa espressione del volto. Velazquez interpretato e ricreato con personalità i colori di Tiziano e la luminosità del Caravaggio, conseguire quegli effetti ambientali, dove la luce modelli gli oggetti con grande naturalezza.

Il giullare D. Diego de Acedo, "El Primo"

Verso 1645
Tela di canapa. 1,07 x 0,82
Museo del Prado, Madrid.

In questo pittoresco effigie di D. Diego de Acedo loco lì come una presa in giro del mondo dei genealogisti e spazzini rimozione delle salite che sciamarono nella Spagna del suo tempo. Fogli spessi sono la cornice per questo curioso personaggio che sembra sapere all'interno fuori pedigree ed esecutiva della nobiltà. Vestiti neri gravi e anche il tono assente dignità della sua faccia andato fare forse la più grave e la serie di giullari di Corte. Come pittura pura, padronanza di neri e grigi e la realtà palpabile di still life fanno parte del primo ordine.

Venere allo specchio

Al 1649-1651
Tela di canapa. 1.22 x 1,77
National Gallery, Londra.

Donne nude sono un tema piuttosto insolito nella pittura spagnola. Anche se Velázquez viene mantenuto solo una foto di nudo, è noto che dipinse almeno tre altri. Il primo record di quest'opera deriva dal 1651, nella collezione del Marchese del Carpio, che era il figlio del primo ministro del re.

L'immagine potrebbe essere dipinto prima del secondo viaggio di Velázquez in Italia (1649-1651) o in Italia stessa, da dove dovrebbe essere inviato in Spagna. L'artista ha creato la propria immagine della dea Venere, ma l'idea di appoggiarla e presentarlo sulla schiena, con Cupido con uno specchio, proviene da Tiziano.

Piuttosto che mostrare forti contrasti di luce e ombra e preparare con la struttura della superficie meticolosa fedeltà oggetti per creare l'illusione della realtà, Velázquez arriva qui per dipingere ciò che l'occhio vede davvero. Colori si fondono con l'altro, i contorni non sono evidenziati e dettagli sono suggeriti ma non descritto. La riflessione della dea non è reale, lo specchio non possa raccogliere il volto di Venere da questa posizione. Una striscia aggiunta nella parte superiore della tela indica che l'inclusione di Cupido con lo specchio era dopo la prima realizzazione.

Ritratto dell'infanta Margarita

1653-1654
Tela di canapa. 0.70 x 0,59
Musée du Louvre, Parigi.

Il Louvre rimane un ritratto severo senza concessioni da Mariana Regina, accanto al quale il ritratto dell'infanta Margarita, che ha ispirato l'artista, spesso piccolo è una grazia incantevole. Anche se questa piazza è stata completata da Mallet, genero di Velázquez, è un buon esempio di un audace e presso la stessa tecnica economica, tempo che all'interno di un disegno di legge gratuito delinea i dettagli ed evoca la qualità degli oggetti reali, allo stesso tempo che utilizza un tocco di modernità che hanno anticipato che il primo impressionista opera di Renoir.

Las Meninas

1656
Tela di canapa. 3.18 x 2.76
Museo del Prado, Madrid.

Dipinta nel 1656, la tela che viene chiamata "la famiglia" nell'uso e inventari reali ha consacrato come Las Meninas è più appena una serie di ritratti. In occasione della "teologia della pittura" è stata chiamata e in realtà mai come esso è stato un pezzo di pittura pura, astrazione dell'aria e le relazioni spaziali delle cose in un'atmosfera vivace e uno spazio concreto e misurabile.

Un basso virtuale della vecchia Alcazar di Madrid, pareti bianche ricoperte di dipinti, la famiglia reale ha incontrato così ritrae il pittore di camera del re. Il infantita, più server immediata, i nani, il Mastino, ugualmente sono trattati come elementi puri di plastica, il cast tutto in aria quasi palpabile che dora luce sotto soffitti alti. I re, situati dove oggi sorge il Visualizzatore riflettono la sua immagine dipinta nello specchio sullo sfondo, e il pittore lo sguardo (lo vediamo) con peer e profondità.

L'albero di plastica della scatola, a cui i due "meninas" che portarlo a bere in un vaso fresco di fango, che si appoggia è l'infanta Margarita Maria, futura imperatrice di Germania, per più di cinque anni, pieni di grazia i bambini e con qualche civetteria già femminile l'abito di Corte complicati e rigida. La tecnica pittorica è molto leggera quando il bagliore della sete del suo vestito e meninas, nani e proprietari, tutti i nome e biografia conosciuto in tour. Il colpo di sole dal basso e finestrini anteriori polvere brillante rendono l'immagine piuttosto vivido, con la realtà immediatamente sorpreso.

Ma allo stesso tempo, sicuramente ci sono nella casella allegorico e forse politico, non ancora sufficientemente chiare intenzioni. La scatola, ha anche l'interesse di mostrarci l'effige più sicuro del pittore che manteniamo. Fifty-seven-year-old man, aspetto sereno, nobile e flemmatico porte, come suoi biografi descrivono, ha incarnato nella sua opera del pittore della nobiltà. La Croce di Santiago, che è stato concesso nel 1659, è stato aggiunto alla tela, forse dopo la morte di Velazquez.

Le filatrici

Al 1657
Tela di canapa. 2.20 x 2,89
Museo del Prado, Madrid.

Il lavoro degli ultimi anni del pittore, le filatrici è stato giocato per lungo tempo come immagine del genere, semplice visione di un workshop presso la fabbrica di arazzi Royal; qualcosa di inconcepibile nella Spagna del suo tempo per tale grafico di grandi dimensioni. Oggi sappiamo che l'immagine rappresenta in realtà un passaggio mitologico: il concorso di pale e Arachne sulle sue abilità sul telaio, che si conclude con la maledizione di Palas, il suicidio di Arachne e sua trasformazione in un ragno.

Come in altri suoi quadri mitologici, Velazquez ha eluso la magniloquenza di tutti e ha esaltato le allusioni alla vita quotidiana contenute nel mito, ambiente in questo caso chiuso e produzione del telaio. La tecnica è diventata meravigliosamente sciolto e tocco impressionistico suggerisce e coagula la realtà in tutte le sua vividezza. Sicurezza e la padronanza di Velázquez per catturare il transitorio ha qui, forse, la sua più perfetta realizzazione. L'aria circola e quasi sentire formicolio rotella di filatura di tornio.

La tela fu dipinta per un collezionista privato, don Pedro de Arce e non immesso fino al XVIII secolo nelle collezioni Royal, poi sofferenza poche aggiunte di importanza nella parte superiore e sul lato sinistro che ha cambiato (va detto che con straordinaria abilità) le proporzioni originali.

L'infanta Doña Margarita de Austria [dettaglio]

Attorno al 1660
Tela di canapa. 2.12 x 1.47
Museo del Prado, Madrid.

Questo ritratto è forse l'ultimo lavoro Velazquez mettere le spazzole, che è ancora possibile che, come sostengono alcuni critici, la tela è stata completata da suo genero Martínez del Mazo, che ha ereditato la sua posizione come imbianchino.

Velázquez, che negli ultimi anni della sua vita a causa di vernice poco e solo ritratti ufficiali, occupato suo tempo da altre faccende della sua crescente importanza nella vita di Palazzo, lasciato magistrale diversi ritratti di questa principessa destinata ad per essere imperatrice di Germania, alcuni dei quali sono oggi il gala del Museo di Vienna.

Qui il pittore esteso l'armonia dei toni con dominante rosa salmone e argento di pomposo costume di corte e forse ha raggiunto il punto più alto nel processo di smaterializzazione della loro tecnica, qui ha reso la aria di pennellata pura e leggera schiuma. Vedi, per esempio, quasi inverosimile trasparenza della sciarpa di pizzo o luminoso scoppiettante della mano e la rosa.

Pubblicato per scopi didattici autorizzati da: Biografías y Vidas